Category: Concert Reviews

words & photos: Raquel Pinheiro

Sérgio Rocha, Sereias guitar player, used a key-less and pedal-less piano in shambles, but which strings still existed to play his Variações Precárias nº 137 para Piano. The principle is simple, pull and stroke the piano’s strings as well as play them with forks, knives, a slim metal bar, use a glass bottle, add some effects pedals and pre-recorded sounds.

The result is quite surprising, pleasant, even. A one-off improvisation, the piano will be destroyed this week, ranging from louder, so to speak, more industrial sounds, to gentle quasi classical music. Quite an interesting approach and evening.

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas

If I went to see Príncipe with some doubts that need to be clarified, with Cavalheiro my position was quite different. The intention was merely to allow myself to be wrapped, without resistance, by his magnificent songs. It was almost always so each time I went to concerts, and the latter, once again at Manuel Passos, was no exception. Sometimes I think I’m the only person in my circle of friends and acquaintances (real and virtual), who really appreciates the great songs of musician Tiago Ferreira. Because, being an assiduous presence in almost all his concerts in Porto since nearly a decade ago … only at times do I identify a known face in the audience that is never big. Strange, or maybe not.
It’s as if Cavalheiro is a closely guarded secret and the world is not aware of it. If that is true, it only makes me like this musical project more, although that is of no use to the musicians.

In last Saturday’s concert, Tiago Ferreira and his companions basically performed the last album, called Falsa Fé, released February 2018. A year went by since its launch, with a third concert in Porto to promote it, in a mission of one concert per semester in the city (February 2018, Passos Manuel and in November 2018 at Casa da Música). The novelty, or added value, resided in the interpretation of a song that was not selected to feature on the album, and that is being used as a career enhancement, while a new album is in the waiting. The song is called Ninguém Me Avisou, and has the curiosity to be a beautiful duet with Xana, Rádio Macau’s singer. I am not much aware of what Tiago Ferreira is achieving with this song, but for what I’ve been reading, here and there, in social and related networks, it’s a song that has generated a lot of interest, both in because of the music as well as the video.

I was not surprised by this show. I mentioned before, maybe has a consequence of having watched others with different formations. There is something already familiar and almost like guessing when Tiago Ferreira’s dedications, loaded with caustic humor between songs (this time the best of all was a pun / analogy between the song Rendez-Vous and the late Zé Pedro and the impossibility of Tiago Ferreira not being able, for now, to accomplish the meeting). Great, and Zé Pedro, I want to believe, was going to have a laugh too. Besides, like the previous ones, it was an excellent concert. This is not a band that excellent sweats their songs. Their league is to play exemplary their classy songs, within great taste and class. A disciplined band, one where each one knows the space and the importance that it has in the different dynamics of each theme, with an exemplary good result, in a sailing rhythm (now it is my turn to make an analogy).

I realized several nuances in his songs, mostly because of two guitars’ game, of textures that remit to shoegaze and some dream-pop. They were probably always there (it the records it does not seem obvious), but, this time around, it was clearer to me. Maybe it was the room acoustics effect and a greater reverberation effect … or not. I really liked it. Everything became more intense and cinematic.

At the end of the concert, under applause, Tiago Ferreira climbed back onto the stage to solo, and touchingly perform the song Fundo do Mar, from the album Ritmo Cruzeiro. It was a moment of pure magic. Already outside I was thinking to myself that I like to watch one-man-band projects more than bands, as even if stripped all the band arrangements Cavalheiro’s song remain pure pop pearls. It’s comforting to realize it.

It was a magnificent night and I got lost in it.

texto e fotos: Guilherme Lucas

Se a Príncipe acorri com algumas dúvidas por esclarecer, com Cavalheiro a minha postura foi bem diferente. A intenção era pura e simplesmente a de deixar-me embalar pelas suas magníficas canções, sem resistir. Quase sempre foi assim de todas as vezes que assisti aos seus concertos, e este último, mais uma vez no Passos Manuel, não fugiu a essa regra. Por vezes acho que sou a única pessoa do meu círculo de amigos e conhecidos (reais e virtuais), que aprecia realmente as grandes canções do músico Tiago Ferreira. Porque, sendo assídua presença em quase todos os concertos que este efetuou na Invicta desde há quase uma década atrás… só identifico por vezes uma ou outra cara conhecida na assistência, que nunca é numerosa. Coisa estranha, ou nem tanto. É como se Cavalheiro fosse um segredo muito bem guardado e o mundo não se desse conta. O que a ser eventualmente verdade, só me faz gostar mais deste projeto musical, embora isso não sirva de nada para os músicos.

Neste concerto de sábado passado, Tiago Ferreira e companheiros interpretaram essencialmente o último álbum, de nome Falsa Fé, de Fevereiro de 2018. Um ano passou sobre o seu lançamento, com este seu terceiro concerto no Porto para o promover, em missão de um concerto por semestre na cidade (em Fevereiro de 2018 no mesmo Passos Manuel e em Novembro na Casa da Música). A novidade, ou o valor acrescentado, residiu na interpretação de um tema que não foi eleito para figurar no álbum, e que está a servir de reforço de carreira, enquanto se aguarda por um próximo trabalho de longa duração. O tema chama-se Ninguém Me Avisou, e tem a curiosidade de ser uma belíssima canção em dueto com a Xana, vocalista dos Rádio Macau. Não tenho muita noção do que está a ser alcançado, através deste tema, para Tiago Ferreira, mas pelo que vou lendo, aqui e ali, nas redes sociais e afins, é canção que tem gerado muito interesse, tanto pela música como pelo seu vídeo-clip.

Não me senti surpreendido com este seu espetáculo, e como referi atrás, talvez já consequência de ter assistido a outros da banda, e com diferentes formações. Há algo que já me resulta familiar e quase como já a adivinhar os momentos das dedicatórias de Tiago Ferreira, carregadas de humor cáustico entre canções (desta vez a melhor de todas foi um trocadilho/analogia entre a canção Rendez-Vous e o falecido Zé Pedro e da impossibilidade de Tiago Ferreira não conseguir, por agora, cumprir esse encontro). Genial, e o Zé Pedro, quero crer, também ia dar uma gargalhada. De resto, este concerto foi excelente, como os anteriores. Esta não é uma banda de suar fisicamente as suas canções. O seu campeonato é o de interpretar exemplarmente as canções de grande categoria, dentro de um enorme bom gosto e classe. Banda disciplinada, onde cada um sabe o espaço e a importância que tem nas diferentes dinâmicas de cada tema, com um resultado exemplarmente bom, em ritmo cruzeiro (agora é a minha vez de fazer uma analogia).

Apercebi-me em várias nuances das suas canções, muito pelo jogo das duas guitarras, texturas que remetem para o shoegaze e alguma dream-pop. Possivelmente sempre lá estiveram (não parece óbvio discograficamente), mas isso resultou mais claro para mim desta vez. Talvez efeito da acústica da sala e de um efeito maior de reverberação… ou não. Gostei bastante. Ficou tudo mais intenso e cinemático.

No final do concerto, e sob bastantes aplausos, Tiago Ferreira subiu de novo ao palco para interpretar, a solo, e de forma tocante, o tema Fundo do Mar, do álbum Ritmo Cruzeiro. Foi um momento de pura magia. Eu que gosto mais de assistir a projetos one-man-band do que bandas, fui a pensar com os meus botões, já no exterior, como afinal as músicas de Cavalheiro continuam a ser puras pérolas pop, mesmo que despidas de todos os seus arranjos com banda. É reconfortante constatar isso.

A noite estava a ser magnífica e perdi-me nela.

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas

Príncipe is musician’s Sebastiao Macedo personal project that he splits with his other band, Ciclo Preparatório. If at first we may be tempted to look for communalities in both projects musical and poetic discourse in Príncipe, that task is immediately solved by listening attentively to his excellent work, summarized in his December 2017 debut album as a singer-songwriter called A Chama e o Carvão .

Príncipe is a musical project of touching, deep beauty that elevates us Above. It is simply delicious and the greatest that Portuguese music has currently to give. A thing that Ciclo Preparatório does not achieve or aims to, maybe because of having a different goal and stance.

Sebastião Macedo is a great multi-instrumentalist with a good voice, both in his compositions and in his lyrics. In such regard he also is a good poet and writer. All his songs, which are huge, condense a whole way of being Portuguese and worldly, in the most melancholy and hopeful fashion we have. The songs have fado and classical music intelligently intertwined with our most popular “troubadour” and ancestral roots folk music, with arrangements and sounds from the most global modern indie-pop. It is amazing to realize that Príncipe’s first album in an adult one for eternity, in the sense of striking perfection. The reason being Sebastião Macedo has his very own musical and singing style, already stylistically defined, which allows him to be differentiated from his other peers others who may be within the same typology.

It has been some time I had wanted to see Príncipe; I wanted to check whether my suspicions were right or whether I was being overly enthusiastic about his music solely based on listening to his recorded work. The opportunity presented last Saturday. Príncipe’s concert not only confirmed what I already thought of him and of his music, but also reinforced my opinion that there is something very precious in him to already take him very seriously. His performance was very good and settled on the irreprehensible interpretation of his album. It was a careful performance in good taste, where everything was perfect between very committed and attentive musicians. However, there was a moment for which this old punk rocker, who signs these no-future reviews, was not warned and prepared for. The interpretation of the theme Luz Cessar-Fogo was the most glorious and luminous moment of the whole concert; something that overwhelmed me completely and made me shiver like a fool. It was music doing its redeeming miracles. He had no right, it was not right and I will never forget it!

This Príncipe [Prince] is already a King, and I urge the gods to make him a deserving Emperor in the future.

texto e fotos: Guilherme Lucas

Príncipe é o projeto pessoal do músico Sebastiao Macedo, que o reparte com a sua outra banda, Ciclo Preparatório. Se à partida podemos ser tentados a procurar aspetos comuns aos dois projetos no discurso musical e poético deste Príncipe, essa é tarefa que fica imediatamente resolvida, na escuta atenta do seu excelente trabalho, resumido no seu álbum de estreia de Dezembro de 2017, de nome A Chama e o Carvão, enquanto cantautor.

Príncipe é um projeto musical de uma beleza tocante, profunda e que nos eleva ao Éter. É simplesmente delicioso e do mais grandioso que a música portuguesa tem para nos dar por estes dias. Algo que Ciclo Preparatório não consegue ou ambiciona, talvez por ter objetivo e postura diferente.

Sebastião Macedo é um grande músico multi-instrumentista com uma boa voz, tanto nas suas composições como nas suas letras. É, nesse sentido, também um bom poeta e escritor. Todas as suas canções, que são enormes, condensam toda uma forma de ser português e do mundo, no que de mais melancólico e esperançoso temos. Há nelas fado e música clássica entrecruzada inteligentemente com a nossa música popular de raiz mais “trovadoresca” e ancestral, com arranjos e sons da mais moderna indie-pop global. Espanta constatar que este Príncipe tem no seu primeiro trabalho um álbum adulto e para a eternidade, no sentido de raiar a perfeição. Isso ocorre porque Sebastião Macedo tem um estilo musical e de canto muito próprio e já definido estilisticamente, que o permite diferenciar de outros seus pares que também possam estar dentro da mesma tipologia.

Desejava ver este Príncipe ao vivo há já algum tempo; queria confirmar se as minhas suspeitas estavam certas ou se estava a ser demasiadamente entusiástico com a sua música baseada apenas na escuta do seu trabalho discográfico. Essa oportunidade ocorreu no sábado passado. O concerto de Príncipe não só confirmou o que já pensava dele e da sua música, como reforçou ainda mais a minha opinião de que há nele algo muito precioso para o levar muito a sério desde já. O seu espetáculo foi muito bom e assentou na interpretação irrepreensível do seu álbum. Foi uma atuação cuidadosa e de bom-gosto, onde tudo esteve perfeito entre músicos muito empenhados e atentos. Mas houve um momento para o qual este velho punk rocker, que assina estas reviews sem futuro, não ia de todo avisado e preparado. A interpretação do tema Luz Cessar-Fogo foi o momento mais glorioso e luminoso de todo o concerto; algo que me arrebatou completamente e me fez arrepiar como um idiota. Foi a música a fazer os seus milagres redentores. Não há direito, não se faz e jamais o esquecerei!

Este Príncipe é já um Rei, e peço encarecidamente aos deuses, que no futuro, venha a ser um merecido Imperador.

Holy Motors + Balmer Youth, Hard Club, Porto, 09.01.2019 – Part 2

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas

Holy Motors (name taken from French director Leos Carax s  enigmatic and bewildering  2012 film) played their first ever Portuguese concert in Hard Club’s Sala 2 and today they facet their second, and last Portuguese gig in Lisboa.

The Estonians, from Tallinn have been touring Europe for the first time to present their debut album, Slow Sundown, that was releases almost a year ago in February 2018. It is a beautiful album with eight superb songs that deserve a careful and long listening.

Holy Motors are a band that offers us pure magic in all its wonder, through deeply cinematic and seductive musical and thematic discourse. They’re a slow speed group, like a hypnotic, misty dream, in which we wander aimlessly, as we’re fleeing terrified of something that haunts us with sinister intentions. All their music is punctuated with sublime details that compete passionately for the exaltation of our innermost emotions, managing to move and transport us to the deepest melancholy and absolutely dark beauty. They are, in their very own way, psychedelic in the cryptic suspense that their sonic textures convey to us.

The quintet is musically inserted into shoegaze, with residual post-punk derivations (although in a remarkably indie-pop posture, very much through a quite identifiable formula with some of the biggest names that have signed the best music of the last few decades. Holy Motors’ guitar sounds have the seminal ghosts of the genial Rowland S. Howard (though in a more contained and much less inflammatory way) or the brilliant James Wilsey in what refers to the more surf and dream pop landscapes of their songs. One can also see that revisited musical aesthetic, by the a la Morricone or David Lynch ambient in the darker and denser ambiences of their music. One side more Tarantino, in its more country-western fashion and obscure “flamenco”, and an entire lineage that, among others, goes from My Bloody Valentine to Cocteau Twins or Slowdive that fit the same purposes. Finally, there is always the omnipresence of Mazzy Star, Hope Sandoval or even Cowboy Junkies in Elian Tulve, Holy Motors’ lead singer mournful singing style of the purest and sweetest abandon.

Not being an original band in their musical and aesthetic purposes, Holy Motors aren’t less interesting because of it. Their field of action is completely imbued with mystery and dream, and, therefore, very intense. Revisiting what others – a few – have done in a pioneering way, reinventing and revitalizing an entire discourse that is send back to us in a sure and quite convincing way. We liked Holy Motors because we like the main sources where they drank from to compose their songs.

Personally, there was a greater momentum in their all performance: when they played the fabulous Sleeprydr in their breathtaking final solo. It was worthy the whole concert   because it brilliantly summarizes all the above-mentioned influences and on its own defines what is, in large part, shoegaze. Unforgettable!

Finally, I found the Estonian band concert unquestionably good, though more lukewarm than exhilarating. Good musicians, an excellent voice and a static and focused in the execution of their music stage stance. And fantastic songs that are what saves our days and nights. All in all, no small feature.

texto e fotos: Guilherme Lucas

Holy Motors – Os Holy Motors (nome retirado ao enigmático e desconcertante filme de 2012, do realizador francês Leos Carax), realizaram o seu primeiro concerto de sempre em território nacional, na sala 2 do Hard Club, sendo que hoje cumprem a sua segunda, e última data lusa, em Lisboa.

Estes estonianos, de Tallin, andam até meados deste mês em tour pela Europa para apresentar o seu primeiro álbum de originais, de nome Slow Sundown e que já conta com quase um ano de existência desde que foi editado em Fevereiro de 2018. De resto, um belíssimo álbum com oito soberbas canções que merece uma escuta cuidadosa e demorada.

Os Holy Motors são uma banda que nos oferece pura magia em toda a sua plenitude, através de um discurso musical e temático que é profundamente cinemático e sedutor. É grupo de velocidade lenta, como num sonho hipnótico, enevoado, em que deambulamos sem rumo, como que a fugir aterrorizados por algo que nos persegue com objetivos sinistros. Toda a sua música é pontuada de pormenores sublimes que concorrem de forma apaixonada para a exaltação das nossas emoções mais recônditas, conseguindo emocionar-nos e transportar-nos para paragens da mais profunda beleza melancólica e absolutamente noir. São, de uma maneira muito própria, psicadélicos no suspense enigmático que as suas texturas sonoras nos transmitem.

O quinteto está musicalmente inserido dentro do shoegaze, com derivações residuais de algum post-punk, numa postura marcadamente indie-pop e muito por via de uma fórmula que é bastante identificável com alguns nomes maiores que assinaram a melhor música das últimas décadas. Há na sonoridade das guitarras destes Holy Motors os fantasmas seminais de um genial Rowland S. Howard (embora numa postura mais contida e bem menos incendiária) ou de um brilhante James Wilsey naquilo que remete para as paragens mais surf e dream pop das suas canções. Percebe-se também essa estética musical revisitada, pelos ambientes à la Morricone ou à la David Lynch nas ambiências mais obscuras e densas da sua música, um lado mais Tarantino, na sua vertente mais country-western e de “flamengo” obscuro, de toda uma escola que vai desde os My Bloody Valentine até aos Cocteau Twins ou Slowdive, entre outros, que se inserem nos mesmos propósitos. Finalmente há sempre a pairar a omnipresença de uns Mazzy Star, de uma Hope Sandoval ou até de uns Cowboy Junkies no estilo de canto dolente, do mais puro e doce abandono, de Elian Tulve, vocalista destes Holy Motors.

Não sendo uma banda original nos seus propósitos musicais e estéticos, estes Holy Motors não deixam de ser por isso menos interessantes. Porque o seu campo de ação é completamente imbuído de mistério e sonho, e muito intenso por isso. Revisitando o que outros – poucos – fizeram de forma pioneira, reinventam e revitalizam todo um discurso que nos é devolvido de forma convicta e bastante convincente. Gostamos destes Holy Motors porque gostamos das fontes iniciais a que eles foram beber para compor as suas canções.

Pessoalmente, existiu um momento maior em relação a todo o seu espetáculo quando interpretaram o fabuloso tema Sleeprydr no seu solo final, que foi de cortar a respiração. Valeu por todo o concerto porque condensa genialmente todas as influências atrás citadas e que por si só define o que é, em grande parte, o shoegaze. Inesquecível!

Finalizando, achei inquestionavelmente bom o concerto destes estonianos, embora mais para o morno do que para o entusiasmante. Bons músicos, uma excelente voz e uma postura em palco estática e muito compenetrada na execução da sua música. E canções fantásticas, que são o que nos salva os dias e as noites. É por aí, e já não é pouco.

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas

Porto’s young sextet Balter Youth were selected as Estonian band Holy Motors support act on their first Portuguese concert at Hard Club.

Generally speaking Balter Youth create independent pop, or indie-pop to express ourselves more universally. It is only fair to say in this brief assessment that they do it very well. Their music if of the purest pop filigree, highly crystalline and subtle, pleasantly light as a fragrance.

Essentially, Balter Youth offered us are some good, well-crafted, pop songs. Of the sort which choruses are left in our ears after hearing them a few times. The type that can easily aim to airplay on any radio or network show, if that still has meaning these days. Just to state their universality and how easy it is to absorb their music, without complexes or major difficulties.

A plus the band shows, after carefully listening to their works on their Youtube channel and Soundcloud is that their songs are not of easy and obvious comparison with major and historical bands of universal reference. One recognizes some of them in their sound, but not in a very categorical or stylistic way, more as a faint suggestion, not so much as evidence. Therefore, there is an unpretentious ingenuity by its members that reveals itself in a sincere and carefree manner throughout their themes.

Upon a stage Balter Youth showed they had a very solid and capable project for whatever lies ahead. As they have good songs in a pop-teen style, but above all because their singer Inês Pinto da Costa has an excellent voice to sing their compositions, which in pop affairs is vital to go places. They appear to be a group in which all their forefronts and sides seem to be well protected and ready to achieve an ever greater public recognition, if there is ability – and some luck – for the group to grow with more shows in their resume, which will inevitably propel their songs to a wider audience. I liked them … they are good.

texto e fotos: Guilherme Lucas

Abriram a noite de quarta-feira passada, os portuenses Balter Youth, jovem sexteto eleito para banda suporte aos estonianos Holy Motors, neste seu primeiro concerto nacional no Hard Club.

Os Balter Youth fazem genericamente pop de cariz independente, ou indie-pop para nos expressarmos de forma mais universal. E fazem-no muito bem de resto, para que se faça a devida justiça nesta breve apreciação. A sua música é da mais pura filigrana pop, muito cristalina e subtil, agradavelmente leve como uma fragrância.

São essencialmente algumas boas, e muito bem trabalhadas, canções pop aquilo que estes Balter Youth nos oferecem. Das que tem refrões que nos ficam no ouvido ao final de poucas audições. Das que podem ambicionar airplay sem problema algum, em qualquer rádio ou programa televisivo, se é que isso ainda signifique algo nos dias de hoje. Apenas para vincar a universalidade e a facilidade de absorver a sua música, sem complexos ou dificuldades de maior.

Uma mais-valia que o coletivo revela, numa escuta atenta aos seus trabalhos disponíveis no seu canal Youtube e Soundcloud, é que as suas canções não são de fácil e óbvia comparação com bandas maiores e históricas e de referência universal. Reconhecemos no seu som algumas delas, mas não de uma forma muito taxativa ou estilística, mas mais como uma ténue sugestão e não tanto como uma evidência. Há por isso um despretensioso engenho por parte dos seus elementos que se revela de forma sincera e despreocupada ao longo dos seus temas.

Os Balter Youth mostraram em palco ter um projeto muito sólido e capaz para o que há-de vir e tiver de ser. Porque possuem boas canções num estilo pop-adolescente, mas acima de tudo, porque também tem na sua vocalista Inês Pinto da Costa uma excelente voz a assinar as suas composições, o que nestas coisas da pop é vital para se conseguir ir a algum lado. Aparentam ser grupo em que todas as suas frentes e laterais parecem estar bem protegidas e prontas para alcançar um cada vez maior reconhecimento público, haja capacidade – e alguma sorte – para o grupo conseguir crescer com mais espetáculos no seu currículo, que inevitavelmente propagarão as suas canções a uma audiência mais vasta. Gostei deles… são bons.

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas

Coimbra’s duo Ghost Hunt played last Wednesday at Café Casa da Música, Porto. The electronic music group are Pedro Oliveira keyboards and programming) and Pedro Chau (bass, vocals – already well-known within the Portuguese music scene for his career between no longer existing Tédio Boys and 77, currently in The Parkinsons and Subway Riders).
The most relevant thing to say about Ghost Hunt’s concert is that they are a serious band, very professional in the way they play music. They’re very good within their genre. Live, they so it all in a very cohesive and enlightened way. There is a well-thought-out and fluid project, straightforward, where themes roll in a logical and natural fashion, providing a show without less interesting or dead moments for those who see them live. I want to believe that in a one hour show they managed to large the audience that attended the concert – Café Casa da Música’s ample space was nearly full. The applause at the end of each theme proved such delight.
Broadly speaking Ghost Hunt play fresh, current electronic music, but there is an aspect or a way of playing it that derives from a past rock’n’roll culture. Perhaps it is that factor that makes it so organic and “human”. But it is not just that detail that helps such perception. The duo manages to make a very clever mix of stylistic genres ranging from krautrock to space-rock, to synth-pop-rock to darkwave, new-wave and post-punk. In Ghost Hunt’s music can be heard sonorities suggested by Kraftwerk or Tangerine Dream, but also Gary Numan, Orchestral Maneuvers in the Dark or New Order, the list being very long and diverse, as it results from a mixture of decades – and different bands and artists – that contribute as references to duo ‘s sound. This to also mention that is in their music, which is essentially very melodic and captivatingly pop with some experimentation, although very objective, punctual and short length. I will say the group’s themes share a great intimate ambient beauty, mixed with blinding sidereal explosions, with vertiginous psychedelic speeds through space, at times cold and mechanical, at times hot and melodically grandiose. There is a dark and obscure side to their themes as well as melancholic beauty that elevates towards something hopeful and liberating.
As a conclusion I will say that Ghost Hunt are a very interesting band quite of being carefully listened to. This project ennobles the current Portuguese music scene. They are one of those bands that make us proud, regardless of our liking or disliking of electronic music and so.

 

texto e fotos: Guilherme Lucas

O duo coimbrense Ghost Hunt atuou, na passada quarta-feira, no espaço do Café Casa da Música, no Porto. Este grupo de música eletrónica é composto por Pedro Oliveira, na parte dos teclados e programações, e Pedro Chau no baixo e vocalizações (este último já é por demais conhecido dentro do panorama musical nacional, devido à sua carreira musical, repartida entre os extintos Tédio Boys e 77 e presentemente nos The Parkinsons e nos Subway Riders).
O que há a dizer de mais relevante deste seu concerto é que os Ghost Hunt são uma banda feita, séria, muito profissional na entrega à interpretação da sua música, sendo muito bons dentro da sua tipologia musical. Demonstraram precisamente tudo isto ao vivo, de uma forma muito coesa e esclarecida. Há um projeto muito bem pensado e fluído, sem espinhas, onde os seus temas sucedem-se de forma lógica e natural, proporcionando um espetáculo sem pontos mortos, ou menos interessantes, para quem assiste a um seu concerto. Em uma hora de espetáculo conseguiram, quero crer, cativar todo o numeroso público que afluiu ao concerto, e que encheu praticamente o amplo espaço do Café Casa da Música. As muitas palmas, nos finais de cada tema, eram prova desse agrado.
Os Ghost Hunt fazem genericamente música eletrónica, fresca e atual, dos nossos dias, mas há uma vertente, ou uma forma de a interpretar que deriva de toda uma cultura rock’n’roll que está no passado. É talvez esse fator que a faz ser tão orgânica e “humana”. Mas não é só esse pormenor que concorre para essa perceção. O duo consegue fazer uma muito acertada e despudorada mistura de géneros estilísticos que vão desde o krautrock ao space-rock, ao synth-pop-rock, à darkwave, new-wave e post-punk. Ouvimos na música dos Ghost Hunt sonoridades que nos sugerem os Kraftwerk ou os Tangerine Dream, mas também Gary Numan, Orchestral Manoeuvres in the Dark ou New Order sendo que a lista é muito extensa e diversa, pois resulta de uma mistura de décadas – e de diferentes bandas e artistas – que contribuem como referências para o som deste duo. Isto para referir também que se encontra na sua música, que essencialmente é muito melódica e cativantemente pop, alguma experimentação, embora de forma muito objetiva, pontual e de curta duração. Direi que os temas do grupo comungam de uma enorme beleza ambiental, intimista, misturada com fulminantes explosões siderais, de velocidades psicadélicas vertiginosas pelo Espaço, ora gélidas e maquinais, ora quentes e melodicamente grandiosas. Há um lado negro e obscuro nos seus temas mas também uma beleza melancólica que nos eleva para algo esperançoso e libertador.
Direi, em jeito de conclusão, que estes Ghost Hunt são uma banda deveras interessante e muito merecedores de uma escuta atenta. Engrandecem, com este seu projeto, o atual panorama musical nacional. De tal forma, que são daquelas que nos dão orgulho, mesmo que se goste, ou não, de música eletrónica e afins.

essante e muito merecedores de uma escuta atenta. Engrandecem, com este seu projeto, o atual panorama musical nacional. De tal forma, que são daquelas que nos dão orgulho, mesmo que se goste, ou não, de música eletrónica e afins.

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas

Porto’s duo Baleia, Baleia, Baleia played at Woodstock 69 on Friday night. Baleia are a relatively new band in the Portuguese music scene. They come to be in 2015, but only in 2016 did the project had a defined shape. So far, they have two albums on their resume (Botaperna, July 2017 (a live recording), and Baleia, Baleia, Baleia, March 2018). It has been several months since they’ve been their latest album. This show, within Tour das Rabanadas (French Toast Tour) comprising seven gigs during Christmas and end of the year, was part of that goal.

Baleia, Baleia, Baleia are a somehow particular band within our current musical landscape that a lot of interest from several sides of specialized music review as well as from the general public. Simplifying, they’re hype. What makes them so?

Looking closely at their repertoire it seems clear to me that it all derives a lot from a very intelligent fusion with a sense of humo of a whole inheritance/tradition of singing and writing similar to some of the biggest Portuguese pop-rock acts of the last decades, backed by a very powerful (and addictive) varied instrumental within Anglo-Saxon pop-rock-metal.

Many of the vocals and choruses with which vocalist/bassist Manuel Molarinho expresses himself, among others, clear suggest references Heróis do Mar or Ana Deus, Reporter Estrábico or even the more recent Vaiapraia. His lyrics also have a very well structured analysis of daily life viewed form an adolescent anguish perspective. A simple, deep and accurate writing, within a programmatic construction of reality, at times surrealistic and pamphletary. Never disconnected from the main goal:  pass to us messages and feelings inspired and universal, just as if we were sweetly bitten by a bee. All in a very direct manner, through a quite crystalline singing so that everyone understands what they are telling us.

Finally, they operate on a melting pot of musical influences, ranging from punk to new-wave, hard-rock to stoner to doom to psychedelic … and the list goes on, but performed in a pop, purposeful with a very unique sound. In that regard, there aren’t too many unnecessary excesses or instrumental reveries; only what is strictly necessary to build good pop songs, heavy sounded, but not enough to classify them as an overtly heavy band. There is also joy, even if acid and at times insane emanating from their themes placing them in a palette of colours sufficiently distant from dark and obscure, or a deeper and more strict underground. In that, they also make a difference.

Live, Manuel Molarinho and Ricardo Cabral (drummer) proved to be excellent musicians. The type who manages to simplify where others only complicate to show vain skills. The duo is very pleasantly surprising in the natural way their live songs sound, but above all by the excellent and very well defined bass lines, which are remarkable. Baleias most famous theme (I Want to be a Screen) is the best example of what I mean: one of the best bass lines I remember listening to in recent years: simply brilliant! But, there is much more.

Baleias are a good live band; they perfectly fulfill what their songs demand, in a very empathetic and friendly way with the audience. I find it hard not to like them, unless one dislikes their repertoire from the start. One realizes that it is a group that has something more than many others; no longer “one more in the pile” even though this is not always possible to be described by words.

The two musicians played all the themes from Baleia, Baleia, Baleia along with a cover of Daniel Catarino’s Adultério na Igreja and a cover of Mão Morta’s Cão de Morte in the middle. It was a good show, with the most well lit and best decorated stage I’ve seen so far at Woodstock 69 and beyond. At the end of the performance desired, and, in my view, well deserved both for audience and band, encore didn’t happen.

In a nutshell: Whales offered an excellent Friday night for those who went to their concert. It was a good and, therefore, advisable!

texto e fotos: Guilherme Lucas

O dueto portuense Baleia Baleia Baleia apresentou-se ao vivbo no Woodstock 69, na noite da passada sexta-feira. Estes Baleias são uma banda ainda relativamente recente no nosso panorama musical nacional. Formaram-se em 2015, mas só em 2016 é que o projeto ficou definido. Contam, até esta data, com dois álbuns no seu currículo (Botaperna, de Julho de 2017 (um registo ao vivo), e Baleia, Baleia, Baleia, de Março de 2018). Andam por isso, há já alguns meses a divulgar em concerto este seu mais recente trabalho, e este espetáculo fez parte desse objetivo, inserido na Tour das Rabanadas de sete datas nacionais, durante este período natalício e de final do ano.

Os Baleia, Baleia, Baleia são uma banda algo particular dentro do nosso atual panorama musical e que tem gerado bastante interesse por parte de diversos quadrantes de alguma crítica musical especializada, mas também do público em geral. Ou seja, e simplificando, são hype. E então qual o motivo para tal?

Parece-me evidente, ao analisar atentamente o repertório da banda, que todo ele deriva muito pelo facto de que fundem, de forma muito inteligente e com sentido de humor, toda uma herança/tradição de canto e de escrita, que encontra similaridade com alguns nomes maiores do universo pop/rock português das últimas décadas, apoiado por um instrumental muito poderoso (e viciante), musicalmente variado dentro de tipologias pop/rock/metal anglo-saxónicas.

Encontramos em muitas das vocalizações e refrões com que o vocalista e baixista Manuel Molarinho se exprime, claras sugestões que nos remetem para uns Heróis do Mar ou uma Ana Deus, uns Repórter Estrábico ou até a um mais recente Vaiapraia, entre outras. Mas também há nas suas letras uma muito bem estruturada análise do quotidiano numa perspetiva de angústia adolescente, com uma escrita simples, profunda e certeira, dentro de uma construção programática algo surrealista e panfletária da realidade, mas que jamais se desliga da intenção primeira de nos transmitir mensagens e sentimentos inspirados e universais, tal como se fossemos docemente picados por uma abelha. Tudo isto de forma muito direta, através de um canto muito cristalino para que todos entendam o que nos estão a transmitir.

Finalmente, operam num “melting pot” de influências musicais, que vão desde o punk à new-wave, ao hard-rock, ao stoner, ao doom, ao psicadélico… e a lista fica um pouco para o infindável, mas que são todas elas executadas de uma forma pop, objetiva e com um som muito próprio. Não há nesse sentido, muitos excessos ou devaneios instrumentais desnecessários; só concorre o estritamente necessário para edificar boas canções de cariz pop, com um som que é pesado, mas não o suficiente para os classificar como banda ostensivamente pesada. Existe também uma alegria, mesmo que ácida e algo insana, que emana dos seus temas e que os localiza numa palete de cores suficientemente afastada do negro e do obscuro, ou de um underground mais profundo e rígido. E neste aspeto também marcam diferenças.

Em concerto, Manuel Molarinho e Ricardo Cabral (baterista), demonstraram ser excelentes músicos, daqueles que conseguem simplificar onde outros só complicam para exibir competências vãs. O dueto surpreende muito agradavelmente pela forma natural como faz soar as suas canções ao vivo, mas acima de tudo pelas excelentes e muito bem definidas linhas de baixo, que são de assinalável destaque. O tema mais famoso dos Baleia (Quero ser um Ecrã), é o melhor exemplo do que refiro: uma das melhores linhas de baixo de que me lembro de escutar nos últimos anos: simplesmente brilhante! Mas há muitas mais, para além dessa.

Estes Baleias são uma boa banda ao vivo; cumprem na perfeição o que as suas canções exigem, num registo muito empático e amistoso com o público. Acho difícil não se gostar deles, a menos que se deteste o seu repertório à partida. Percebe-se que é grupo que tem mais alguma coisa do que muitos outros; que não é mais um do “monte”, mesmo que isso nem sempre seja possível de ser descrito por palavras.

Os dois músicos interpretaram todos os temas do seu álbum Baleia, Baleia, Baleia conjuntamente com a versão de Adultério na Igreja, de Daniel Catarino e a versão dos Mão Morta, Cão de Morte, que foram introduzidas lá pelo meio. Foi um bom espetáculo este a que assisti, e com o palco mais bem iluminado e melhor decorado que presenciei até à data no Woodstock 69, e não só. No final da atuação não houve direito a um desejado encore, algo que acho que era bem merecido, tanto para o público como para a banda.

Resumindo: estes Baleias proporcionaram uma excelente noite de sexta a quem se deslocou ao seu concerto. Foi coisa boa, e por isso, aconselhável!

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas

Andy Burns an Australian singer-songwriter living in Tokyo, maker of high-quality alternative lo-fi pop songs that some music critics nickname bedroom pop because of how the musician composes, records and produces, all almost home-made. His songs also have a theme that derives from many of his daily, personal, unashamed and somewhat ironic thoughts and experiences, many of them home-grown or with people who somehow come by his home or work life. In short, a kind of philosophy and sense of everyday life transformed into pop songs.

So far, the musician released two excellent albums in 2018 (Excited in April and Good Grief in August), having, at the beginning of his career, released another – not much mentioned – called Songs for Films, from 2016. Is simply fascinating, consisting of three beautiful songs. Currently, Andy Burns seeks to revitalize his career, hence the release of two albums this year, as a way to accelerate the advertising process of his work, along with what it entails.

The Australian musician played last Tuesday at Casa do Livro, in Porto, the last date concert of his European tour, started in November.

Armed only with his Fender guitar, connected to a small Vox valves amplifier, and with the instrumental sound of his songs, as heard in his albums, one after the other by way of linking his mobile to the room ‘s PA, the musician offered his show to the audience. A mix of karaoke with guitar and voice in the instant. It fully worked and, as much as possible, it was extremely simple and honest where the lo-fi approach of his music is concerned.

Either playing tracks with the guitar, or putting it aside and wielding the microphone whistle wandering in rambling dance steps, Andy Burns not only showed a tremendous competence to depict his music in its different intensities but also in its most humorous parts.

He was quite nice with the audience, always telling stories about some of his songs, among smiles and giggles from the audience, explaining that one was dedicated to a friend who works at a Disney call center (and what it means when it come to the level of hilarious imbalances). Or the loved-up couple with whom he shared the apartment who used the sofa bed for the obvious, always keeping hold of it, therefore leaving him hoping all the time to rescue it … and his peace.

I really enjoyed Andy Burns’ concert, not only because of his music, but also for format found; a very unusual thing live, but that proved to be extremely accurate and convincing. It was quite enjoyable and to the flavour of his music and this type of registry, pop (but not mainstream or commercial pop). Andy Burns is a solid name to be reckoned with right now in the current the alternative lo-fi pop. Tremendously recommendable!

texto e fotos: Guilherme Lucas

Andy Burns é um cantautor australiano a viver em Tóquio, criador de canções pop de grande qualidade, num registo alternativo e lo-fi a que alguma crítica musical apelida de bedroom pop, muito por conta da forma como o músico compõe, grava e produz o seu trabalho, e que é quase todo ele feito em ambiente caseiro. Mas também há nas suas canções uma temática que deriva das diversas experiências e pensamentos pessoais, desassombrados e algo irónicos, do dia-a-dia de Andy Burns, muitos deles caseiros ou com pessoas que, de alguma forma, cruzam a sua vida, tanto no seu emprego como na sua residência. Uma espécie de filosofia e sentido de vida do quotidiano transformados em canções pop, para abreviar.

Até à data, o músico lançou dois excelentes álbuns durante este ano de 2018 (Excited, em Abril e Good Grief em Agosto), tendo no início da sua carreira lançado um outro – que não é muito referenciado – de nome Songs for Films, de 2016, e que é simplesmente fascinante, constituído por três belas canções. Andy Burns procura atualmente revitalizar a sua carreira, daí a edição de dois álbuns este ano, como forma de acelerar o processo de divulgação do seu trabalho, com os consequentes concertos ao vivo a que isso obriga.
O músico australiano esteve na passada terça-feira, no bar Casa do Livro, no Porto, para a última data de uma tour europeia, iniciada em Novembro.

Foi, munido apenas da sua guitarra Fender, ligada a um pequeno amplificador Vox a válvulas, e com o som do instrumental das suas canções, tal qual as escutamos nos seus álbuns, a sucederem-se por via da ligação do seu telemóvel para o PA da sala, que o músico ofereceu ao público o seu espetáculo, um misto de karaoke com guitarra e voz ao momento. E o que é facto é que esta tipologia funcionou plenamente e foi, na medida do possível, extremamente simples e honesta em relação à abordagem lo-fi da sua música.
Ora interpretando temas com a guitarra a acompanhar, ou simplesmente colocando-a de parte e empunhando o microfone, enquanto deambulava em passos dançantes desconexos, Andy Burns, não só demonstrou uma enorme competência para representar a sua música nas suas diferentes intensidades, mas também nas suas partes mais humorísticas.

Simpático que baste com a audiência, sempre foi contando algumas histórias referentes a algumas das suas canções, entre sorrisos e gargalhadas da assistência, explicando que uma era dedicada a um amigo que trabalha(va) num call-center da Disney (e do que isso pressupõem a nível de desequilíbrios hilariantes), como do casal de namorados com quem partilhava o apartamento e que usavam o seu sofá-cama para o óbvio, estando sempre ocupado, ansiando, por isso, e a todos os momentos pelo resgate do mesmo… e da sua paz.

Gostei bastante deste concerto de Andy Burns, não só pela sua música, mas também pelo formato de espetáculo encontrado; é algo muito pouco usual ao vivo, mas que demonstrou ser extremamente preciso e convincente. Este foi bastante agradável e ao sabor da sua música, e, neste tipo de registo, que é pop (mas não pop mainstream ou comercial), Andy Burns é um nome sólido para se contar, desde já, dentro da pop lo-fi alternativa atual. Muitíssimo aconselhável!

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas

Lisboa’s instrumental post-rock  band Then They Flew  played last Saturday at Woodstock 69. They were the first post-rock band I saw live at now closed CAVE 45, in 2016 and holds a special place in my referential memories. So much so that when I read something about post-rock bands, or watch them live, I always remember Then They Flew, and use them as comparison.

In this concert, the group presented itself with the same dynamics and sturdiness with which I was convinced the first time I saw them. Excellent musicians, with a repertoire of great quality within the usual dynamics of their musical style, situated somewhere in the duality between melancholic, fragile and contemplative ambient and smashing explosions of pure melodic and cinematic energy. They revisited their only album, the excellent Stable as the Earth Stops Spinning from October 2015. Themes like Owls, An Enemy Will Bring Us Together or La Lys were some of those played, and that are particularly dear to me. As far as I am concerned they played a very good concert, showing on stage their undeniable value as a band and musical project. At the end of their performance, at the insistent request of an audience very pleased with their performance, they played a one song encore.

After the show in an informal conversation with Bernardo Sampaio, one of the three guitarists and main promoter of the group, I become aware they had just recorded their second album. Mixing and final mastering will follow. They hope to release it early 2019, expectation to have more concerts and reach some summer festivals. The idea of a stronger and more instrumentally heavy album than the first one was on the air. Then They Flew have had constant live activity, essentially centered within their location, that is, the South of the country, with sporadic detours, like their last Saturday’s return to Porto.

As far as I’m concerned, I will be waiting to listen to the next album, with the obvious expectation of seeing them live again during 2019. They’re an interesting band.

texto e fotos: Guilherme Lucas

A banda lisboeta de post-rock instrumental, Then They Flew, atuaram, no sábado passado, no bar Woodstock 69. Esta foi a primeira banda que vi ao vivo dentro do género post-rock, em 2016, no extinto CAVE 45, e por isso ocupa um lugar especial nas minhas memórias de referências. Do género de que quando leio algo sobre bandas post-rock, ou assisto, ao vivo, a outras bandas dentro desse estilo musical, recordo-me sempre dos Then They Flew, auxiliando-me deles como referência comparativa.
Neste concerto, o coletivo apresentou-se com a mesma dinâmica e solidez com que me convenceu da primeira vez que os vi. Excelentes músicos, com um repertório de grande qualidade e dentro das dinâmicas habituais dentro do seu estilo musical, e que é algo situado na dualidade entre o ambiental melancólico, frágil e contemplativo e as explosões demolidoras de pura energia, melódicas e cinemáticas. Revisitaram o seu único álbum até à data, o excelente Stable as the Earth Stops Spinning, de Outubro de 2015. Temas como Owls, An Enemy Will Bring Us Together ou La Lys, foram alguns dos que interpretaram, e que me são particularmente mais queridos. Deram, quanto a mim, um muito bom concerto, exibindo em palco o seu inegável valor como banda e projeto musical. No final da sua atuação, e a pedido insistente de um público bastante agradado com a sua atuação, fizeram um encore de mais uma música.
Em conversa informal, após o espetáculo, com Bernardo Sampaio, um dos três guitarristas e dinamizador fundamental do grupo, fiquei a saber que acabaram de gravar o seu segundo álbum, a que se seguirão, desde já, as consequentes misturas, até à masterização final. Contam lançar o mesmo em inícios de 2019 e com a expetativa de conseguirem, por esse meio, angariar mais concertos e atingir alguns festivais de Verão. Ficou no ar a ideia de um álbum mais forte e instrumentalmente mais pesado do que o seu primeiro. Os Then They Flew tem tido uma atividade ao vivo constante, mas essencialmente centrada dentro da sua área de localização, ou seja, sul do país, com esporádicos desvios, como foi o presente caso, no sábado passado, com o seu regresso ao Porto.

Da minha parte, ficarei a aguardar a escuta do próximo álbum, com a óbvia expetativa de os ver novamente em concerto durante 2019. São uma banda interessante.

 

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro, proofread by Tommy Luther); photos Guilherme Lucas

A Burial At Sea are a young English quartet from Liverpool. Theirs is a rapturous and emotionally intense project.  Post-rock, but in an original way, looking for new formulas, in an attempt to renew the style. To me, they clearly accomplish this, mostly through the use of trumpets.

I am used to watching many live instrumental post-rock bands, and I state, without hesitation, that A Burial At Sea are one with a very promising career and with a sound that will certainly take them to higher levels in the future. Joking a little, but always with a serious commentary, I classify these young Brits within something I want to believe they have invented for themselves, and that I personally nickname post-rock mariachi, mostly because of the delightful sound of trumpets in some of their music. But, there is more than magical trumpets.

The usual explosions of energy followed by the customary moments of introspection and ambience of the genre are, in all their various aspects, exquisitely played. Then, either you have it or you don’t, and live, the band exudes a natural friendliness, to which nobody in the audience can possibly remain indifferent. Their songs, which can be long within their style, are very solid and very well composed, meaning they have lots of good music to offer. This becomes more and more evident throughout their concert. Like all bands of this genre, they also know how to play very well with the silences. As I have already mentioned in other no future reviews, post-rock musicians are usually great instrumentalists and A Burial at Sea are no exception to the rule; I could even write a thesis about this characteristic.

The most relevant thing is that, as had already happened with Homem Em Catarse, they managed to move me, during moments of their songs, mainly during the final parts, and the parts with trumpets. In that regard, their music can go much further and raise us brilliantly to soundscapes far more fascinating than other similar bands. Of particular note, one of the best moments of the concert, was when Graça Carvalho, indignu’s violin player was invited by the band to play in Lest We Remember. It was pure magic!

I hope to be able to see A Burial at Sea again in the future, when they’re a bigger band, which is something that I believe is going to happen. I liked them a lot so my memory will not forget them.

The concerts of Homem em Catarse and A Burial At Sea were, for me, completely memorable and breathtaking on all levels. It is extremely rare for something like this to happen. And to have two in one go!

Thank you Woodstock 69!

texto e fotos: Guilherme Lucas

Os A Burial At Sea, são um coletivo inglês de quatro jovens músicos de Liverpool, que tem um projeto de banda simplesmente arrebatador e emocionalmente intenso. Estão dentro do post-rock, mas de uma forma original, que procura novas fórmulas, na tentativa de refrescar o estilo. E para mim, conseguem-no claramente, muito pelo recurso à utilização do som de trompetes. Estou já habituado a ver várias bandas instrumentais de post-rock ao vivo, e digo, sem hesitação alguma, que estes A Burial At Sea são uma banda com um futuro muito promissor e com um som que certamente os vai levar para outros patamares mais elevados no futuro. Um pouco a brincar, mas sempre a comentar seriamente, classifico estes jovens britânicos dentro de algo, que quero acreditar, eles próprios inventaram para si mesmos, e que apelido pessoalmente de mariachi post/rock, muito pela parte do som delicioso dos trompetes em algumas das suas músicas. Mas não há só trompetes mágicos. As habituais explosões de energia que se seguem aos habituais momentos mais ambientais e introspetivos deste género, são, em todos os seus diferentes aspetos, primorosamente executados. E depois, é daquelas coisas, ou se tem ou não se tem, esta banda destila uma simpatia natural ao vivo, a que ninguém do público fica indiferente. Os seus temas, longos dentro do seu estilo, são muito sólidos e muito bem compostos, o que significa que tem muito boa música para oferecer. Isso é facilmente comprovado ao longo do seu espetáculo. E como todas as bandas deste estilo, sabem também jogar muito bem com os silêncios. Como já tenho referido em outras reviews sem futuro, os músicos de post-rock são habitualmente grandes instrumentistas e estes não fogem a essa regra; dava mesmo para fazer uma tese sobre esta particularidade. Mas o mais significativo é que neste seu concerto, e conjuntamente, como já havia ocorrido com Homem em Catarse, conseguiram emocionar-me em muitos momentos dos seus temas, principalmente nas partes finais e com os trompetes. A sua música consegue, nesse aspeto, ir bem mais longe e elevar-nos brilhantemente para paisagens sonoras bem mais fascinantes que outras bandas suas congéneres. De referir um dos melhores momentos do espetáculo, quando Graça Carvalho, violinista dos indignu, foi convidada pela banda para participar no tema Lest We Remember. Momento de pura magia!

Espero conseguir voltar a ver estes Burial at Sea no futuro, quando já forem uma banda maior, algo em que acredito. Gostei bastante deles e por isso não os esquecerei para minha memória futura.

Os concertos de Homem em Catarse e A Burial At Sea foram, para mim, completamente memoráveis e arrebatadores a todos os níveis. É muitíssimo raro acontecer algo assim, e logo dois de seguida e no mesmo espaço.
Obrigado Woodstock 69!