Category: Concert Reviews

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro, proofread by Tommy Luther); photos Guilherme Lucas

I want this no-future review of mine to be different from all previous ones about live bands. This is because the concert I will be talking about, was in itself, completely different from all that I have recently seen (referring to decades, being the old wolf that I am journeying to these gigs and the like.)

The concert, held late Sunday afternoon at Woodstock 69, by Homem Em Catarse, a personal project of musician Afonso Dorido (also guitarist of indignu), was simply EXTRAORDINARY. I write this in capital, noisy letters, to highlight and reinforce a show which was beyond excellent, superb, magnificent. I’m lost for words to describe it. It was the most BEAUTIFUL (yes, beautiful) concert I’ve ever seen in Campanhã’s bar (I’ve seen about 60 concerts of all sorts of bands there this year alone).  It was not only the best one I’ve seen so far, at this particular venue, but also one of the year’s top three, out of all the gigs that I have watched bands play in a number of different venues, totalling to a handsome sum of 150 concerts.

Of course, the sole purpose of this statistic is to express the feeling, and the pure conviction that amongst other bands who provided very good music and unforgettable moments, in a whole array of different styles, ranging from pure chaos to exquisitely played; few were the ones who touched me deeply in the delivery and display of purest beauty and deepest spiritual elevation, leading to places, at times, emotionally unreachable to me

In a simple and natural way, Homem Em Catarse was able to move me, making me shiver with each of his themes. A friend of mine who was unaware of the line-up, and not knowing which bands were playing, was moved to tears by his music. Which means that Catarse (catharsis) is not a random or insignificant name for the project. Afonso Dorido’s music is sublime and purifies us. The concert which I saw is not on YouTube or any other part of the internet.

Live, with the excellent sound the musician had, there is a magical intensity reinforcing the notion that it is always entirely different to listen to a live performance than watching it on video. I knew this, because I was partially aware of what I was going to see (I’m familiar with the musician’s discography and a fan of his music). This was going to be the opportunity to see him live for the first time …, but I was met with a wonderfully surprising and unforgettable show, something for which, I must confess I was not prepared for. Hence, the importance of seeing bands live and supporting the musicians. They offer us magic in different ways, often when we least expect it. We must always support them in the often ungrateful mission of being on the road, because by doing so, we save ourselves because we’re left in wonder.

This time, I refuse to describe or comment, as I usually do, on the musical genre or possible musical influences of Homem em Catarse, or about his Inner Jorney (s) and related topics; that will be left for future concerts of his which I will attend. Because in reality, it is completely irrelevant when speaking of something so beautiful, brilliant and universal as is his music. The advice I leave to everyone is to urgently listen to it; until you lose yourself in passion.

P.S. – A few months ago, Homem em Catarse was in part the protagonist of the much-publicized controversy of worshippers outraged with the parish priest for using a church in Tomar as a venue for a rock concert. If God exists, he will certainly enjoy Homem em Catarse’s purifying music. May the gates of heaven be opened in all their glory to him, and in the meantime, all the earthly precincts of the country – and of the planet – shall receive his live music.

Thank you for your unforgettable concert and for your precious music, Afonso Dorido!

 

texto e fotos: Guilherme Lucas

 

Quero que esta minha review sem futuro seja diferente de todas as outras que tenho vindo a escrever sobre as bandas que assisto ao vivo. Porque o concerto que passarei a comentar foi, também ele, completamente distinto de todos os que tenho assistido nos últimos tempos (leia-se décadas, pois sou já um velho lobo nestas andanças de concertos e afins).
Este concerto a que assisti, já no final da tarde do passado domingo, no Woodstock 69, oferecido pelo Homem em Catarse, um projeto pessoal do músico Afonso Dorido (também guitarrista dos indignu), foi simplesmente EXTRAORDINÁRIO. Escrevo isso em letras maiúsculas, e ruidosas, para acentuar, e reforçar, que foi um espetáculo para lá do excelente, do soberbo e do magnífico. Porque na realidade, faltam-me as palavras para o descrever. Foi o concerto mais BELO (sim, isso mesmo, belo) a que assisti até hoje no bar de Campanhã (e já assisti lá, durante este ano, a perto de 60 concertos com bandas de todos os géneros musicais, possíveis e imaginários, nacionais e internacionais… é consultar as minhas reviews sem futuro na minha página, todas elas foram comentadas por mim), mas este não só foi o melhor que eu vi lá, até esta data, como também é já um dos três melhores deste ano a que pude assistir em todos os diferentes locais a que acorri, e que conta já com a bonita soma de quase 150 concertos. Toda esta estatística que aqui discorro serve unicamente para expressar o sentimento, e a plena convicção, que no meio de outras bandas que me ofereceram muito boa música e momentos inesquecíveis, em registos completamente diferentes, desde o puro caos ao primorosamente executado, muito poucas foram aquelas que me tocaram fundo no registo e no exercício da mais pura beleza e da mais profunda elevação espiritual, para paragens que acho por vezes inalcançáveis a nível emocional para a pessoa que sou. Este Homem em Catarse conseguiu, de uma forma simples e natural, arrepiar-me, e emocionar-me, em todos os momentos de cada um dos temas que interpretou. A uma amiga minha, que não sabia ao que ia (não conhecia de todo as bandas que atuavam nessa tarde no bar de Campanhã), conseguiu fazer com que soltasse lágrimas. O que significa que o termo Catarse não é de todo inocente no nome do projeto, pois a música de Afonso Dorido é simplesmente sublime e purifica-nos. O concerto a que assisti não está no Youtube e em lado algum da net, e ao vivo, com o som excelente com que o músico foi agraciado, há uma intensidade mágica que reforça a ideia de que é sempre muito diferente escutar um espetáculo ao vivo do que o visionar em vídeo. Eu sabia disso, pois sabia em parte ao que ia (conheço bem toda a discografia do músico e sou fã da sua música), e esta ia ser a oportunidade de o ver em concerto pela primeira vez… mas, foi-me oferecido um espetáculo maravilhosamente surpreendente e inesquecível, algo para o qual não estava, de todo, preparado, confesso. Daí a importância em ir ver as bandas ao vivo e apoiar os músicos. Todos eles nos oferecem magia, em modos diversos, e muitas vezes quando menos esperamos. Devemos sempre apoiá-los nessa missão (muitas vezes ingrata de andar na estrada), pois fazendo-o, salvamo-nos porque nos maravilhamos.
Desta vez, escuso-me a descrever ou comentar, como habitualmente é minha prática, o género musical, ou das possíveis influências musicais no trabalho deste Homem em Catarse, da(s) sua(s) Viagen(s) Interior(es) e temáticas afins; isso ficará eventualmente para outros seus concertos a que possa vir a acorrer. Até porque na realidade isso é completamente irrelevante quando falamos de algo belo, genial e universal como é a sua música e o conselho que deixo a todos é de a escutar de forma urgente; até se perderem de paixão.

P.S. – Este Homem em Catarse, foi, em parte, protagonista, há uns poucos meses atrás, da muito noticiada polémica de fiéis indignados com o padre da paróquia, pela utilização de uma igreja, em Tomar, como recinto de um concerto rock. Se Deus existe, certamente que gostará da música purificadora deste Homem em Catarse. Que se abram as portas do Céu, em toda a sua glória, para ele, e que no entretanto, todos os recintos terrenos deste país – e do planeta – recebam a sua música ao vivo.
Afonso Dorido, muito obrigado pelo teu inesquecível concerto e pela tua preciosa música!

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro, proofread by Tommy Luther); photos Guilherme Lucas

Belgian artist Philippe Van Snick’s exhibition was launched last Saturday at Galeria Nuno Centeno, in Porto. Parva, a label from Porto, created an event for the occasion, with a sonic addition to the exhibition. This was my motive for going to Parva’s happening, the second one within a week.

As in the previous week’s event, Fantasma, the personal project of musician and creator of Parva, Pedro Centeno played his musical piece Corpo Ausente- Tribute To The Machines. In time, this piece, whose title explains it all, is destined to become a “classic” of its genre if it keeps being persistently replicated in Parva’s future events, because of its creator’s musical performance, absent from the audience’s attention. In a nutshell, an artist removed from his live musical tasks whose musical piece is disseminated and listened to through the PA system. At first sight it could be the same as a DJ playing a cd or vinyl of a band or artist, in a bar, disco or similar, but it is not.

After that came a performance by RVN, one of the various musical outputs by Ravena Araujo – musician with a career between Porto and Bologna. In a careful analysis of her numerous works on the internet we can objectively frame her aesthetic and musical orientation within experimental music, both in an electronic, digital way and also in its most “analogue” form, using electric guitar or saxophone. There is, through the different moods of her themes, and the resulting evolution, a duality between the most violent emotional disruption and the most serene abandonment of the senses.

She is not an artist with merely one single direction let alone style of sound. In my opinion, that is a huge plus. On the one hand, we can recognise the sonic terrorist and industrial approach, and on the other, an extremely serene, and moderated contemplative side, at times an almost psychedelic mantra. In her songs, she not only weaves drone, noise, street sounds or the voices of suicidal poets, but also flogs her guitar strings, or captivates us with the magical, loose and warm notes of her free jazz saxophone. Her polemic approach of intentions (which is also literary) is that of someone who refuses to make music, but ends up doing so, clearly outside the classical canons, and very much by way of an auditory/sensorial discomfort, exposing (and imposing) a very peculiar emotional singularity of her perception of reality.

Her musical performance was based on rambling sounds resulting from her intervention with said object, at times percussively, at times using the bow upon the strings … and a Vox amplifier; one of the good ones, with valves which always makes a difference when it comes to sound.

I liked the way the electric guitar was approached, stripped of the classic interpretation, and, through it, the suggestion of some sounds that sent me to an untuned heavy and somber piano, with drone background (achieved by cello or violin bow technique), and the unequivocal beauty of some of the distant, lacerating blade-like silences that occurred. The unrepeatable sound piece that come out of this performance was made of randomness, and of course of different moments, some more astounding than others. A majestic nocturnal Porto as an overview gave the performance a somewhat liturgical tone, definitely dark

Personally, I think the existence of an artist like Ravena Araújo in our music scene is very important. In many ways, she is a unique personality. She is iconographic enough in a peculiar way and inhabits a very personal and restricted musical context in a committed and compelling way. Also because, in her musical and aesthetic field, I dare say that she is one in a million. If there are other personalities similar to hers (of course there are), I say without any effort, that 95% of those are masculine . Regardless of whether I am right or wrong in my statistics, I am without a doubt talking about a rare, conceptually brave and audacious case that makes a difference. To me, a case like this is always worth more than “a thousand bands”, all alike, however laudable it is to play the more obvious, safe and in-tune with the taste of the masses. I have no doubt about it.
Then came the performance by CANVAS, a project intended to be an international base for linking musicians connected to electronic music of great experimental interest, who promote live performances within this network. The performance had one of its founders, OLAN MONK and Elvin Brandhi, from British duo Yeah You.

This encounter which has more upcoming shows in Portugal is called Anti Tour(ism) 2018. I transcribe the meaning in their own words: “We want to try to find ways outside the distancing trap of sight-seer mentality, which objectifies essential, everyday, immediate flows. We offer an experiment in receptive performance, exchanged exertion, self-dissolution and social osmosis. Sound-hearing as an alternative anti-touristic engagement with a specific time and place. Moving people, roaming anti-data. ”

There were two distinct moments: the opening one, which was more in Olan Monk’s style, and the more obvious finale, linked to Elvin Brandhi, showing his characteristic voice from Yeah You’s themes.

Olan Monk’s moment was a journey of ambient drone, constantly punctuated by discharges of electronic noise, some synthesized chords, in an atonal delivery supported by sparse beats and undefined rhythms. Somewhere between ambient  noise and chaos, with electronic industrial landscapes. And of course, with Olan Monk’s own style of punctual vocal contributions, ranging from declamatory, to purely narrative, and at other times blasé, through distortion or clean vocals.

In the final moment by Elvin Brandhi, and for me, the most interesting one of the performance, the audience were offered a duel between the two artists. Rising to the challenge, Elvin Brandhi’s voice stood out as something remarkably harrowing. Unforgettable. It was the “agony and ecstasy” moment of CANVAS’ performance.

The event ended with a DJ set by Sian Baker, from Portal Radio. It was very good.

Among paintings, experimental electronic sounds and mini Super Bock beers, amazingly and abundantly given to the audience. It was an interesting night to listen to another side of the underground music currently being made in Porto. I liked it. Bring on the next one.

 

 

 

texto e fotos: Guilherme Lucas

Parva Untitled – No Sábado passado, na Galeria Nuno Centeno, no Porto, foi noite de inauguração de uma exposição de trabalhos do artista belga Philippe Van Snick. A label portuense Parva agendou um evento para a ocasião, como que um complemento sonoro à exposição. Foi esse o meu motivo para ter acorrido a mais este happening da Parva, o segundo no curto espaço de uma semana.

Como havia feito no evento da semana anterior, Fantasma (projeto pessoal do músico Pedro Centeno e responsável da Parva), fez passar no soundsystem do evento a sua peça musical, de nome Corpo Ausente – Tribute To The Machines. Eventualmente esta peça, cujo título já diz tudo, está condenada a ser um “clássico” no seu género, e desde que insistentemente replicada em eventos futuros da label, pela performance musical de ausência do seu criador do foco das atenções do público. Resumindo: artista afastado das suas funções musicais ao vivo, entrega a sua peça musical ao soundsystem para divulgação e escuta. Podia ser, à primeira vista, a mesma coisa que um dj colocar um cd ou vinil de uma qualquer banda, ou artista, num bar, discoteca ou afins, mas não é.

Seguiu-se uma performance musical de RVN, um dos vários projetos da música Ravena Araujo, artista com carreira musical repartida entre o Porto e Bolonha. Numa análise atenta aos seus trabalhos na net, e que são numerosos, podemos, de forma objetiva, enquadrar a sua estética e orientação musical dentro da música experimental, tanto num discurso eletrónico e digital, como na sua vertente mais “analógica”, usando guitarra elétrica ou saxofone. Há, nas diferentes ambiências dos seus temas, e consequentes evoluções, uma dualidade entre a mais violenta disrupção emocional com o mais sereno abandono dos sentidos.

Não é artista de uma só direção e muito menos de uma só sonoridade. O que, na minha opinião, é uma mais-valia, à partida. Se por um lado, reconhecemos uma abordagem, qual terrorista sónica e industrial, em parte do seu trabalho, há, por outro lado, uma outra faceta que é extremamente ambiental, serena e modeladamente contemplativa, por vezes em quase mantra psicadélico. Tanto usa nos seus temas o drone, o ruído, o som das ruas ou as vozes de poetisas suicidas, como flagela as cordas da sua guitarra elétrica ou nos cativa pelas notas mágicas, soltas e quentes do seu saxofone free jazz. A sua abordagem panfletária de intenções (que também é literária), é de quem recusa fazer música, mas que acaba por a fazer, fora dos cânones clássicos, é certo, e muito pela via do desconforto auditivo/sensorial, expondo (e impondo), uma singularidade emocional muito peculiar da sua percepção do real.

A sua performance musical baseou-se na divagação dos sons resultantes da sua intervenção no referido objeto, ora de forma percussiva, ora usando o arco, sobre as cordas… e um amplificador Vox, dos bons, a válvulas, que faz sempre a diferença em termos de som.

Apreciei a forma como a guitarra elétrica foi abordada, despida de toda uma interpretação clássica da mesma, e da sugestão, através dela, de alguns sons que me remeteram para as teclas de um piano desafinado, pesado e sombrio, com fundo drone (conseguido em muito dos movimentos do arco em técnica de violoncelo ou violino), e da inequívoca beleza de alguns dos silêncios longínquos e cortantes como lâminas, que iam ocorrendo. Como peça sonora irrepetível que resultou desta performance, a mesma foi feita dos acasos, e naturalmente com distintos momentos, uns mais impactantes que outros. O cenário de um Porto noturno, imponente, como vista geral, ofereceu à performance um ambiente algo litúrgico e definitivamente obscuro.

Pessoalmente, acho muito importante a existência, no nosso panorama musical, de uma artista como a Ravena Araújo. É uma personalidade única em vários aspetos. É suficientemente iconográfica de forma peculiar e está num contexto musical muito pessoal e restrito, de uma forma empenhada e convincente. E também porque, no seu campo musical e estético, arrisco a dizer que é uma num milhar, e se há outras personalidades similares à dela (que as há, obviamente), afirmo, e sem me esforçar muito, que 95 % são masculinas. Independentemente de estar certo ou errado nesta minha estatística, estou certamente a falar de um caso bastante raro e conceptualmente corajoso e audaz, que faz diferenças. E para mim vale sempre mais um destes casos do que “mil bandas”, todas iguais e no mesmo registo, por muito meritório que seja interpretar o que é sempre mais óbvio, seguro e mais condizente com o gosto das massas. Não tenho qualquer dúvida sobre isto.
Seguiu-se a atuação do CANVAS, um projeto que pretende ser uma base internacional de interligação entre músicos ligados à área da música eletrónica de forte pendor experimental, promovendo atuações ao vivo dentro dessa rede de contatos. Esta atuação contou com um dos seus fundadores, OLAN MONK e com Elvin Brandhi, do duo britânico Yeah You.

Este encontro, que tem mais datas em solo nacional, chama-se Anti Tour(ism) 2018, e cujo sentido transcrevo, nas palavras dos seus autores: “We want to try to find ways outside the distancing trap of sight-seer mentality, which objectifies essential, everyday, immediate flows. We offer an experiment in receptive performance, exchanged exertion, self-dissolution and social osmosis. Sound-hearing as an alternative anti-touristic engagement with a specific time and place. Moving people, roaming anti-data.”

Houve dois momentos distintos: o inicial, mais dentro do estilo de Olan Monk, e o final, mais evidente, ligado a Elvin Brandhi, muito no seguimento da sua voz característica nos temas dos Yeah You.

O momento de Olan Monk foi um desfilar de drone ambiental, constantemente pontuado com descargas de ruído eletrónico, alguns acordes sintetizados, num desfilar atonal e acompanhado de algumas batidas pontuais e sem ritmos definidos. Algo entre o ambiental noise e o caos, com algumas paisagens industriais eletrónicas. E claro, com pontuais intervenções vocais de Olan Monk, no seu estilo próprio, algo, ora narrativo, ora displicente, com distorção ou voz limpa.
No momento final, o de Elvin Brandhi, e para mim o mais interessante da performance, os dois artistas ofereceram ao público um “duelo” entre as suas duas vozes, em quase declamação ao desafio, destacando-se a voz extraordinariamente angustiante de Elvin Brandhi, definitivamente inesquecível. Foi o momento “agonia e extâse” da performance do CANVAS.

A finalizar o evento, houve dj set, a cargo de Sian Baker, da Portal Radio. Esteve muito bem.

Entre pinturas, sons eletrónicos experimentais e cervejas mini da Super Bock, que eram espantosa e abundantemente oferecidas ao público numeroso que acorreu, esta foi uma noite interessante para auscultar uma outra parte do underground que, por estes dias, vai ocorrendo na Invicta dentro dessa área musical. Gostei e que venha o próximo.

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro, proofread by Tommy Luther); photos Guilherme Lucas

Last Saturday was the event of another massive party called Shadow Paradox Cave, promoted by P a r v a, a Porto-based label. Lately, if there are those rare events on the Porto night scene, containing unpredictability and surprise, Parva is, without a doubt, one of the most important contributors to the modernity of the city, and a true alternative to other already established “alternatives”, courageously taking the risk to promote much of what is largely outside the safety-barriers of common sense, and the more obvious and established underground scene. Confused? Think more alternative to your alternative and you will start to be closer to what I mean.

This happening in a large art studio with excellent conditions as well as a bar, and included live concerts, musical performances, dj sets, an art installation and even a stand-up dinner. Throughout the evening and early morning, a huge amount of people turned up to attend the numerous performances which were happening at a non-stop rate, which only strengthened the event’s success. I will focus on the musical performances that I saw, and which are the main driving force of these reviews which I write which have no future. In a nut-shell:

 

– Fantasma and Nu No – two different, yet equal performances in their conceptual format of complete improbability: Fantasma (Pedro Centeno), played one of his own musical creation’s, Corpo Ausente – Tribute To The Machines, on the studio‘s sound-system. The musician was physically present in the room, but completely removed from said role, whilst performing different tasks connected to the event’s organization. With Nu No (Nuno Marques Pinto), something similar happened, but in reverse. The musician made a brief performance using solely his vocals, without his usual physical presence identifiable in the room. His subject-performance, called Corpo Insurrecto, recited in real-time, intended to be a variation of the traditional artistic performance, where the artist expresses his physicality to the audience. The musician had previously stated that this would be a performance which would only ever be listened to, never seen; a way of contradicting the visual, claiming the prevalence of listening, which is nearly always forced into the background by all that is visual.

– Francisco Oliveira and Ead Mann – A unique collaboration between a musician from Terebentina and one from Favela Discos in a joint performance. The basis; electronic and experimental, in real-time, ranging between drone and noise, with sound possibilities that cropped up from the manipulation of various effects pedals and related material. Somewhere between industrial-electronic noise.

– Francisco Oliveira – The musician presented his debut solo record, On The Act Of The Reminding. I really enjoyed this performance; its themes have a subtle and touching beauty. With my eyes closed, during many moments of his performance, I wandered through the ether. For those who wish to know more about this work read: https://www.facebook.com/guilherme.lucas.92/posts/1800439266711920

OMEM – OLAN MONK and EAD MANN’s musical project. ambient-noise with drone, punctuated with hypnotic recitations, and at times, by Olan Monk ‘s more physical-performative performance.

– Lonz Dale’s Fantasy – Second concert for this new group from Porto. They are a duet, formed by Nils Meisel (electronics and banjo) and Kenneth Stitt (vocals). Both musicians are part of Sereias, and for this reason I was very curious to see how the two would function in a different set. Two things that seem clear to me in Lonz Dale’s performance: a project that has a “deconstructed” pop component that works very well and is pleasantly catchy; something between electronic punk folk (à la Pogues), and a great vocalist (not only in competence, but also literally, in stature), master of an unusual performance (at all levels) and of a complete and insane delivery … in addition to writing great nonsense lyrics; completely surrealistic and hilarious.

On the other hand, there is lots of space in the duo’s music; Kenneth’s perfunctory declamations flow nicely between Nils’ electronic instruments. At times creating a solid musical block that responds well, be it in the parts where the two musicians are most attuned, or in those during which Kenneth wanders, so grotesquely lost, in his miraculous performance. A mix of hallucinatory and tribal mosh-pit (mostly for the dancer), to which everyone is invited to join in and to exorcise their demons. Live, the duo’s music is very contagious and it was possible to perceive through the audience’s strong adhesion that they hold a project which, with some finer tuning will not face many challenges in reaching a wider audience and diversified tastes. It was a really fun concert, offered by a band that, through its music, seems to seek it. Their upcoming concerts should be followed with proper attention.

After the live performances, the lights went out and dj sets took over. It was a fantastic evening! Bring on the next one!

 

texto e fotos: Guilherme Lucas

No passado sábado, ocorreu mais uma grande festa/happening (esta denominada de Shadow Paradox Cave) promovida pela label portuense P a r v a. Se há eventos, pelos dias de hoje, onde a surpresa e a imprevisibilidade acontecem nas noites do Porto, a Parva é, sem margem para dúvidas, uma das que mais contribui para uma Invicta moderna e verdadeiramente alternativa às outras alternativas já instituídas na cidade, arriscando corajosamente em promover muito do que foge aos parâmetros do senso-comum e do underground mais óbvio e já estabelecido. Confusos? Pensem em algo mais alternativo ao vosso alternativo e começam a estar mais perto da minha explanação.

Este happening, realizado num amplo estúdio de arte, com excelentes condições e com bar, compreendeu concertos ao vivo, performances musicais, dj sets, instalação artística e até um jantar volante. Ao longo da noite e madrugada, muito foi o público que acorreu ao local para presenciar as inúmeras atuações que iam ocorrendo em ritmo non-stop, carimbando assim o sucesso deste evento. Focando-me nas atuações musicais que presenciei no local, e que é o que me move especialmente nestas minhas reviews sem futuro, de forma sintética, direi que:

– Fantasma e Nu No – duas atuações distintas, mas iguais no seu formato conceptual de completa improbabilidade: Fantasma (Pedro Centeno), fez passar no soundsystem do estúdio uma peça musical da sua autoria, de nome Corpo Ausente – Tribute To The Machines. O músico esteve fisicamente presente na sala, é um facto, mas completamente afastado dessa sua função, enquanto acorria a tarefas distintas, ligadas à organização do evento. Com Nu No (Nuno Marques Pinto), ocorreu algo similar, mas de forma inversa. O músico fez uma breve atuação, unicamente com voz, sem a sua presença física identificável na sala. O seu tema/performance, de nome Corpo Insurrecto, que foi unicamente declamado e em tempo real, pretendeu ser uma variação à performance artística tradicional, onde o artista se expôe, com o seu corpo, à assistência. Como o músico me confidenciara antes, esta seria uma performance para ser unicamente escutada e jamais visionada; uma forma de contrariar o sentido da visão, reivindicando a primazia da audição, quase sempre relegada para segundo plano por tudo o que é visual.

– Francisco Oliveira e Ead Mann – Reunião ocasional entre um músico dos Terebentina e outro dos Favela Discos, numa performance conjunta. A base, eletrónica e experimental, discorreu entre o drone e o ruído, e das possibilidades sonoras que iam ocorrendo da manipulação dos vários pedais de efeitos e material afim, em tempo real. Algo entre o industrial/noise eletrónico.

– Francisco Oliveira – O músico apresentou o seu primeiro trabalho a solo, de nome On The Act Of The Reminding. Gostei bastante desta sua atuação; os seus temas tem uma beleza subtil e tocante. De olhos fechados, deixei-me vaguear pelo éter, em muitos momentos da sua atuação. Para quem quiser saber mais sobre este trabalho, deixo aqui um link de uma review que fiz há uns meses atrás sobre este trabalho do músico, é ler: https://www.facebook.com/guilherme.lucas.92/posts/1800439266711920

– OMEM – Projeto musical de OLAN MONK e Ead Mann. Ambiental/noise com drone, pontuado com declamações hipnóticas e em alguns momentos por uma atuação mais física/performativa de Olan Monk.

– Lonz Dale’s Fantasy – Segundo concerto deste novo grupo do Porto. São um dueto, constituído por Nils Meisel (eletrónica e banjo) e Kenneth Stitt (voz). Ambos os músicos fazem parte dos Sereias, e por isso mesmo, era grande a minha curiosidade em perceber como os dois funcionariam num registo diferente. Estes Lonz Dale’s tem duas coisas que me parecem evidentes na sua atuação: é um projeto que tem uma componente pop “desconstruída” que funciona muito bem e é agradavelmente “catchy”, algo entre o folk punk (à la Pogues) com eletrónica, e um grande vocalista (não só em competência, mas literalmente, também em estatura), senhor de uma performance invulgar (a todos os níveis) e de completa e insana entrega …isto para além de escrever grandes letras non-sense; completamente surrealistas e hilariantes. Há, por outro lado, bastante espaço na música do duo; as declamações imprecadas de Kenneth fluem muito bem entre o instrumental eletrónico de Nils, criando, em muitos momentos, um sólido bloco musical que responde bem, ora nas partes em que os dois músicos estão mais sintonizados, ou naqueles em que Kenneth deambula, de forma grotescamente perdida, na sua mirabolante performance, um misto de mosh-pit alucinado e tribal (mais para o bailarico), onde toda a gente está convidada a entrar para expulsar os seus demónios. A música deste duo é, ao vivo, muito contagiante, e deu para perceber, pela muito boa adesão do público, que tem em mãos um projeto, que mais bem alinhavado, não encontrará muitas dificuldades em almejar públicos mais numerosos e de gostos diversificados. Foi um concerto bastante divertido este, oferecido por uma banda que parece ambicionar isso, através da sua música. Para seguir, com a devida atenção, os próximos concertos.

Finalizadas as atuações ao vivo, todas as luzes se apagaram e foi dado espaço para os dj sets. Foi uma noite fantástica! Venha a próxima!

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas.

The Saxophones a duo from Oakland, California performed last Thursday in Porto during their Winter European mini-tour, promoting their latest album Songs of The Saxophones (June 2018).

The venue chosen for the first Portuguese show was an almost to capacity Hard Club’s Sala 2 which for a Thursday is always something remarkable. They will perform in Lisboa on Saturday.

This duo is, in its operational base, an artistic extension of the two musicians, since they are a couple. They are Alexi Erenkov (voice, guitar and saxophone), the husband and founder of the project, and his wife, Alison Alderdice (percussion and vocals). They share common endeavors and tastes together, finding in their music the perfect way to publicly express their feelings and many of the daily aspects of their relationship. Live, and in studio, they have the collaboration of Richard Laws, a longtime friend (bass, vibraphone, vocals). In addition to being a couple they are also parents (for the first time) of a very recent offspring.

Recently the duo has been talked about because of the excellent reception to their work, both from specialized music critics as well as the general public. Although this project is the product of a decade only about two years ago did it begin to draw attention, mostly because their first work and of gems like the song If You’re On The Water (2016), that also titles the album.

What seduced me in this band, right after listening to it for the first time when I discovered them, was that they were “haunted” by the Twin Peaks factor, largely because of their sweeping version of Just You. And yes, it’s undeniable that there are many noir ambiences from David Lynch and Angelo Badalamenti’s compositions in The Saxophones’s songs of, in it residing much of the interest in their sound. But not because the latter are mere “clones” of the artists mentioned above, only because they also drink from to the same musical influences. As is the case Exotica – Hawaiian 1950s music -, jazz in general (Alexi Erenkov is a studious musician and passionate about jazz, The Saxophones being the antidote found to simplify his musical discourse), as well as the most singable surf music, which irrevocably leads to the so-called dream pop. There as much of Everly Brothers as of Roy Orbison or Leonard Cohen, among many other, in their music. It is this fusion of genres that more clearly helps to understand the precious sound of this Californian duo.

This concert in Porto would therefore serve as an excellent opportunity to live perceive how their minimal melancholic and serene, but completely magical and seductive, pop songs, could be impose upon an audience, which I want to believe, was knowledgeable of their work … or at least some of their most emblematic themes.

The concert was simply excellent and fascinating. Period.

The band did parade practically all the themes of its discography and also presented others from their next record, Singing Desperatley Suite that will be released February 2019.

Surely live the way they play their songs is the same with which they are recorded on CD or vinyl. They are so disciplined in instrumental execution that there is nothing to point out, leaving us only with the sweet quest to enjoy their melodies and Alexi Erenkov’s unique voice.

I would say that, essentially, the magic of The Saxophones resides in the mastery with which they play with the silences in their compositions. There is space and silence in all their themes, one can hear the breathing of each one of them. Do not understand this silence of which I speak as mere space between instruments … I speak of silence as another instrument, which is another conception of the thing.

Between songs the duo was very friendly and communicative with the audience that completely surrended to the band. There were enough moments of great sense of humor and good mood between the couple, revealing that they were amazed by the almost full room, and that they had no doubt that it was the first time that they had acted for so many people … coupled with the the fact that a few hours before they under total stress between airports, being there with so many people watching them was something surreal and unforgettable. They also took the opportunity to say they were touring with their baby, and that there is a different glamor after the concerts, like waking up in the middle of the night with the child’s crying. General laughter echoed.

After the concert ended, the band returned to a single encore, finishing with the song that was missing – and that was necessary – and that was Just You. In the end the three musicians were treated with a long standing ovation by the audience the same way it had already happened to each of their previous songs. Totally deserved, one must say. Magic was present in Hard Club’s Sala 2 on a rainy Winter night.

texto e fotos: Guilherme Lucas

Os norte-americanos The Saxophones, dueto natural de Oakland, Califórnia, apresentaram-se, na passada quinta-feira, na Invicta, no seguimento da sua mini-tour europeia de Inverno, de promoção ao seu mais recente trabalho de longa duração, de nome Songs of The Saxophones (Junho 2018).

O local escolhido para este seu primeiro espetáculo nacional foi a sala 2 do Hard Club, que praticamente encheu, o que para uma quinta-feira é sempre algo assinalável. Atuarão ainda em Lisboa, neste próximo sábado.

Este duo é, na sua base operacional, uma extensão artística dos dois, pelo facto de serem um casal. São eles Alexi Erenkov (voz, guitarra e saxofone), o marido e fundador deste projeto, e a sua esposa, Alison Alderdice (percussões e vozes). Ambos repartem, de forma cúmplice, esforços e gostos comuns, encontrando na sua música a forma perfeita de extravasarem publicamente os seus sentimentos e muitos dos aspetos do dia-a-dia da sua relação. Ao vivo, e em estúdio, contam com a colaboração de Richard Laws, um amigo de longa data, no baixo, vibrafone e vozes. Para além de serem um casal, também são pais (pela primeira vez), de um muito recente rebento.

Os dois tem dado que falar nos últimos tempos, pelo excelente acolhimento aos seus trabalhos, tanto a nível de crítica musical especializada como do público em geral. Embora este projeto seja produto de uma década, só há sensivelmente dois anos atrás é que começaram a dar mais nas vistas, muito por via do seu primeiro trabalho, e por pérolas como a canção If You’re On The Water (2016), que dá nome também ao disco.

O que me seduziu nesta banda, logo à primeira audição, quando os descobri, é que estavam “assombrados” pelo fator Twin Peaks, muito por culpa da arrebatadora versão que fazem do tema Just You. E sim, é indiscutível que há muitas das ambiências noir das composições de David Lynch e de Angelo Badalamenti nas canções dos The Saxophones, onde reside muito do interesse pelo seu som. Mas não porque estes últimos sejam meros “clones” dos artistas atrás citados, mas apenas porque também vão beber às mesmas influências musicais. É o caso da música exotica (estilo musical) dos anos 50, de origem havaiana, o jazz em geral (Alexi Erenkov é um músico estudioso e apaixonado pelo jazz, sendo os The Saxophones o antídoto encontrado para simplificar o seu discurso musical), bem como a música surf na sua vertente mais baladeira, que conduz irremediavelmente ao denominado dream pop. Há tanto de Everly Brothers, como de Roy Orbison ou Leonard Cohen, na sua música, entre muitos outros. É esta fusão de géneros que ajuda a entender com mais esclarecimento o som precioso deste duo californiano.

Este seu concerto no Porto serviria, por isso, como uma excelente oportunidade para perceber, ao vivo, como as suas canções pop minimais, melancólicas e serenas, mas completamente mágicas e sedutoras, se conseguiriam impor a um público, que quero crer, era conhecedor do seu trabalho… ou pelo menos de alguns dos seus temas mais emblemáticos.

O concerto foi simplesmente excelente e fascinante. Ponto.

A banda fez desfilar praticamente todos os temas da sua discografia e ainda apresentou outros do seu próximo trabalho, a sair em Fevereiro do próximo ano, já com o nome escolhido de Singing Desperately Suite.

A forma como interpretam os seus temas ao vivo, é seguramente, a mesma com que os mesmos estão registados em cd ou vinil. São tão disciplinados na execução instrumental que nada há a apontar, restando-nos apenas a doce missão de fruir completamente das suas melodias e da voz única de Alexi Erenkov.

Diria que a magia destes The Saxophones reside essencialmente na mestria com que jogam com os silêncios nas suas composições. Há espaço e silêncio em todos os seus temas, consegue-se ouvir o respirar de cada um deles. Não se entenda este silêncio de que falo como apenas mero espaço entre instrumentos… falo do silêncio como mais um instrumento, o que é uma outra concepção da coisa.

O duo mostrou-se muito simpático e comunicativo, entre músicas, com o público, que de resto estava completamente rendido à banda. Foram bastantes os momentos de grande sentido de humor e boa disposição entre o casal, revelando que estavam espantados com a sala praticamente cheia, e que não tinham dúvidas que era a primeira vez que atuavam para tanta gente… aliado ao facto de que há umas horas atrás andavam em completo stress entre aeroportos, estar ali com tanta gente a assistir era algo surreal e inesquecível. Aproveitaram ainda para informar que andam em tour com o seu bebé, e que há um glamour diferente depois dos concertos, como acordar a meio da noite com o choro da criança. Gargalhadas gerais ecoaram.

A banda regressou, após o final do concerto, para um só encore, terminando com a canção que faltava – e que se impunha – e que era Just You. No final os três músicos foram brindados com uma demorada ovação por parte do público, como já tinha vindo a acontecer a cada uma das suas músicas anteriores. Completamente merecidas, de resto. A magia marcou presença na sala 2 do Hard Club, numa noite chuvosa de Inverno.

 

 

 

 

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas.

Porto’s young musician Joao. (just like that) was The Saxophones opening act, described by the promoter as a “promising musician”. This was his first concert and João told the audience in advance to forgive him any possible mistake during his performance, since nervousness prevailed, which is understandable and an acceptable reason.

And can be said of relevance about João.’s performance? I will start by talking about his repertoire. Not knowing his work beforehand, but had previously listening to three songs on the musician’s YouTube channel, the brief sample left me with the clear conviction that he is someone who is still looking for his sound; the three songs represent different strands of his tastes and influences, and listened briefly they do not seem to have a definite stylistic connection that allows to typecast his sound. Definitely pop with overhaul lounge music. The songs also show some mistakes (vocal and instrumental) and less well achieved compositional moments, but also it is perceived that if debugged they can prove themselves.

In such regard the great surprise was that, live, the musician revealed very simple and directly, another dimension of his creative possibilities. He played only with an acoustic guitar and, at times, with an electric guitar, aided minimal percussion and a drums rhythms (but very well executed) by an even younger friend, of whom I was not able to catch the name (in decades of live concerts I think it is the first time I remember seeing a drummer so young. I do not even risk guessing his age. Somewhere around pre-adolescence) and this formula was completely correct because it made it possible to highlight and impose his good voice, accompanied by the guitar. What seemed to me too “wrapped” and complicated by the production options of his three Youtube songs had been eliminated and I was definitely witnessing João. in a completely different very good quality registry.

João. has in his English songs his greatest asset; they work very well, his voice is captivating and has substance to launch the musician into a career. In the middle there was a song in Portuguese, in a way of singing that stylistically dates back to Portuguese 80’s rock, which allowed to understand that from such side nothing interesting or magical will come from, that is without any interest (to me, of course).

In conclusion, I’ll say it was a good concert debut concert. João. and his drummer friend did well on stage; there were good musical moments, and they especially pleased me with the simple and sincere formula they presented themselves on stage and there is definitely something there that better worked out can take this young musician to other levels.

Promising João. did nicely fulfilling with poise the difficult task of being The Saxophones’s opening act. The many applause from the audience at the end his performance validate my words

texto e fotos: Guilherme Lucas

 

Abriu a noite para os The Saxophones, o jovem músico portuense Joao. (é assim mesmo, só João com um ponto), descrito pela organizadora do evento como um “músico promissor”. Foi o seu primeiro concerto e João esclareceu antecipadamente a audiência que esta desculpasse qualquer eventual erro durante a sua atuação, já que o nervosismo imperava, o que é motivo atendível e compreensível.

E o que é que este João. tem de relevante para ser comentado a nível da sua atuação? Começo por falar do seu repertório. Desconhecendo, de todo, o seu trabalho antes deste concerto, mas escutando previamente três canções que o músico tem no seu canal do Youtube, fiquei, por essa breve amostra, com a clara convicção de que é alguém que ainda anda à procura do seu som; as três canções representam, cada uma delas, vertentes diferentes dos seus gostos e influências, e ouvidas de relance não tem aparentemente uma ligação estilística definida para se poder catalogar o seu som. É, isso sim, definitivamente pop, com travos de lounge music no geral. As mesmas evidenciam também ainda alguns desacertos (de voz e instrumentais) e momentos composicionais menos bem conseguidos, mas também se percebe que há ali qualquer coisa que pode vir a dar cartas, se depurado.

Nesse sentido a grande surpresa foi que, ao vivo, o músico revelou, de forma muito simples e direta, uma outra dimensão das suas possibilidades criativas. Tocou apenas com uma guitarra acústica e outras vezes com a guitarra elétrica, auxiliado nas percussões e numa bateria de ritmos minimais (mas muito bem executados) por um outro seu (ainda muito mais jovem) amigo, do qual não consegui fixar o nome (acho que deve ter sido, em décadas de concertos ao vivo a que assisto, a primeira vez que me lembro de ver um baterista tão jovem que nem arrisco em adivinhar a sua idade, mas que estará algures entre a pré-adolescência, por aí), e essa fórmula foi completamente acertada, pois possibilitou destacar e impor a sua boa voz, acompanhada à guitarra. Aquilo que me pareceu demasiado “embrulhado” e complicado pelas opções de produção das suas três músicas do Youtube, haviam sido eliminadas e estava definitivamente a presenciar um João. num registo completamente distinto e de muito boa qualidade.

João. tem nas suas canções em inglês o seu maior trunfo; funcionam muito bem, a sua voz é cativante, e tem substância para levar o músico para uma carreira. Houve lá no meio uma cantada em português, que serviu para perceber também que por aquele lado nada de interessante, ou mágico, vai conseguir obter, numa forma de cantar que remete estilisticamente para o rock português dos anos 80, ou seja, sem qualquer interesse (para mim, claro).

Para finalizar, direi que foi um bom concerto para uma estreia. João. e o seu amigo baterista, estiveram ambos muito bem em palco; houve bons momentos de música, agradou-me especialmente a fórmula simples e sincera como se apresentaram em palco e definitivamente há ali qualquer coisa que mais bem trabalhada, pode levar este jovem músico para outros patamares.

O promissor João. cumpriu muito agradavelmente, e com acerto, a difícil tarefa de abrir para os The Saxophones. As muitas palmas do público, no final da sua atuação, validam as minhas palavras.

Words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas

Marky Ramone, one of the four legendary drummers of the most influential and important band of all rock history (that’s right, truths are to be told), currently touring Europe with his private band Marky Ramone’s Blitzkrieg, presented himself on the last Portuguese show last Thursday (the first was the night before in Lisboa) at Hard Club before a crowd of, essentially, fans of the Ramones’ legacy.

Marky Ramone, as well as the two other only living Ramones (bassist Cj Ramone and drummer Richie Ramone – not Elvis Ramone, who only performed in two group concerts), currently use private bands to spread the Ramones’ legacy around the planet, those also being a way to keep alive important musical careers and a source of personal income since bills have to be paid. The legacy of the mythical group remains extremely current and perhaps stronger than before (at least at the merchandise level). In Brazil and Argentina the Ramones are an authentic religion. In the rest of the world not so much, but their recognition is universal and, therefore, somehow gigantic. There is this joke that if we were all fans of the Ramones, there would never be wars. Such truth.

Marky Ramone’s Blitzkrieg concert at Hard Club was simply brilliant. It was a major rock concert. For several reasons. One is to have made it possible to recognize (again) that the Ramones were a band completely out of the pack, fascinatingly different from all the others. They played for almost two hours without pausing between songs. Marky Ramone’s band was replicated it as a dogma. It is impressive and very exciting to watch live. Then, because this was also a concert at which all the classics were played, and some others from the band, in complete communion with what any Ramones fan would like to hear live. The Ramones always played for their fans with immense respect, and Marky continues to do so.

But, regardless of all the relevance and focus that Marky Ramone may have, it is in his vocalist, Spaniard Pela, from Submission City Blues, where the biggest surprise of the performance of the quartet lies. Pela is completely diabolic on stage, in the best of the punk-rock postures I have memory of (he is not Iggy Pop, nor a late Stiv Bators, but he is almost there in a different kind of posture). Master of an excellent voice (often able to replicate Joey’s original one) and of a better performance, and, unlike the static characteristically position of the iconic Joey Ramone, Pela makes a rampant party between band and audience . It is in Pela that lies the greatest performance difference between a Ramones‘s concert and Marky Ramone’s Blitzkrieg, since the bassist Martin (also a Spaniard), not being Dee Dee Ramone nor CJ Ramone, was quite alright and within what to be expected for this kind of performance.

On the other hand, Greg Hetson (The Circle Jerks guitarist and founder, and, later member of Bad Religion until 2013), special guest on guitar, proved on stage to be a very competent musician to play at the speed and energy of the Ramones (although NOBODY can come close to the greatest punk guitarist ever, Johnny Ramone) … and for the first time I saw in him  (like an acid trip) Pinhead playing guitar (because of the similarity of his face with the famous mask). Note: Pinhead was an element of the Ramones’ staff (usually a roadie) who wore a mask of a bald character, with a small face and with some mental retardation, based on the cult film Freaks (Tod Browning, 1932), and that in all the concerts of the band came onstage, dancing stupidly, to deliver to Joey Ramone a billboard that read Gabba Gabba Hey! It was the ritualistic form of the band to express to their unbalanced, marginalized, victims of bullying audience that came to their shows, that they as well could be a Ramone, and that they were accepted by the band.

Marky Ramone, a majestic figure, seated and surrounded by his drums, on a small stage that lifted him up so that he was always visible to the audience, showed in small but extremely important details how to play punk on drums. In his very own style (inherited from the first drummer Tommy Ramone), but also for his jazz influences, Marky is a great drummer, with immense personality. He is a Ramone!

The band played thirty-five tracks in a row, with no stops … aside for their only encore. There was a fantastic atmosphere between audience and band (aside from a brief moment when Marky interrupted the show and almost leave the stage, confronting a member of the audience that was presumably team). Nothing worthy of mention and the concert carried on until the end in complete madness with the usual scenes, pogo, mosh and headbanging among the audience. The usual at a punk concert and with the adrenaline at its highest.

By way of conclusion: Marky Ramone’s Blitzkrieg equals a reliable real punk show, transverse, to which no one is indifferent. The remaining living Ramones all have that degree of demand in their bands, and Marky has proven on stage that he knows very well how to keep alive the Ramones’s legacy for old and new generations.

That, to also say, that the Ramones are the second band that changed my whole life when I was 13-14 (the first were the Sex Pistols), and that I owe them practically everything I am today in the music world. The love I have for them is not possible to be described, it is something that belongs to me; it’s personal. The Ramones wanted to be bigger than the Beatles, and to me they are, because they were more influential than Liverpool’s four. Until 1974 the sound and way of playing guitar that Johnny Ramone invented and made popular didn’t exist. Today, the sound of his guitar is in every is rock band, from pop to metal. Also, for the simple reason that not everyone could aspire to play like the Beatles, since it is not an easy thing. But everyone can start a band and play like the Ramones. The Ramones simplified rock. They were a band that was completely revolutionary in origin and purpose. They still are.

texto e fotos: Guilherme Lucas

Marky Ramone, um dos quatro lendários bateristas da mais influente e importante banda de toda a história do rock (é isso mesmo, as verdades são para ser escritas), atualmente em digressão na Europa com a sua banda privativa (a Marky Ramone’s Blitzkrieg), apresentou-se na última data nacional, na passada quinta-feira, (a primeira tinha sido na noite anterior, em Lisboa), na sala do Hard Club, para uma multidão que era essencialmente fã do legado Ramones.
Marky Ramone, bem como os dois outros únicos Ramones vivos (o baixista Cj Ramone e o baterista Richie Ramone – aqui não entra Elvis Ramone, que só atuou em dois concertos do grupo), usam bandas privativas na atualidade para propalar o legado Ramones pelo planeta, sendo estas também uma forma de manter vivas carreiras musicais importantes e fonte de rendimentos pessoais, pois há que pagar as contas. O legado do mítico grupo continua extremamente atual e talvez mais forte do que antes (pelo menos a nível de merchandise). No Brasil e na Argentina os Ramones são uma autêntica religião. No resto do mundo nem tanto, mas o seu reconhecimento é universal e, por isso, algo gigantesco. Há aquela piada de que se todos fossemos fãs dos Ramones, jamais haveriam guerras. O que é uma completa verdade.
O concerto da Marky Ramone’s Blitzkrieg no Hard Club foi simplesmente brilhante. Foi um concerto maior de rock. Por variados motivos. Um deles é ter possibilitado reconhecer (mais uma vez), que os Ramones eram uma banda completamente fora do baralho, fascinantemente diferentes de todas as outras. Atuavam quase duas horas sem parar entre músicas. E isso foi replicado nesta banda de Marky Ramone como um dogma. É algo impressionante e muito excitante de se presenciar ao vivo. Depois porque foi também este, um concerto onde se tocaram todos os clássicos, e mais alguns, da banda, numa completa comunhão com o que qualquer fã dos Ramones gostaria de ouvir ao vivo. Os Ramones tocavam sempre para os seus fãs por imenso respeito, e o Marky continua nesse registo.
Mas, independentemente, de toda a importância e do foco que Marky Ramone possa ter, é no seu vocalista, o espanhol Pela, da banda Sumisión City Blues, que reside a maior surpresa da atuação do quarteto. Pela é completamente diabólico em palco, na melhor das posturas punk-rock de que tenho memória (não é um Iggy Pop, nem um falecido Stiv Bators, mas está quase lá, num outro tipo de postura). Senhor de uma excelente voz (em muitos momentos a conseguir quase replicar a voz original do Joey) e de uma melhor atuação, e, ao contrário de uma posição estática característica do icónico Joey Ramone, este Pela faz toda uma festa desenfreada entre banda e público. É em Pela que reside a maior diferença performativa entre um concerto dos Ramones e desta Marky Ramone’s Blitzkrieg, já que o baixista Martin (também um espanhol), não sendo um Dee Dee Ramone nem um CJ Ramone, esteve bastante bem e dentro do previsível para este tipo de atuação.
Por outro lado, Greg Hetson (guitarrista fundador dos The Circle Jerks e posterior membro dos Badreligion até 2013), convidado especial na guitarra, provou em palco ser um músico muito competente para tocar na velocidade e na energia dos Ramones (embora NINGUÉM consiga estar à altura do melhor guitarrista punk de sempre, o enorme Johnny Ramone)… e pela primeira vez vi nele, (qual visão “alucinada” de ácidos) o Pinhead a tocar guitarra (pela semelhança do seu rosto com a famosa máscara). Obs: O Pinhead era um elemento do staff dos Ramones (geralmente um roadie) que colocava uma máscara de um personagem careca, rosto pequeno e com algum atraso mental, baseado no filme de culto Freaks (1932, do realizador Tod Browning), e que em todos os concertos da banda entrava em palco, dançando de forma idiota, para entregar ao Joey Ramone um cartaz onde se lia Gabba Gabba Hey! Era a forma ritualística da banda expressar a todo o seu público de desequilibrados, marginalizados e vítimas de bullying que acorriam aos seus espetáculos, que também eles podiam ser um Ramone, e que eram aceites pela banda.
Marky Ramone, qual figura majestosa, sentado e rodeado pela sua bateria, num pequeno palco que o elevava de forma a que fosse sempre visível para todo o público, mostrou em pequenos pormenores, mas extremamente importantes, como se deve tocar punk numa bateria. No seu estilo muito próprio (herdado do primeiro baterista Tommy Ramone), mas também pelas suas influências jazzísticas, Marky é um grande baterista, com imensa personalidade. É um Ramone!
A banda tocou trinta e cinco temas seguidos, sem paragens… não contando com o único encore que fizeram. O ambiente foi fantástico entre público e banda (tirando um breve momento em que Marky interrompeu o espetáculo para quase sair de palco, confrontando um elemento do público que se estava a portar presumivelmente mal, e que foi prontamente retirado do recinto pelos seguranças). Nada de mais e o concerto prosseguiu até ao final em registo de completa loucura. As cenas habituais, pogo, mosh e headbanging entre o público. O habitual num concerto de punk e com a adrenalina no máximo.

Em jeito de conclusão: Marky Ramone’s Blitzkrieg é sinónimo seguro de um espetáculo de verdadeiro punk, transversal, em que ninguém fica indiferente. Os restantes Ramones vivos tem todos esse grau de exigência nas suas bandas, e Marky provou em palco que sabe muito bem como manter vivo o legado dos Ramones para velhas e novas gerações.
Isto também para dizer que os Ramones são a segunda banda que mudou toda a minha vida quando tinha 13-14 anos, (a primeira foram os Sex Pistols), e que devo a eles praticamente tudo o que sou hoje no campo musical. O amor que tenho por eles não é possível de ser descrito, é algo que fica para mim; é pessoal. Os Ramones queriam ser maiores que os Beatles (de quem eram fãs acérrimos), e para mim são-no, pois foram mais influentes do que os quatro de Liverpool. Até 1974 não existia a forma e o som de tocar guitarra que Johnny Ramone inventou e popularizou. Hoje, o som da sua guitarra está em tudo o que é banda de rock, desde pop a metal. E também pela simples razão de que nem todos podiam ambicionar tocar como os Beatles, já que não é coisa fácil. Mas todos podem começar uma banda e tocar como os Ramones. Os Ramones simplificaram o rock. Foram uma banda completamente revolucionária na sua origem e nos seus propósitos. Ainda o são.

Words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas

Decreto 77 from Almada wore chosen to support Marky Ramone’s Blitzkrieg two Portuguese concerts. The collective that has existence for 16 years (they come to be in 2002 with a hiatus between 2013-15), have in its singer João, their greatest live asset. That does not detract from the empathy (and very solid instrumental competence) that the remaining members emanate throughout the performance.

João is the typical case, almost turned into a real meme, the eternal teenager inside a huge adult body (he’s a very tall boy), displaying of stage the attitude of some one that never wants to grow up. He performs, in an iconic and entertaining way, the whole spirit of a youthful stance very characteristic of the 80’s-90’s California’s punk-hardcore-skate gold years. Always trying to break whatever existing barriers between audience and band, very chatty and friendly, always sought through his performance draw the audience that gradually filled Hard Club’s Sala 2. And he succeeded. If, at the beginning of the show, things were a bit cold, towards the end of the concert the audience had a great enthusiasm towards the band’s performance considering the unpleasant of a smaller band to open for a larger one.

77 play essentially punk-rock, with some inroads to old school punk-hardcore of of a more emotional leaning, but always in a light, healthy and hopeful fashion, with strong choruses, sung in chorus, with melodic guitar solos, searching to reach teenage punk anthems (at times their music resembled something from Youth Brigade and Bad Religion). Therefore, they aren’t a depressive, dense, brutal and chaotic punk band. In such regard, they are part of what I personally classify as “punk pop hymns”. The themes of the quintet range from personal problems face-to-face with reality consumer society, war, love, peace, hate, etc. … deep down, all the classic causes of punk.

I found Decrteto 77’s concert very nice, even good, within their field. They are a serious and committed band within their proposal. It seemed to me a good choice of from the promotor to have chosen them for support act, since, somehow, without being an extreme and chaotic punk band, they are, however, quite accessible within this typology, which makes sense in the context that what to come next was a more than known and recognized by the masses musical legacy, like the Ramones.

texto e fotos: Guilherme Lucas

Os Decreto 77, banda de Almada, foi a eleita para suporte das duas datas nacionais de Marky Ramone’s Blitzkrieg. O coletivo, que leva já 16 anos de existência (formados em 2002 e com um interregno de atividade entre 2013-15), tem no seu vocalista João, o seu maior trunfo ao vivo. Isto sem desmerecer também toda a empatia (e uma muito sólida competência instrumental), que os restantes membros emanam, ao longo da atuação.
João é o típico caso, feito quase um meme real, do eterno adolescente dentro de um corpo adulto e enorme (o rapaz é muito alto), e que em palco evidencia a atitude de não querer crescer nunca. Interpreta, de forma icónica e divertida, todo o espírito de uma certa postura juvenil muito característica do punk-hardcore-skate californiano dos anos de ouro dos 80-90. Tentando sempre quebrar eventuais barreiras entre o público e banda, muito conversador e simpático, procurou sempre através da sua performance cativar a adesão de uma assistência que ia preenchendo a pouco e pouco a sala 2 do Hard Club. E o que é facto é que o conseguiu. Se no início do espetáculo a coisa estava algo fria, já para o final do concerto percebia-se um maior entusiasmo por parte do público em geral, à atuação do grupo, considerando sempre a tarefa ingrata que é fazer, para uma banda mais pequena, a abertura para uma banda maior.

Os Decreto 77 tocam essencialmente punk-rock, com algumas incursões ao punk-hardcore old school de pendor mais emotivo, mas sempre numa vertente light, saudável e de esperança, de fortes refrões, cantados em coro e com solos de guitarra melódicos, na procura da realização de hinos punk adolescentes (em momentos da sua música lembram algo dos Youth Brigade e Bad Religion). Não são por isso, e de todo, uma banda punk com um som depressivo, denso, brutal e caótico. Nesse aspeto, fazem parte do que pessoalmente classifico como “punk pop de hinos”. As temáticas do quinteto situam-se entre as problemáticas pessoais em confronto com o real e a sociedade de consumo, guerra, amor, paz, ódio, etc… no fundo, todas as causas clássicas do punk.

Achei o concerto dos Decreto 77 muito simpático, e até bom, dentro do seu campo. São uma banda séria e comprometida dentro do que se propôe. Pareceu-me uma boa escolha da organização em os ter elegido para suporte, já que, de alguma forma, e não sendo uma banda do punk extremo e caótico, são isso sim, bastante acessíveis dentro desta tipologia, o que faz sentido num contexto em que o que vêm a seguir é todo um legado musical, mais do que conhecido e reconhecido pelas massas, como é o dos Ramones.

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas

Okoyome: French trio (from Toulose) Okoyome opened Wednesday night at Woodstock 69. The band has ramifications with their countrymen SLIFT, that have also performed at Campanhã’s bar earlier in the year, more precisely to their bassist Rémi, a member of both bands. This time, for reasons connected to SLIFT the bass player was a replacement, named Hugo. Okoyome are going to give several concerts around Portugal, Spain and France to promote their first – and excellent – work, titled after the group.

Live, they demonstrated in an enlightened way that they are three very committed great musicians (the drummer is a giant, for me star of the collective), playing in very frantic and garage performative register, totally at ease, having in consideration that most of this instrumental, is, at various times, of high technical elaboration. When I see a band playing “difficult” things in an uncomplicated way, making it seem very simple and almost banal, I know I’m watching a performance of good musicians. Period.

Okoyome are musically stoner-rock, sludge and doom, making a very interesting and well succeed fusion of those genres. There is also a psychedelic side to their themes, but mostly by the voices, which are of the highest quality (such as SLIFT’s ones), and which send us to landscapes of contemplation and travel (in some aspects very similar to the slower moments we find in most of the The Young Gods’ discography).

Okoyome were a great live surprise … I confess that I went to see them with a raised expectation, exclusively by listening to their first record, but honestly did not expect that they were so exciting live. The kind of band that comforts our soul, in thesense that if you do not see concerts, you sometimes lose gems like these French.

Cheap Tissue: Los Angelinos Cheap Tissue, closed the night. The concert will surely be recorded in the band’s memory for years to come, because of the fainting and fall – presumably caused by an electric shock – of Andrew Taylor, their guitar player/singer. The quartet began to play and because of the incident, fortunately without major consequences for the musician, the performance was immediately stopped to provide the available assistance. It was not possible to know how such situation may have occurred. Among various theories and conjectures, with guitar cables on the mix. With a recovered Taylor the concert carried on normally. Not really, since the band showed the occurrence during all of its performance, as well as part of the audience, including writer of these futureless reviews, perfectly understandable and natural. It was the first time I’ve seen such a situation live, not a pleasant thing to see.

Even though Cheap Tissue gave na as much as possible good concert. The group is musically placed within punk-rock-garage, all of it via Dead Boys, Testors, Vibrators or New York Dolls, and much of guitarist Sonny Vincent’s musical work, a certain punk that could have conquered the whole world in its time (mid 70’s), but that was send to the second division in its evolution to other branches, but still keeping great quality and fidelity to the rock’n’roll  roots  of its kind. If we consider that global punk, in a generic way, has been brutalized in terms of sound over the last decades up until now, the punk I am referring to, Cheap Tissue’s one, is pop with catchy choruses, completely rock ‘ n’roll and nostalgic. It’s root punk. In that sense, it is not unreasonable to consider Cheap Tissue as a current punk-rock revival band.

The band has been touring Europe (France, Spain, Portugal) promoting their debut LP, Cheap Tissue, named after the group. It is a good album within its kind, with some very strong themes, like Hand of Destruction, that has a great chorus and an addictive tempo, or Dirt, totally great punk-rock. They also do a very good cover of New Promotion’s Hubble Bubble, and for me better than the original (up until then I didn’t knew where it come from, bass player John Tyree enlightened me in a very pleasant informal after show conversation ). I thought it was a custom cover of the Ramones’ Oh, Oh, I Love Her So. They also played The Clash’s I’m So Bored With The U.S.A. I did not confirm real motivation with the band, but in these times trumpian the intention seemed obvious to me.

Cheap Tissue are a good band that plays well and are very nice people. It was unfortunate to have met them in an unpleasant situation; I’m left with the conviction that one can see them in the future if they return to Portugal. Shit happens but it’s only rock’n’roll!

texto e fotos: Guilherme Lucas

Okoyome: Os Okoyome, trio francês de Toulose, abriu a noite de quarta-feira, no Woodstock 69. Esta banda tem ramificações com os seus conterrâneos SLIFT, que também já atuaram no bar de Campanhã no início deste ano, mais precisamente ao seu baixista Rémi, que pertence às duas bandas. Desta vez, e por motivos ligados aos SLIFT, o baixista que atuou foi um substituto, de nome Hugo. Os Okoyome andam a dar vários concertos um pouco por Portugal, Espanha e França para promover o seu primeiro – e excelente – trabalho, com o mesmo nome do grupo.
Ao vivo, demonstraram de forma esclarecida, serem três grandes músicos muito comprometidos (o baterista é gigante, para mim o diamante do coletivo), atuando num registo performativo muito garage e frenético, com um enorme à vontade, considerando que muito do seu instrumental, é, em diversos momentos, de alguma elevada elaboração técnica. Quando vejo uma banda a tocar coisas “difíceis” de uma forma descomplicada, fazendo a coisa parecer muito simples e quase banal, sei que estou a assistir a um desempenho de bons músicos. Ponto.

Os Okoyome estão musicalmente dentro do stoner-rock, do sludge e do doom, fazendo uma muito interessante e bem conseguida fusão destes géneros. Há também um lado psicadélico nos seus temas, mas essencialmente por via das vozes, que são de enorme qualidade (como as dos SLIFT), e que nos remete para paisagens de contemplação e de viagem (em alguns aspetos muito similares aos momentos mais lentos que encontramos em muita da discografia de uns The Young Gods).
Os Okoyome foram uma excelente surpresa ao vivo… confesso que já os ia ver com a minha fasquia elevada, exclusivamente por via da escuta do seu primeiro trabalho discográfico, mas sinceramente não contava que fossem tão empolgantes ao vivo. Do tipo de banda que nos conforta a alma, naquele sentido de que se não vais ver concertos, perdes, por vezes, pérolas como estes franceses.

Cheap Tissues: Os norte-americanos, de Los Angeles, Cheap Tissue, encerraram a noite. Este concerto ficará seguramente registado na memória da banda para os anos seguintes, derivado do desmaio e queda – provocado presumivelmente – por um choque elétrico, ao seu guitarrista/vocalista Andrew Taylor. O quarteto começara a atuar e com a ocorrência deste incidente, felizmente sem consequências de maior para o músico, foi imediatamente interrompida a atuação, para se prestar a assistência possível, não se conseguindo perceber como tal situação possa ter ocorrido. Entre várias teorias e conjeturas, com cabos de guitarra à mistura. Com o restabelecimento de Andrew Taylor, o concerto prosseguiu normalmente. Não tanto assim, já que a banda acusou desta ocorrência durante toda a sua atuação, bem como parte do público, incluíndo aqui o escriva destas reviews sem futuro, o que é perfeitamente compreensível e natural. Foi a primeira vez que assisti a uma situação destas ao vivo, e não é algo agradável de se ver.

Os Cheap Tissue, mesmo assim, deram um bom concerto, dentro do possível. O grupo está musicalmente situado no punk-rock-garage, todo ele por via de uns Dead Boys, de uns Testors, de uns Vibrators ou de uns New York Dolls, e de muito do trabalho musical do guitarrista Sonny Vincent, ícone maior de um certo punk que podia ter conquistado, no seu tempo (meados dos anos 70), todo o planeta, mas que foi relegado para a segunda divisão na evolução que este fez para outras ramificações, continuando contudo a ter uma grande qualidade e fidelidade às raízes mais rock’n’roll do seu género. Se considerarmos que o punk global, de forma genérica, se brutalizou em termos sonoros ao longo das últimas décadas até à atualidade, este punk que estou a referir, e que é o dos Cheap Tissue, é pop e de refrões orelhudos, completamente rock’n’roll e nostálgico. É o punk de raiz. Nesse sentido, não é displicente considerar os Cheap Tissue como uma banda revivalista punk-rock nos dias de hoje.

A banda tem estado em tour pela Europa (França, Espanha, Portugal), em promoção do seu LP de estreia com o mesmo nome do grupo, Cheap Tissue. Este é um bom álbum dentro do seu género, com alguns temas muito fortes, como o Hand of Destruction, com um grande refrão e um andamento viciante, ou Dirt, completamente punk-rock do bom. Fazem ainda uma versão do New Promotion dos Hubble Bubble, muito bem conseguida, e para mim melhor que a original, (desconhecia até aquele momento a sua origem, que me foi revelada pelo baixista John Tyree, numa muito agradável conversa informal, após o espetáculo). Pensava que era uma versão personalizada do Oh, Oh, I love her so, dos Ramones. Tocaram também ao vivo o I’m soo bored with the U.S.A., dos The Clash Não confirmei com a banda a real motivação, mas parece-me óbvia a intenção, nestes tempos trumpistas.

Os Cheap Tissue são uma boa banda, tocam bem e é pessoal muito simpático. Foi pena os ter conhecido numa situação desagradável; fica a convicção de os poder ver num futuro, caso voltem aqui ao cantinho. Shit happens but it’s only rock’n’roll!

wrds: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro ); photos: Guilherme Lucas

Matosinhos’ FullSteam started Thursday night at Woodstock 69. Their sound is within heavy rock, mostly through sub-genres like hard rock and blues-rock. The group gave a decent show, despite the collective’s project exhibition some amateurism. If it is undisguisadble they already posess a sound and a genre in which they fit very well. Live, is it undeniable that they’re still a band with lots to improve. What struck me as obvious at once during their performance, is that they are a two-speed quartet: there is a good guitarrist with interesting details through the themes and a charismatic singer who is almost on point,if he leaves behind certain stylistic formatting in his singing.

On the other hand, they have a rhythm section has a lot to improve, especially the somewhat confusing and not very assertive drums. FullSteam are, for the time being, a band showing rock clichés, not all of them yet well achieved and executed, but they demonstrate potential to be able to aim at something bigger within their style. But for that, they must definitely abandon some of their amateur posture, technically sharpening their repertoire and playing more clearly.

It was the third time in three years in a row that Danes Bite The Bullet performed at Woodstock 69. It was the first time I saw them live and the only thing I can say about their performance is that the Porto lived glorious moments of pure rock’n’roll, that will remain forever in the memory of all who were present at Campanhã’s bar. Bite The Bullet are a quartet that practices rock’n’roll within a hard-blues strand, but because they merge other subgenres, their music has many moments that either refer us to The Stooges or Led Zeppelin, through much of the of English and American rock heritage from the 70s and ending up in musical fields that are surprising because they are unexpected (I have even identified Roxy Music somewhere in their sound).

Live, Bite The Bullet are a very well-oiled and perfect music machine in a fuzz-pop-psychedelic registry, with real songs, with an unusual ability to interact with the audience and completely deliver in concert. They managed to literally sit down on the floor, in a rare posture (I can only remember something similar, from over two decades Buddy Guy come to something similar in Porto’s Coliseu, in a somewhat different situation … Buddy Guy was a blues-man, what the hell). The discography of the collective is of great quality, within its genre, already having categorical a sharpened creativity to perform some very strong themes (read hits) such as My Soul or Home.
A great voice, excellent backing vocals, precise instruments of very good taste within their style, make this Copenhagen band one ideal to enjoy excellent rock on any night of our life. That was what happened. Bite the Bullet – who are currently touring Europe – gave one of the best concerts I have seen at Woodstock 69. They are already in my top 5.

 

texto e fotos: Guilherme Lucas

Os FullSteam, banda de Matosinhos, iniciaram a noite de quinta-feira no Woodstock 69. O seu som está dentro do rock pesado, essencialmente por via de subgéneros como o hard-rock e o blues-rock. O grupo ofereceu um espetáculo decente, pese a demonstração ainda de algum amadorismo no projeto do coletivo. Se é indesmentível que já tem um som e um género em que se enquadram muito bem, é notório ao vivo que são ainda uma banda com muitos aspetos para melhorar. O que me pareceu desde logo óbvio, durante toda a sua atuação, é que são um quarteto a duas velocidades: tem um bom guitarrista, com pormenores interessantes ao longo dos temas, e um vocalista carismático, que está quase no ponto, se deixar para trás alguma formatação estilística na forma como canta. Por outro lado possuem uma secção rítmica que tem ainda muito espaço para ser melhor trabalhada, principalmente a parte da bateria, que se mostrou algo confusa e pouco assertiva. Os FullSteam são, por enquanto, uma banda de exercício de clichés rock, nem todos eles ainda bem conseguidos e executados, mas que demonstram potencial para conseguir ambicionar algo maior dentro do seu estilo. Mas para isso, tem de abandonar definitivamente alguma da postura amadora, apurando tecnicamente o seu repertório e atuando com mais esclarecimento

É já a terceira vez que os dinamarqueses Bite The Bullet se apresentam ao vivo no Woodstock 69, em três anos seguidos. Foi a primeira vez que os vi ao vivo e a única coisa que posso dizer sobre a sua atuação é que o Porto viveu momentos gloriosos de puro rock’n’roll, que permanecerão eternamente na memória de todos os que estiveram presentes no bar de Campanhã. Os Bite The Bullet são um quarteto que pratica rock’n’roll dentro de uma vertente hard-blues, mas porque fazem fusão de outros subgéneros, encontram-se na sua música muitos momentos que tanto nos remetem para os The Stooges ou os Led Zeppelin, passando por muita da herança do rock inglês e norte-americano dos 70 e terminando em campos musicais que são surpreendentes, pois inesperados (até identifiquei Roxy Music algures no seu som, vejam lá). Os Bite The Bullet são uma máquina de fazer música, muito bem oleada e perfeita ao vivo, em registo fuzz-pop-psicadélico, e com verdadeiras canções, com uma capacidade invulgar de interagir com o público e de entrega completa em concerto. Conseguiram sentar literalmente todo o público presente no chão, numa postura rara de se ver (só me recordo de algo semelhante, e há mais de duas décadas, o Buddy Guy ter chegado a algo semelhante no Coliseu do Porto, em situação algo distinta… mas o Buddy Guy era um bluesman, que diabo). A discografia do coletivo é de grande qualidade, dentro do seu género, tendo já um categórico apuro criativo para a realização de alguns temas bastante fortes (vulgo hits), como é o caso de My Soul ou Home).
Uma grande voz, excelentes coros e todo um instrumental certeiro e de muito bom gosto, dentro do seu estilo, fazem desta banda de Copenhaga, uma das ideais para se usufruir de excelente rock numa qualquer noite desta vida. Foi isso que aconteceu. Os Bite the Bullet – que estão atualmente em tour europeia – deram um dos melhores concertos a que tenho vindo a assistir no Woodstock 69. Já estão nesse meu top 5.