Category: Concerts

Three tempi metal

words: Neno Costa (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Telma Mota

The performances of Black Wizards, MaidaVale and Earthless at Hard Club gave everyone who filled Sala 2 with a very interesting and rewarding sample of some metal trends.

1. The Black Wizards

An auspicious start by Black Wizards in an electrifying, head-swinging performance. Joana Brito’s (guitar/vocals) band, the returning Helena Peixoto (drums) and the newly integrated José Roberto (bass), the latter with a history of collaborative complicity with band from Barcelos, interpreted themes from a discography that has revealed a progressive maturation. Black Wizards played a full-bodied concert with much of the best that the metal menu has to offer in creative syntheses and incendiary riffs, colored by the fuzz sounds of the 70s, without abdicating their own personality, to which increasingly confident of Joana Brito’s voice and the virtuosity of José Roberto aren’t alien.

2. MaidaVale

For lovers of female rock sounds from the early 70s, Swedish MaidaVale did not disappointed, presenting on stage a consistent performance in which the psychedelic affiliation was assumed in a fluid and sometimes involving tone, seasoned with funky phrases, fuzz textures and stoner evocations. The band has been acquiring greater solidity, attested by their album Madness is Too Pure (2018) – that was the main source of the repertoire -, detaching itself from a certain predictability of Tales Of The Wicked West. We are before an interesting band to which Matilda Roth’s voice lends a particular personality, with a solid instrumental body, with virtuoso strings with controlled voltage (Sofia Ström), highlighting the creative articulation of the drums (Johanna Hansson) and bass (Linn Johansson), with refreshing and groovy melodic lines announced early on with Trance, Oh Hysteria! or Walk in Silence, themes from their latest album, attesting to the band’s greater refinement confirmed by the performance in Porto.

3. Earthless (Mario Rubalcaba, drums; Isaiah Mitchell, guitar; Mike Eginton, bass)

The Much awaited Californian trio Earthless provided an appreciable musical journey, both for the duration of the songs that make up their latest album Night Parade of One Thousand Demons and for their quality, confirming them as excellent composers in the realm of psychedelic heavy metal. A sound narrative inspired by a Japanese legend from which they took the title of their last album, Earthless unleasehd the demons, driving emotions through the cohesive and virtuous instrumental progression, the long descriptive solos and riffs that echo the references of the best metal, krautrock jazzy even, in an immaculate stage performance that ended, as an encore, with Cherry Red, the 2007 theme (Rhythms From a Cosmic Sky) in which Isaiah Mitchell’s voice emerges, surprisingly – and captivating – redesigning the sound of band.

Metal a três tempos

texto: Neno Costa; fotos: Telma Mota

As atuações de Black Wizards, MaidaVale e Earthless no Hard Club proporcionaram a todos quantos lotaram a sala 2 uma amostra muito interessante e recompensadora de algumas das tendências metálicas.

1. The Black Wizards

Abertura auspiciosa com Black Wizards numa atuação eletrificante de baloiçar cabeças. A banda de Joana Brito(guitarra/voz), da regressada Helena Peixoto (bateria) e do recém integrado José Roberto (baixo), este último com um histórico de cumplicidades colaborativas com a banda de Barcelos, interpretaram temas de uma discografia que tem revelado um amadurecimento progressivo. (A)os Black Wizards deram um concerto bem encorpado com muito do melhor que o cardápio metálico tem para oferecer em sínteses criativas e riffs incendiários, tingido pelas sonoridades fuzz dos 70s, sem abdicarem de uma personalidade própria, à qual não são alheias a voz cada vez mais segura de Joana Brito e o virtuosismo de José Roberto.

0. MaidaVale

Para os apreciadores das sonoridades femininas do rock dos inícios dos anos 70, as suecas MaidaVale não terão desapontado, apresentando em palco uma atuação consistente onde a filiação psicadélica foi assumida num tom fluído e por vezes envolvente, temperada com frases funky, texturas fuzz e evocações stoner. A banda tem vindo a adquirir maior solidez, atestada pelo seu álbum Madness is Too Pure (2018) – que ocupou a maior parte do reportório-, descolando-se de uma certa previsibilidade de Tales Of The Wicked West (2016). Estamos perante uma banda interessante à qual a voz de Matilda Roth empresta uma personalidade particular, com um corpo instrumental sólido, com cordas virtuosas de voltagem controlada (Sofia Ström), destacando-se a articulação criativa da bateria (Johanna Hansson) e do baixo (Linn Johansson), com linhas melódicas refrescantes e groovy anunciadas logo desde início com Trance, Oh Hysteria! ou Walk in Silence, temas do seu último álbum, atestando maior refinamento à banda que a atuação no Porto confirmou.

0. Earthless

Muito aguardados, o trio norte-americano Earthless proporcionou uma viagem musical apreciável, quer pela duração dos temas que compõem o seu último álbum “Night Parade of One Thousand Demons”, quer pela qualidade dos mesmos, confirmando-os como compositores exímios do universo do heavy metal psicadélico. Narrativa sonora inspirada numa lenda japonesa à qual foram buscar o título do seu último álbum, os Earthless libertaram os demónios, conduzindo as emoções através da progressão instrumental coesa e virtuosa, dos longos solos descritivos e riffs onde ecoam as referências do melhor metal, krautrock e até jazzísticas, num desempenho imaculado em palco que terminou, em jeito de encore, com Cherry Red, tema de 2007 (Rhythms From a Cosmic Sky) no qual a voz de Isaiah Mitchell emerge, redesenhando de forma surpreendente – e cativante – a sonoridade da banda.

words: Paulo Carmona (freely tanslated by Raquel Pinheiro); photos: Hiliana Silva Melo

A recital of beautiful melodies. With this small and simple sentence I could describe Tindersticks’ concert at Coliseu, in Porto.

This phenomenon is not for every band. The members of Tindersticks practically did not move on stage, except to change instruments. However, at every second it was felt in the air that they were feeling their music like no one else in the room. They put all they had as creators and musicians in every note, in every riff, in every segment – that’s a large part of whom they are.

Unbridled talent and brilliant execution of the songs, one after another.

In a set-list of more than 20 songs the band won over the audience, setting (an almost full) room on fire several times that at each performed song was already there.

They stared with Willow, A Night So Still, Medicine and She’s Gone in which the guest musicians that accompanied the core of the band, led by the charismatic Stuart Staples, appeared on stage and soon after Her, the orchestra made its entrance. On several occasions, the Coliseu stage had more than 15 musicians performing. Tindersticks are already overly melodic, but with orchestration it becomes epic. Any song could be a movie soundtrack of the highest level. A luxury.

Another Night In, City Sickness, My Sister, Johnny Guitar, My Obvlivian, Show Me, Sometimes It Hurts, Harmony and For The Beauty, among many others, were also played. We were entitled to two encores exponentially requested by the audience that didn’t stop nor got tired of standing up. It was touching. I can imagine how it was for the musicians. And there were reasons for that. Stuart Staples’ incomparable voice packs all that alternative indie rock into a slow or moderately haughty cadence.

texto: Paulo Carmona (freely tanslated by Raquel Pinheiro); fotos: Hiliana Silva Melo

Um recital de belas melodias. E podia com esta pequena e singela frase descrever este concerto dos Tindersticks no coliseu do Porto.

Este fenómeno não é para qualquer banda. Os elementos dos Tindersticks praticamente não se movimentam em palco, a não ser para trocar de instrumentos. Todavia, a cada segundo se sentia no ar que eles estavam a sentir a sua música como ninguém mais naquela sala. Depositam em cada nota, em cada riff, em cada segmento, tudo de si enquanto criadores e músicos, e isso, é muito do que eles são. Talento desmedido e execução brilhante dos temas, um após outro.

Num set-line com mais de 20 canções, conquistaram o público, que já o estaria, a cada canção interpretada levando a sala (quase cheia) ao rubro por diversas vezes.

Começaram com Willow, A Night So Still, Medicine e She’s Gone em que surgiram em palco os elementos convidados que acompanhavam o núcleo duro da banda liderada pelo carismático Stuart Staples e logo após Her, a orquestra entra em palco. Por diversas vezes o palco do coliseu chegou a ter mais de 15 músicos a atuar. Tindersticks já é sobejamente melódico, mas com orquestração torna-se épico. Qualquer música daria para banda sonora de cinema ao mais alto nível. Um luxo.

Não faltaram Another Night In, City Sickness, My Sister, Johnny Guitar, My Obvlivian, Show Me, Sometimes It Hurts, Harmony e For The beauty entre muitas outras. Tivemos direito a 2 encores exponencialmente solicitados pelo público que não parava e não se cansava de aplaudir de pé. Chegou a ser comovente. Imagino para os músicos. E havia motivos para tal. A incomparável voz de Stuart Staples embala todo aquele indie rock alternativo em cadência lenta ou moderadamente altivo.

Isto não é para quem quer, é para quem pode. E pode porque vive a música pela música e esse amor em forma de melodia transborda para o mundo compactado em sons com que se fazem as canções.

words & photos: Raquel Pinheiro

Sala Estúdio Perpétuo is a cinema and concert venue on the grounds of the former Sala Estúdio, a 1966 cinema within a building designed by architect Luiz Cunha. The weekend was divided between an indoors concert, Miaux + Paraíso Plástico and an outdoors one, Sereias.

Miaux + Paraíso Plástico

Paraíso Perdido (João Pinho) gave its debut concert Saturday evening. Electronic landscapes of a certain intensity were the defining key of Paraíso Perdido’s concert. Miaux (Sarajevo born Belgian musician Mia Prec) and her vintage Casio filled the room with melodies that ranged from a blink to the dance floor to baroque music. It was a soul filling performance with cinematic tones, quite appropriated to the beautiful cinema room where Miaux was playing.

Sereias

The following late afternoon Serieas presented their self-titled second album. As usual to anyone familiar with their live sets, Serias line-up is ever changing with a few constants and their concerts are far different, much more raw, groovy and in your face than their albums. António Pedro Ribeiro (vocals), Arianna Casellas (vocals, electronics), João Pires (drums), Tommy Luther Hughes (bass), Kaué Grindi (guitar), Nils Meisel (electronics) and Ra-Yacov (trumpet) along with Kenneth Stitt occasional improv performance appearances, lead the audience into a tribal, primeval funk.

João and Tommy are a devilish rhythm section that carries and sustains the rest of the band, much the other may lead towards the abyss, glory, or both. Live, with Sereias it is an almost non-stop dancing, a trip to another universe filled with warm grooves, sharp inflections, chaotic, yet never too far-out, out-bursts of energy. Everything always seems to be about to crumble, to be too maniac, and at times it is maniac and sharp and insane, but it always returns to a more “restrained” path.

Fitting that Adolfo Lúxuria Canibal wrote the new album presentation text. If there is a live band in which Mão Morta’s early years energy and spirit is present it is in Sereias.

text: Neno Costa (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Telma Mota

Helms Alee
Seattle’s trio Helms Alee returned to Portugal, ensuring they were a stimulating opening act, combining a rough sound texture with well-matched and creative melodic brushstrokes, avoiding the most commonplaces of noise rock. Portentous bass and energetic drums, refreshed by an intense guitar Helm Alee fulfilled the first part of the concert almost without fault (it seems that in Lisbon it was better), leaving our mouths watering to be better listened to.

Russian Circles
With a well-defined identity, Russian Circles belong to the sound universe of excellent composers of instrumental post-rock, such as Mono or Godspeed You! Black Emperor (some great concerts promoted by Amplificasom are fondly remembered).
Masters of an energy purified from the gratuitousness of the formulas that inhabit some worlds of the heaviest sounds, the Chicago trio saluted those who sold out Hard Club’s Sala 2 with a first-class sonic trip. The pretext of their latest album Blood Year (2019), which promotion was cur short by the pandemic, served as a ride to revisit some of the many brilliant themes that inhabit Russian Circles seven studio albums.
In fact, only two themes from their latest work were included in the proposed menu -Arluck and Quartered- the first as an opening painting the air with Brian Cook’s portentous bass, followed by Dave Turncrantz’s vigorous beat dilating the walls of the room, merging with Mike Sullivan’s irreproachable guitar electrifying the hanging heads. A lingering guitar riff filled the air with Afrika (Guidance, 2016), on a journey from primordial ingenuity to an indefinable urgency to lead to redemptive hope. Subjective landscapes, yes, but also one of the merits of some aphonic bands, as is the case. Harper Lewis (Station, 2008) continued the well-woven progression of the line up, with punchy rhythmic phrases hand in hand with moving and fresh melodic clearings.
The first clear chords of Quatered progressed until collapsing in an eloquent and overwhelming harmonic avalanche. If digitally reproduced sound is tasty, live is even more superlative, full-bodied, crisp and immersive. Tuned like clocks, without scenic artifice or gestural theatrics Russian Circles guided the audience’s emotions through dynamic and fluid bridges between unique landscapes such as Deficit (Memorial, 2013), 309 (Empros, 2011), Conduit (recent theme) and Vorel. (Guidance, 2016) ending with Youngblood (Station, 2008) in a well-constructed visceral intensity to finish off an impeccable concert that we already miss.

texto: Neno Costa; fotos: Telma Mota

Helms Alee
O trio de Seattle Helms Alee regressou a Portugal, assegurando uma primeira parte estimulante, conjugando uma textura sonora áspera com pinceladas melódicas bem conjugadas e criativas, evitando os lugares mais comuns no noise rock. Baixo portentoso e bateria enérgica, refrescadas por uma guitarra intensa, os Helm Alee cumpriram a primeira parte do concerto quase sem mácula (parece que em Lisboa esteve melhor), deixando água na boca para melhores audições.

Russian Circles
Com uma identidade bem definida, os Russian Circles pertencem ao universo sonoro de compositores exímios nos trilhos do post-rock instrumental como são, por exemplo, os Mono ou os Godspeed You! Black Emperor (recorda-se com saudade alguns dos grandes concertos promovidos pela Amplificasom).
Senhores de uma energia depurada da gratuitidade das fórmulas que habitam alguns territórios das sonoridades mais pesadas, o trio de Chicago brindou todos quantos esgotaram a sala 2 do Hard Club com uma viagem sónica em primeira classe. O pretexto do seu último álbum “Blood Year”(2019), cuja promoção se viu amputada pela pandemia, serviu de boleia à revisitação de alguns dos muitos temas brilhantes que habitam os sete álbuns de estúdio dos Russian Circles. Com efeito, somente dois temas do seu último trabalho integraram a ementa proposta -Arluck e Quatered-, com o primeiro a abrir o concerto e a pintar o ar com o baixo portentoso de Brian Cook, seguido pela batida vigorosa de Dave Turncrantz a dilatar as paredes da sala, fundindo-se com a guitarra irrepreensível de Mike Sullivan a eletrificar as cabeças penduladas. O riff prolongado da guitarra encheu o ar com Afrika (Guidance, 2016), numa viagem da ingenuidade primordial até uma urgência indefinível para desembocar numa esperança redentora. São paisagens subjetivas, sim, mas esse é, também, um dos méritos de algumas bandas afónicas, como é o caso. Harper Lewis (Station, 2008) deu continuidade à progressão bem tecida do alinhamento, com frases rítmicas enérgicas de mão dada com clareiras melódicas, comoventes e frescas.
Os primeiros acordes de Quartered, límpidos, progrediram até desabar numa avalancha harmónica, eloquente e arrebatadora. Se o som reproduzido digitalmente é saboroso, ao vivo é ainda mais superlativo, encorpado, nítido e envolvente. Afinados como relógios, sem artifícios cénicos ou teatralidade gestual, os Russian Circles guiaram as emoções do público através de pontes dinâmicas e fluidas entre paisagens únicas como Deficit (Memorial, 2013), 309 (Empros, 2011), Conduit (tema recente) e Vorel (Guidance, 2016) terminando com Youngblood (Station, 2008) numa intensidade visceral bem construída a rematar um concerto irrepreensível que deixou saudades.

words and photo: Paulo Carmona (freely translated by Raquel Pinheiro)

What is important to the audience? The age of the musician, the age of the music? It does not seem to be! Lloyd Cole, who performed last Saturday before a quite filled Rosa Mota pavilion, did not tire of reminding his audience about it during almost the entire concert. Ultimately, not that I want to stop here, if it weren’t for his insistence, no one would have noticed Lloyd Cole is already in his sixties, a father of children and a family man. It’s just that the man’s voice hasn’t aged a single day since the Commotions. Quite the opposite. He went there to look for it all, in terms of notes pitch and vocal range. A luxury. He sings like there is no tomorrow and plays likewise.

Splitting the concert into two and a quarter because, effectively, that’s what happened since he initially performed, alone on stage, he and the 3 guitars, doing it with the safety and mastery of someone who, in more than 30 years of career, has stepped on many stages. Always friendly, with humor and communicative, wandering between old and newer songs, he returned after a 15-minute break accompanied by Neil Clark (guitar) and, let’s be honest, very well accompanied because if the magic of Lloyd Cole’s voice and guitar had managed to caress and warm our souls with Neil Clark things gained even more colour and blue velvet. Someone next to me said it, and very well: “look, now the guitars are talking to each other”. I couldn’t have said it better. It was really good. He drew strong applause and ended up confessing that the audience had managed to make a mature man happy. Mine “and a fourth” is for the much demanded encore requested by tireless fans very well ornamented by the master.

When I stepped out all I had left was a very small, very imperceptible, but felt sourness. From The Hip was not part of the set-list. What a pity!

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texto e foto: Paulo Carmona

Mas afinal o que é importante para a audiência? A idade do músico, a idade da música? Parece que não! O Lloyd Cole que se apresentou no sábado passado perante um pavilhão Rosa Mota muito bem composto, não se cansou de o lembrar ao seu público, durante quase todo o evento. Em última análise, e não que eu queira ficar já por aqui, não fosse esta sua insistência e ninguém teria dado pelo Lloyd Cole já sexagenário, pai de filhos e homem de família. É que a voz do homem não envelheceu um só dia desde os Commotions. Muito pelo contrário. Foi lá busca-las todas, em termos de afinação de notas e amplitude vocal. Um luxo. Canta que se farta e toca o mesmo.

Dividindo o concerto em dois e um quarto, porque, efetivamente, foi o que aconteceu, uma vez que se apresenta inicialmente, sozinho em palco, ele e as 3 guitarras, fá-lo com a segurança e a mestria de quem já pisou muitos palcos em mais de 30 anos de carreira. Sempre simpático, com humor e comunicativo, deambulando entre temas antigos e mais recentes, após um intervalo de 15 minutos volta acompanhado por Neil Clark e, diga-se em abono da verdade, muito bem acompanhado porque se a magia da voz e guitarra de Lloyd Cole nos tinham conseguido afagar e aquecer a alma, com Neil Clark a coisa ganhou ainda mais cor e veludo azul. Alguém ao meu lado disse, e muito bem: “olha, agora as guitarras estão a conversar uma com a outra”. Eu não teria dito melhor. Foi mesmo bom. Arrancou fortes aplausos e acabou por confessar que o público ali presente conseguiu fazer um homem maduro, feliz. O meu “e um quarto” fica paro o encore muito solicitado pelos fans incansáveis e muito bem ornamento pelo mestre.

Quando sai dali só me restou um pequeníssimo azedume, muito impercetível, mas sentido. From The Hip não fez parte do set-line. Que pena!

words: Paulo Carmona (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Telma Mota

Reducing Metronomy to labels like indie electronic or electronic pop rock is too reductive. They are much more than that.

At 10 pm sharp, the band took the stage in front of a crowd that almost completely filled room 1 of Hard Club. With a very well-structured and well-defined setlist in terms of melodic crescendos that intertwine, song after song, in a logic of parallel harmonies, we are all taken in a soft summer swell, in a comforting rise and fall. It all started with Love Factory and soon after, The Bay, which gave rise to the first applause with deafening screams that ran throughout the space. Among others, the menu included Salted Caramel Icecream, Love Letters, Reservoir, Old Skool.

Joy on stage, although, said like that, it sounds corny it’s what really happens when you attend a Metronomy concert. And the energy goes straight to the audience. It’s inevitable. Even in the hangover of a carnival night, the room’s response was on fire. Around me, everything was dancing and jumping in a rarely seen enthusiastic and festive frenzy.

Joseph Mount is very cheerful and charming excellent communicator and performer. He did not get tired of thanking and praising the way the audience responded to the call to the party and by praising the beauty of the undefeated city (Porto), he completely grabbed the hordes. It was all theirs. He was very well accompanied by a remarkable rhythm section – Anna Prior who manages to make the drums sound powerful and striking with just wrists game and dexterity, and the friendly Olugbenga Adelekan on the bass guitar, making a perfect duo. Interestingly, the toms of the drums sported the colors yellow and blue. Coincidence or not, they carried me to the colors of Ukraine, which deserves to be remembered, cherished and supported. The melodic section with keyboard duo Oscar Cash and Michael Lovett who also plays guitar on many songs, makes what seems like a constant and very present, or very forward, if you prefer, orchestration. It is the hallmark of Metronomy.

When you leave a concert as you leave a good dinner, filled with conversation and happy with life, it’s because everything went well. What else?

texto: Paulo Carmona; fotos: Telma Mota

Reduzir Metronomy a rótulos tipo indie electronic ou elecrtronic pop rock, é demasiado redutor. São muito mais do que isso.

Às 22 horas em ponto, a banda subiu ao palco perante uma moldura humana que enchia quase por completo a sala 01 do hard Club no Porto. Com um set-line muito bem estruturado e sobejamente definido em termos de crescendos melódicos que se interligam, musica após musica, numa lógica de harmonias paralelas, somos todos levados numa suave ondulação de verão, num sobe e desce reconfortante. Tudo começou com Love Factory e logo após, The Bay, que deu origem aos primeiros aplausos com gritos ensurdecedores que percorreram todo o espaço. Não faltaram na ementa Salted Caramel Icecream, Love Letters, Reservoir, Old Skool, entre outros.

Alegria em palco, embora pareça piroso, dito assim, é na realidade, o que acontece quando se assiste a um concerto de Metronomy. E a energia passa de imediato para a audiência. É inevitável. Mesmo na ressaca de uma noite de carnaval, a sala respondeu ao rubro. À minha volta tudo era dança e saltos, num frenesim entusiasmado e festivo como poucas vezes se vê.

Joseph Mount é um excelente comunicador e performer, muito bem-disposto e catita. Não se cansou de agradecer e de elogiar a forma como o público respondeu ao chamamento para a festa e ao enaltecer a beleza da invicta cidade, agarrou por completo as hostes. Era tudo deles. Muito bem acompanhado por uma secção rítmica notável, com Anna Prior que consegue por a bateria a soar possante e marcante apenas com jogo e destreza de pulsos, e o simpático Olugbenga Adelekan na viola baixo, fazem uma dupla perfeita. Curiosamente, os timbalões da bateria ostentavam as cores amarela e azul. Coincidência ou não, lá me transportou para as cores da Ucrânia, que merece ser lembrada, acarinhada e apoiada. A secção melódica na dupla de teclados com Oscar Cash e Michael Lovett que também toca guitarra em muitos temas, fazem aquilo que parece uma orquestração constante e muito presente, ou muito á frente, se preferirem. É a imagem de marca dos Metronomy.

Quando se sai de um concerto como se sai de uma boa jantarada, de papo cheio e de bem com a vida, é porque tudo esteve bem. What else?

Coconut Milkwith LSD; the Boogarins return to Portugal

words: Neno Costa (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Telma Mota

“We’re Boogarins, from Goiânas”. Well-paced riffs, rubbing against pop-rock sounds, quickly captivated everyone who came to CCOP. “It’s hot in here” said, a smiling Fernando “Dinho” Almeida to the pick up lines the audience – with a strong Brazilian presence – that filled the room threw at him. Lulled by the caramelized voice of “Dinho”, shoulders and hips surrendered to the enchanting lullaby of the band from Goiânia. The quartet, in a peaceful symbiosis with the audience, played several songs from Manchaca compilation (Vol.1 and 2) including from their albums Lá Vem Morte (2017) and Sombrou Dúvida (2019), along with new songs, performed with a virtuosity full of freshness for about an hour and a half, including a well-deserved encore.

If the Boogarins’ sound discourse carries some resonances, like Tame Impala, the creativity and freshness with which they roam the universal territories of psychedelic rock is undeniable, tempered with the uniqueness of the voice and stage presence of “Dinho”, lending them a very particular solar character that has given the band deserved international recognition, performing in stages such as Paredes de Coura, Rock in Rio or Lollapaloza.

words: Neno Costa (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Telma Mota

The duo Baleia Baleia Baleia performed in Maus Hábitos before a well filled room. Stripped of his experimentalist heteronym of O Manipulador, Manuel Molarinho’s bilingual voice and bass and Ricardo Cabral’s drums brought to the stage a fresh punk that quickly heated the venue. Barechested on stage, irony and vitality, pantomime and authenticity; Baleia Baleia Baleia went through the tracks of their latest album Suicídio Comercial in an energetic and competent tone slightly evocative of the 80s, left more interesting by the live performance.

Leite de Coco com LSD; o regresso dos Boogarins a Portugal

texto: Neno Costa; fotos: Telma Mota

“Somos os Boogarins, de Goiânas”. Os riffs bem ritmados, a roçar sonoridades pop-rock, cativaram rapidamente todos quantos acorreram ao CCOP no passado dia 10. “Aqui está quente”, soltou, sorridente, Fernando “Dinho” Almeida no rescaldo dos piropos lançados pela assistência – com forte presença brasileira – que lotou a sala. Embalados pela voz caramelizada de “Dinho”, ombros e ancas entregaram-se ao embalo encantatório da banda oriunda de Goiânia. O quarteto, numa tranquila simbiose com o público, interpretou diversos temas incluídos na compilação Manchaca (Vol.1 e 2), incluindo temas dos seus álbuns Lá Vem Morte (2017) e Sombrou Dúvida (2019), assim como alguns temas inéditos, interpretados com um virtuosismo pleno de frescura ao longo de cerca de hora e meia, incluindo um encore, merecido.

Se o discurso sonoro dos Boogarins transporta algumas ressonâncias, como Tame Impala, é inegável a criatividade e a frescura com que passeiam os territórios universais do rock psicadélico, temperado com a singularidade da voz e presença em palco de “Dinho”, emprestando-lhes um carácter solar muito particular que lhes tem oferecido o merecido reconhecimento internacional, atuando em palcos diversos, como em Paredes de Coura, Rock in Rio ou Lollapaloza.

texto: Neno Costa; fotos: Telma Mota

A dupla Baleia Baleia Baleia atuou nos Maus Hábitos para uma sala bem composta. Despido do heterónimo experimentalista de O Manipulador, a voz e o baixo bilingue de Manuel Molarinho e a bateria de Ricardo Cabral trouxeram para o palco um punk fresquinho que rapidamente aqueceu o espaço. Troncos nus em palco, ironia e vitalidade, pantomina e autenticidade; os Baleia Baleia Baleia percorreram temas do seu último álbum “Suicídio Comercial” num registo algo evocativo das sonoridades dos anos 80, enérgico e competente, que a textura da atuação ao vivo torna mais interessante.

Screams, Revolution & Rock’n’Roll

words: Paulo Carmona; photos: Telma Mota (freely translated by Raquel Pinheiro)

It was past 10:25pm when a not fully filled Sala 1 of Hard Club, but with a well designed human frame received The Last Internationale.

It all started with a vehement revolutionary preamble foreshadowing what was to come. And if thought right better done, because from then on it was non-stop contagious energy quite well watered with alternative rock’n’roll, with hints of folk rock, indie and blues. The original band core is of far-fetched quality and master-line sensibility. Delila Paz sings like a rebel, rebel angel, impregnated with sensuality and haughtiness and comfortably sailing with an excellent voice that never wavers, nor takes refuge in calmer havens. She is always up there with alternating timbres in a vocal range that often reminiscent of Siouxie Sioux heydays. Edgey Pires, of Portuguese descent, plays the guitar as if he was constantly receiving electric shocks. The guitar screams like hell, especially the Telecaster, in alternative blues scales and frantic guitar riffs, very well found and pertinent. Hendrix would be there until the end. He never tires of cheering up the audience that responds to the request. The drums ride from behind, strong, striking and above all powerful. Hard Times, Wated Man, Life, Liberty and Pursuit the Indian Blood were not missing from the men and the concert flew well among a well-put together setlist.

If I had to make an analogy with something, I would say, by way of comparison with motorcycles that The Last Internationale are a very cute, retro Café Racer, but at the same time very now and trendy. From the 70s to the present rock history is full of tales of an announced death. However, as the people say, the more you talk about it, the more life you give it and this concert was a good example of that. Long Live Rock’n’Roll!

Gritos, Revolution & Rock’n’Roll

texto: Paulo Carmona; fotos: Telma Mota

Já passava das 22.15h quando a sala 1 do Hard Club, não cheia, mas bem composta de moldura humana recebeu os The last Internationale.

Tudo começou com um preâmbulo revolucionário veemente a prenunciar o que estava para vir. E se bem o pensaram, melhor o fizeram, porque a partir dai foi um non stop de energia contagiante muito bem regada a rock’n’roll alternativo, com laivos de folk rock, indie e blues. O núcleo original da banda é de qualidade rebuscada e com sensatez de linha mestra. Delila Paz canta como uma rebel, rebel angel, impregnada de sensualidade e altivez e navega confortável com uma excelente voz que nunca vacila, nem se refugia em portos de abrigo mais calmos. Está sempre lá no alto com timbres alternados numa amplitude vocal a lembrar muitas vezes Siouxie Sioux dos tempos áureos. Edgey Pires, de ascendência lusitana, toca guitarra como se estivesse o tempo todo a levar choques elétricos. A guitarra grita que se farta, principalmente a Telecaster, em escalas de blues alternativo e riffs de guitarra frenéticos, muito bem esgalhados e pertinentes. Hendrix ficaria ali até ao fim. Não se cansa nunca de puxar pela sala, que correspondeu ao pedido. A bateria cavalga por trás, forte, marcante e acima de tudo, possante. Hard Times, Wated Man, Life, Liberty and Pursuit the Indian Blood não faltaram na ementa e o concerto fluiu bem entre um set-line bem conseguido.

Se tivesse de fazer uma analogia com alguma coisa, diria, a título comparativo com motos, que The Last Internationale é uma Café Racer muito bonitinha, retro, mas ao mesmo tempo muito atual e na moda. A história do rock está recheada de crónicas de uma morte anunciada, desde os 70’s até aos dias de hoje. Mas como diz o povo, quanto mais se fala disso, mais vida lhe dás e este concerto foi um bom exemplo disso. Long Live Rock’n’Roll!