Fugly, a band from Porto had the ungrateful task of being Primal Scream’s opening act. Ungrateful because being opening for Bobby Gillespie’s and Andrew Innes’ band is, not also daunting, but requires a band capable of, if not matching, at least complementary to Primal Scream.
It is hard to say if Fugly are, or aren’t, a good life band. The sound was too loud and too high pitched to allow for clear judgement. They have energy and drive, but it was was difficult to access more.
If how good a concert is can be measured by how much the reviewer and audience sweat and danced, Primal Scream were off the chart. If not, they still were off the chart.
Had seen them before at festivals, the experience is quite difference in a venue, especially one like Hard Club’s Sala 1.
The intensity is the same, but the closeness and confinement make it for a far richer, enjoyable and mind blowing happening.
On tour to promote Maximum Rock ‘N’ Roll, The Singles Volumes 1 and 2, quite a comprehensive singles collection, Primal Scream set was just that, the singles, played loud, clear, with joy, fun and colour and, of course, maximumrock’n’roll.
From Velocity Girl to Miss Lucifer, through Swastica Eyes, delivered with an overload of strobes and colourful flashing lights adding to the song’s insane ambient; Higher Than the Sun, during which we were floating in space; Kowalsky and Kill All Hippies one after the other in a maddening, vibrant, sequence again punctuated by intense light flashes to Loaded, another, lets go travel to lands far, far away moment and pretty much every conceivable single the band has released.
Save for Come Together, Jailbird and Rocks, reserved for the encore. By come together the room that has been literally shaking and vibrating for a while, blew into an even intenser dance and mutual adoration frenzy. The band, especially Gillespie, feeds off the audience as much as the audience feeds of them and him.
Concious of the fact that fans make, or break, a band, the band, and especially Bobby play to, and for, themselves and the love of music, but also to the gallery.
It is only logical. No band exists without its audience. After all, people go to concerts because they love the music and, often, because they want to see a good show that for an hour or so makes them forget their daily life.
A consummate showman, Bobby Gillespie knows it – (so does Andrew Innes, but Innes is smart enough to let the singer shine, coming to the front of the stage at times striking poses with his guitar and allowing the audience to capture him with their mobiles)-, loves the cameras and the audience as much as they love him.
Primal Scream both know all the tricks to rapture an audience as well as keep embodying a genuine love of music and displaying authenticity.
Last, but not least, Bobby Gillespie sartorial choice was on point. Sharp magenta (or was it pinkish-redish-mauve?) suit, red shirt, pink shoes.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Raquel Pinheiro
Mick Harvey performed last Saturday night at room 2 of Casa da Música, Porto. Currently on a European tour (called Mick Harvey plays Serge Gainsbourg), the musician’s mission is to live broadcast his four solo works, started in 1995, about the songs of French musician and agent provocateur, Serge Gainsbourg.
Considering that Intoxicated Man (1995), Pink Elephants (1997), Delirium Tremens (2016) and Intoxicated Women (2017) were spread in time over 22 years, one conclude that this is a breathtaking work of remarkable quality in the re-adaptation of another artist’s work into English. Such because it is difficult to translate the universe of Gainsbourg’s lyrics into English and even more troubling to risk singing them in this context. But, Mick Harvey proved that it is not an impossible task, and somehow managed to overcome the challenge and create something that by being unique and captivating, generates interest. Not that Mick Harvey needed it for his career, as his original work is also of the highest quality, but with Gainsbourg’s songs he adds another dimension to his prolific career (I venture, without having counted them that Mick Harvey will have more songs than those of Nick Cave’s entire career to date).
The former The Birthday Party and Nick Cave & The Bad Seeds have always handpicked the musicians that accompany him, both in record and live. The band that performed on Saturday’s rainy night reflected it, with some of the best heavyweights of today, within more alternative and noir, but not only. J.P. Shilo, James Johnston and Lawrence Edward Mullins showcase it. From the start, it was a winner.
In a strictly musical area of the show, I will say that, by the selection of played songs, it is obvious that the best ones are those of the first album, Intoxicated Man. Maybe because it was also at that early stage of the project that Harvey summed up the best songs of French musician, continuing throughout the years with the others. However, it would be unfair to say that the first album alone would define all the subsequent ones. Not quite so, but such possibility of interpretation exists.
I saw Mick Harvey in 2015, in Ílhavo, precisely with the same live performance mode of this project of his and there was no significant change in regard to Saturday. That is, the tone of concert is the appreciation of music for the sake of music, without major investments in other devices that can distract the audience from the songs played very carefully and disciplined, without mistakes or great reveries. Just as we heard them on record, with everything, including the string arrangements, with four violinists on stage.
Without surprises in such regard, this time what stood out was the realization that much of the interest of the concert laid in the young singer Xanthe Waite (of the Australian band Primo !, who is also Harvey’s niece), who wielding her white Squier Mustang, and with her voice, at times sexy, at times angelic and tender (drawing a veil over Anita Lane), enchanted a large tportion of the show, becoming, without a doubt the center of great part of of the attention, sharing only that time and space during the remarkable moments when dueting and singing backing vocals with Theoriste Sundown Shilo – photographer and video maker of some of Mick Harvey’s and JP Shilo’s work -, that would come up on stage on occasion to sing on some songs.
Mick Harvey has a very professional and sincere stance, from time to time introducing some songs, telling a few stories in connivance with an audience at his feet repleying with humor to someone in the audience, who always responded in dismay when the musician referred that the next song was about a failed marital relationship. He has a good sense of humor, playing with some of the choruses of a song, forgetting which one, but saying that the first chorus is the same as the second, like in a Ramones’ song, or praising a member of the audience wearing a David Bowie‘s T-shirt, which lead him to rehearse Ziggy Stardust’s opening. Mick Harvey knows that he is a charismatic entertainer, and in that field he does not give in or capitulates.
If there were no major surprises where it come to the songs selection, all played exquisitely, the great musical moment was precisely the last one, played on the encore calle L’Invisage (a cover of French singer Alain Bashung, who also collaborated with Serge Gainsbourg).
It was a special moment different from the whole show, unlike the usual 3-4 minutes of the other songs, it took 8 minutes and condensed a magnificent psychedelic-environmental approach (very krautrock), and, once more, showed what an excellent guitarist and multi-instrumentalist JP Shilo is. An unforgettable moment, retained for future memory, from the one that, by far, I consider to be the best musician of the current Melbourne’s alternative music scene.
In a nutshell and managing a selfish manifesto of my ideals, I want to mention that Mick Harvey is one of the GREATS in the history of rock’n’roll, an exceptional and decisive musician in my musical culture. He was part of The Birthday Party, one of the three most influential and defining bands of my life and of the path I’ve traveled to date (the other two are The Ramones and The Sex Pistols). He was part of the best years of the Bad Seeds and his music is practically in everything I usually listen to, either by simple influence or because I always listen over and over to exhaustion, which is important and relevant and saves me day and night.
His sound is omnipresent in my life; it has to do with me, as simple as that. It also works whenever I see him live, a way of appreciating the other musicians in his band. It was through him (and the great Rowland S. Howard) that I discovered J.P. Shilo’s fabulous Hungry Ghosts Is is very rewarding for those like me who are constantly looking for new quality things in the harsh world of alternative music. This time I was also able to meet Tobby Dammit [ Lawrence Edward Mullins], his drummer. He was Iggy Pop’s drummer in 1991 during the concert I consider to be the best of my life to date. That’s why Mick Harvey doesn’t just do good things, he directs and delivers them through others. That is also why he is huge.
Mick Harvey apresentou-se na noite de sábado passado, na sala 2 da Casa da Música, no Porto. Atualmente em tour europeia (denominada Mick Harvey plays Serge Gainsbourg), o músico tem como missão divulgar, ao vivo, os seus quatro trabalhos a solo, iniciados em 1995, sobre as canções do músico e agent provocateur francês, Serge Gainsbourg.
Se considerarmos que Intoxicated Man (1995), Pink Elephants (1997), Delirium Tremens (2016) e Intoxicated Women (2017) foram realizados de forma espaçada ao longo de 22 anos, concluímos então que é um trabalho de grande fôlego e de qualidade notável na readaptação de uma obra de um outro artista para a língua inglesa. Isto porque é difícil a tarefa de traduzir para inglês as letras do universo de Gainsbourg e mais atribulado ainda a de arriscar o canto das mesmas nesse contexto. Mas Mick Harvey provou que essa não é tarefa impossível, e de alguma forma, conseguiu através deste seu desafio, criar algo que gera interesse, por ser singular e cativante. Não que Mick Harvey necessitasse de tal para a sua carreira, pois o seu trabalho de originais é também de elevada qualidade, mas com os temas de Gainsbourg acrescenta uma outra dimensão ao seu prolífico percurso (arrisco, sem ter feito contas precisas, que Mick Harvey terá mais canções que os de toda a carreira de Nick Cave, até esta data).
O ex-The Birthday Party e ex-Nick Cave & The Bad Seeds sempre escolheu a dedo os músicos de que se faz acompanhar, tanto a nível discográfico, como em concerto. A banda que atuou na noite chuvosa de sábado à noite era reflexo disso, contando com alguns pesos-pesados do que de melhor existe na atualidade, dentro da música de pendor mais alternativo e noir, mas não só. J.P. Shilo, James Johnston e Lawrence Edward Mullins são exemplos disso mesmo. Este era já à partida, um concerto ganho.
No campo estritamente musical deste espetáculo, direi que, pela seleção dos temas interpretados, resulta óbvio que os melhores temas são os que constam do primeiro álbum Intoxicated Man. Talvez porque também foi nesse momento inicial do projeto que Harvey resumiu o melhor dos temas do músico francês, continuando nos anos seguintes com os restantes. Seria injusto, porém, afirmar que só com o primeiro álbum já se definiriam todos os outros trabalhos seguintes. Não é bem assim, mas essa possibilidade de interpretação existe.
Em 2015, vi precisamente Mick Harvey no mesmo registo de apresentação ao vivo deste seu projeto, num concerto em Ílhavo, Aveiro, e não existiu em relação a este de sábado qualquer alteração significativa em termos de espetáculo. Ou seja, o registo de concerto é o de valorização da música pela música, sem grandes investimentos em outros expedientes que possam distrair o espetador das canções que são interpretadas de forma muito atenta e disciplinada, sem erros ou grandes devaneios. Tal e qual como ouvimos em disco, e com tudo incluído, inclusive os arranjos de cordas, com quatro violinistas em palco.
Não havendo surpresas neste aspeto, ressaltou desta vez a perceção de que muito do interesse deste concerto residiu na jovem vocalista Xanthe Waite (da banda australiana Primo! e que é também sobrinha de Harvey), que empunhando a sua Mustang Squier branca, e com a sua voz, ora sexy, ora angelical e enternecedora (fazendo esquecer Anita Lane), encantou os presentes, tornando-se indesmentivelmente o centro de muita da atenção, partilhando apenas esse tempo e espaço, nos momentos marcantes em que fez dueto de voz e coro com Theoriste Sundown Shilo, esta música, fotógrafa e videasta de algum do trabalho de Mick Harvey e J.P. Shilo, e que subiu a espaços ao palco, para algumas canções.
Mick Harvey tem uma postura que é muito profissional e sincera, apresentando de tempos a tempos alguns dos temas, contando uma ou outra história em cumplicidade com o público rendido e respondendo com humor a alguém da assistência, que sempre lhe respondia em desalento, quando o músico referia que o próximo tema era (mais uma vez), sobre uma relação conjugal falhada. Tem um bom sentido de humor, brincando com alguns dos refrões de um tema, esquecendo-se qual, mas dizendo que o primeiro refrão é igual ao segundo, como numa música dos Ramones, ou elogiando um membro do público que envergava uma t-shirt do David Bowie, o que fez com que ensaiasse a entrada do Ziggy Stardust. Mick Harvey sabe que é um entertainer com carisma, e nesse campo não cede nem capitula.
Se não houve grandes surpresas na seleção das canções, interpretadas todas de forma primorosa, o grande momento musical foi precisamente o último tema, já executado em modo de encore, do seu nome J’Envisage (sendo uma cover de Alain Bashung, cantor francês, que colaborou também com Serge Gainsbourg).
Foi um momento especial esse e diferenciador em relação a todo o espetáculo, porque ao contrário dos habituais 3-4 minutos de duração das outras canções, este perfez 8 minutos e condensa uma magnífica abordagem psicadélica-ambiental (muito krautrock), e demonstrou mais uma vez o excelente guitarrista e multi-instrumentista que é J.P. Shilo, num momento inesquecível, retido para minha memória futura, daquele que considero ser, de longe, o melhor músico da atualidade da cena musical alternativa de Melbourne.
Em jeito de conclusão e na gestão de um manifesto egoísta dos meus ideais, quero referir que Mick Harvey é um dos GRANDES da história do rock’n’roll, um músico excepcional e determinante na minha cultura musical. Fez parte dos The Birthday Party, uma das três bandas mais influentes e determinantes no caminho que percorri até hoje (as outras duas são os Ramones e os Sex Pistols).
Fez parte dos melhores anos dos Bad Seeds e a sua música está praticamente em tudo que ouço habitualmente, quer por simples influência, quer porque volto sempre a escutar até à exaustão o que é importante e relevante, e que me salva os dias e as noites. O seu som é omnipresente na minha vida; tem a ver comigo, é tão simples quanto isso. Também resulta, sempre que o vejo ao vivo, numa oportunidade rara de apreciar os seus outros músicos de banda. Foi através dele (e do grande Rowland S. Howard), que descobri J.P. Shilo com os seus fabulosos Hungry Ghosts, e isso é muito recompensador para quem como eu procura incessantemente coisas novas e com qualidade no agreste mundo da música alternativa.
Desta vez possibilitou-me também conhecer pessoalmente Tobby Dammit, o seu baterista, que foi em 1991, baterista de Iggy Pop, no concerto que considero ser até hoje, o melhor da minha vida. Por isso Mick Harvey não faz só coisas boas, direciona e oferece as mesmas através dos outros. É também por isso que é enorme.
Simon Bonney (Crime&The City Solution) is on tour as Mark Lanegan’s support act.
The Australian singer-songwriter is presenting Past, Present, Future a compilation of his two album along with some new songs, accompanied by violinist Bronwyn Adams.
Unfortunately due to a last minute re-schedule that saw them starting fifteen minutes earlier, they played for a nearly empty room. In their meagre half an hour Simon and Bronwyn were a joy to listen to. Simon’s beautiful songs and voice gently highlighted by the guitar and violin and complemented by Bronwyn’s voice.
In sharp contrast Mark Lanegan and his band, presenting Somebody’s Knocking, his latest album, soon become morose. Morose may be an oxymoron since, by default, that is the essence of Lanegan’s voice and songs.
However, at their best when the melodies are smoother, the arrangements more vibrant and the voice takes off from its more uni-dimensional tone as in the great Field Songs, Lanegan’s songs and voice shine. The same is true of his collaborations with Isobel Campbell and The Queens of The Stone Age.
With an uninspired band, less or nonexistent arrangements and a set list that, aside briefly towards the end, hardly took off to other dimensions we’re left with a loud, strong, but not layered sound and a hoarse voice. Not that any of it made a difference to the many devotees that filled the room.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas
Last Thursday, TWIN GUNS, an American band from Brooklyn, New York, were the group chosen to open the new concert season at La Iguana Club, a rock club in Vigo, Spain. Their beginning dates back to 2010. At first they were a duo (maybe that is the reason for the group’s name), formed by guitarist and vocalist Andrea Sicco and drummer “Jungle” Jim Chandler, the latter famous for having also had been a drummer of the legendary The Cramps in 2003-2204, since becoming an asset for promoting Twin Guns to audiences with a taste for the same kind of sound. In 2014, with the arrival of bassist Kristin Fayne-Mulroy they become a trio, an equation that continues to this day.
Carefully listening to their discography currently up to four albums, one quickly realizes that they’re a quality band of subtleties that often surprises, perhaps because of their remarkable ability and creativity to fuse diverse music genres, and turn them into something of their own. There is a story of combustible American garage rock in them, that is constantly crisscrossed in its compositions by various genres: from rock’n’roll to surf music, country, blues, punk, psychobilly, trash, psychedelic, etc., performed in a noir and cinematic way. They have a gothic and dark aesthetic ambience, which is quite obvious in nearly all their themes, within a sunglasses after dark tone, which the three elements embody blamelessly during the whole performance. Among other details of dark inclination within the themes of rock’n’roll suicide their performance and sound send us completely into B-series films, western-spaghettis, crime in the city and dark alleys,. The good “ghosts” of The Gun Club, The Cramps, Iggy And The Stooges, Link Wray, Johnny Cash, and even Suicide (band) haunt a large part of their repertoire, but it is wrong to think they are just another band of great wannabes: on their own way they are building their own path and there is merit in that, as it is in their variety of styles, and in the way they play them that their worthiness resides. I really enjoyed Twin Guns’ concert that oscillated between a good and very good performance, also a result of the different intensities of each of the performed themes.
Andrea Sicco (also a member of the noise-rock band, Art Gray Noizz Quintet), is a very competent and focused guitarist-vocalist, managing to cover several styles, both when it comes to singing and guitar work, being exquisite in both aspects. Quite particularly, too, because a guitarist who happens upon the fortune of choosing to use a white Fender Jaguar as his favorite guitar, coupled with a Fender Twin Reverb, and have Reuss RSH-03 as one of his effects pedals, is,without a doubt, a tasteful, cultured musician, and artists of such class are very much needed, at least as far as I am concerned. Those who don’t understand what I’m talking about, do your research, he only clue I provide is: Melbourne. Between mourning and pure chaotic savagery Twin Guns, played two encores requested by the audience, which of course was euphoric with a great performance. The three of them volunteered until one of the guitar strings broke during a devastating solo in Jack The Ripper, a Link Wray cover. It was the right cue to end the show.
Interestingly, I realized that little by little, and having seen The Cramps live in 2006 at Vodafone Paredes de Coura Festival, I will have been able to see other former The Cramps in different contexts; a year ago it was Fur Dixon at Barracuda – Roque Club, this time Jim Chandler… so, bring on the next living “crampesque” legend because i tis always guaranteed to be a good thing.
In short, I spend a very pleasant Thursday night with these New Yorkers in the land of nuestros hermanos. Next time you come to Europe next time I hope you’ll play in Portugal.
Fiesta comienzo de temporada: Twin Guns (ex-The Cramps) – Os TWIN GUNS, banda norte-americana de Brooklyn, New York, foram o grupo escolhido para abrir a nova temporada de concertos, na última quinta-feira, no clube de rock de Vigo, Espanha, o La Iguana Club. O seu início de atividade remonta a 2010 e eram inicialmente um duo (eventualmente sendo esta particularidade a razão para o nome do grupo), formado pelo guitarrista e vocalista Andrea Sicco e o baterista “Jungle” Jim Chandler, este último famoso por ter sido também baterista dos lendários The Cramps entre 2003-2004, e que tem servido desde aí como uma mais-valia na divulgação dos Twin Guns para públicos com gostos pelos mesmos tipos de sonoridades. Em 2014, passam a ser um trio, com a entrada da baixista Kristin Fayne-Mulroy, equação que se mantêm até ao presente.
Escutando atentamente a sua discografia, que conta já com quatro álbuns, rapidamente percebemos que é banda de qualidade e de subtilezas que em muitos momentos surpreendem, talvez pela notável capacidade e criatividade de fundir géneros musicais distintos, e de os transformar em algo próprio. Há neles uma história de garage rock americano em combustão, que é constantemente entre cruzada estilisticamente nas suas composições por diversos géneros musicais: desde o rock’n’roll, passando pela surf music, country, blues, punk, psychobilly, trash, psicadélico, etc, executados de uma forma noir e cinematográfica. Possuem uma ambiência estética gótica e dark, que é muito evidente em quase todos os seus temas, dentro de um registo sunglasses after dark, que os três elementos personificam irrepreensivelmente em toda a sua atuação. A sua performance e sonoridade remete-nos completamente para filmes de série-B, western-spaghettis, crime na cidade e becos escuros, entre outras minudências de pendor obscuro dentro das temáticas do rock’n’roll suicide. Os bons “fantasmas” de uns The Gun Club, The Cramps, Iggy And The Stooges, Link Wray, Johnny Cash, e até mesmo Suicide (band), assombram muito do seu repertório, mas desengane-se quem pensar que são mais uma banda de wannabes dos grandes: à sua maneira estão a construir o seu próprio percurso e tem mérito nisso, pois, é na sua variedade de estilos, e na forma como os interpretam, que reside o seu gabarito.
Gostei bastante do concerto destes Twin Guns, resvalando entre o bom e o muito bom na sua atuação, fruto também das diferentes intensidades de cada um dos temas executados.
Andrea Sicco (que também é membro da banda noise-rock, Art Gray Noizz Quintet), é um guitarrista-vocalista muito competente e focado, conseguindo abranger vários registos, tanto ao nível de canto como do seu trabalho de guitarra, sendo primoroso nos dois aspetos. Muito particularmente, também, porque um guitarrista que pode ter a fortuna de escolher usar uma Fender Jaguar branca como a sua guitarra de eleição, ligada a um Fender Twin Reverb, e ter como um dos seus pedais de efeitos o Reuss RSH-03, naturalmente é um músico culto e com muito bom gosto, e artistas com esta classe são muito necessários, pelo menos para mim. Quem não perceber o que estou a comentar, que investigue, e a única pista que dou é: Melbourne. Entre o dolente e a mais pura selvajaria caótica, os Twin Guns, fizeram dois encores a pedido do público, que naturalmente estava eufórico com uma grande prestação. E assim se prontificaram os três, até que uma das cordas da guitarra se partiu durante um solo devastador à la Link Wray, na versão do mesmo, Jack The Ripper. Foi o mote certo para dar por finalizado o espetáculo.
Em jeito de curiosidade, constatei, de que a pouco e pouco, e depois de ter visto os The Cramps ao vivo em 2006, no Festival Vodafone Paredes de Coura, vou conseguindo ver outros ex-The Cramps noutros contextos; há um ano foi a Fur Dixon no Barracuda – Clube de Roque, desta vez o Jim Chandler… por isso, que venha a próxima lenda viva “crampesca”, é sempre garantidamente coisa boa.
Finalizando: foi uma muito agradável noite de quinta-feira, aquela que passei com estes nova-iorquinos, em terras de nuestros hermanos. Quando regressarem à Europa da próxima vez, espero que atuem em Portugal.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro ); photos: Guilherme Lucas
Old Man Lizard a power trio from Sudbury, UK closed the evening last Saturday at Woodstock 69. Interestingly their helmsman, vocalist and guitarist Jack Newnham is also the drummer of Londoners Slabdraggerr, that performed January past at Woodstock 69 in a concert that remained in the audience’s memory because it was momentarily interrupted by the police due to the neighbours complaining the sound was too loud. This time things went well and without trouble.
The Old Man Lizard play stoner/sludge/ doom in a very rock’n’roll way. It was with great pleasure that, listening to their already wide Bandcamp discography, I noticed in the composition of their themes many influences from surf music, country and rock’n’roll in a very subtle way, brief surgical moments, which, in my opinion, raised the quality of this project to the level and status of interesting band to discover and keep track of its future path. Throughout the week I enjoyed a lot of what I heard as I didn’t know them at all. Because of that my expectations were, lets say high for this first concert in Porto (they had previously played in Barcelos and Lisboa with the Greengo brothers as opening act).
I enjoyed their concert, it was good and nice. Below my expectations, but able to have the right length and, musically speaking, providing many intense and interesting moments. Now, having seen them live, I will say that Old Man Lizard has a lighter performance than their discography shows, as far as dark intensity is concerned. There is a sort of hidden joke how they play their themes live, with the rock’n’roll old school and fun side in themes that are dense and raw in nature. I liked them enough not to forget Old Man Lizard when their name surfaces in the future.
At the end of the show, exchanging a few words with a friendly Jack Newnham, we remembered in a playful way the above mentioned Slabdragger’s concert, as well as Old Man’s joy for playing in Portugal for the first time, as opposed to England, where their music scene does not seem to be strong or generating much public interest in the band’s sound. They’re good, hope they soon return to Portugal.
texto e fotos: Guilherme Lucas
Encerraram as hostilidades no Woodstock 69, na noite de sábado passado, os Old Man Lizard, um power trio de Sudbury, no Reino Unido. Como curiosidade, tem, como timoneiro, o vocalista e guitarrista Jack Newnham, que é também o baterista dos londrinos Slabdraggerr, que atuaram em Janeiro deste ano no bar de Campanhã, num concerto de boa memória para todos os presentes, por ter sido interrompido momentaneamente pela polícia, devido à queixa de vizinhos por o som estar demasiadamente alto. Desta vez correu tudo bem, sem qualquer incidente.
Os Old Man Lizard praticam uma sonoridade stoner/sludge/doom, mas de uma forma muito rock’n’roll. Foi com bastante agrado, que, na escuta da sua já extensa discografia no Bandcamp, constatei na composição dos seus temas, muitas influências da surf music, do country e do rock’n’roll de forma genérica, colocados muito subtilmente, feitos momentos breves e cirúrgicos, o que, na minha opinião, eleva a qualidade deste projeto para o nível e estatuto de banda interessante para se descobrir e acompanhar o seu trajeto futuro. Gostei de muito do que ouvi deles ao longo da semana, já que não conhecia o grupo, de todo. Devido a isso as minhas expetativas eram, digamos, elevadas para este seu primeiro concerto no Porto (nos dias anteriores tinham atuado em Barcelos e Lisboa, com o suporte dos irmãos Greengo).
Gostei deste seu concerto, foi bom e simpático. Abaixo das minhas expetativas, mas com o condão de ter a duração certa de atuação e de ter proporcionado muitos momentos intensos e interessantes, musicalmente falando. Direi agora, depois de os ter visto ao vivo, que os Old Man Lizard tem uma atuação mais light do que a sua discografia faz transparecer, no que a intensidade obscura diz respeito. Há neles como que uma piada escondida na forma como interpretam os seus temas ao vivo, com esse lado rock’n’roll old school e fun, em temas que são densos e crus por natureza. Gostei o suficiente deles para não me esquecer dos Old Man Lizard quando o seu nome vier à tona no futuro.
Trocando algumas palavras no final da atuação, com um simpático Jack Newnham, recordamos de forma divertida o concerto dos Slabdragger que mencionei acima, e também do contentamento dos Old Man em atuar pela primeira vez em Portugal, em contraponto com Inglaterra, onde a sua cena musical não aparenta ser forte, ou que gere muito interesse público para com a sonoridade da banda. Que regressem em breve a Portugal, são bons.
Greengo + Old Man Lizard, Woodstock 69, Porto, 24.08.2019 – part 1 Greengo
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro ); photos: Guilherme Lucas
To watch a Greengo concert is always a great pleasure. They are one of the Portuguese bands I’ve seen more often live in the last two years and they’ve never disappointed me. Quite the opposite quite the contrary, I can always find new reasons of interest when analyzing their fantastic sound. Throughout their performance some moments carry me to other past memories, metal / industrial spectrum bands, lost in the maelstrom of time that left a mark in me at different time periods. I rediscover them in many moments of the duo’s sound, as if they were replayed in a revitalizing way with much better quality and precision. Greengo have a brutal and devastating sound, of the best ever made in Portugal (at any time or musical style). If you think this harsh, heavy sound is uncomfortable or unpleasant to the ears, don’t be fooled. It is precisely that small great detail that sets them miles apart from their counterparts of the same musical aesthetic (stoner/slulde/doom/metal/ psychedelic). Greengo sound pleasantly, colossally, huge, and have the right rhythmic speed for our brains to become “hypnotize” right away. Perhaps that the greatest virtue of their sound.
This concert at Campanhã’s bar was, in such regard, no different from all their other concerts I saw. They are the typical case of a band that works only in the sense of music for the music. There are no performative or scenic distractions in their show, just contagious energy and exemplary professionalism of both musicians. Greengo music is everything, and it is also a lot.
After the show, in an informal chat with the duo – Chaka (drums) and Rui Pedro Martelo (bass/vocals) I was told they would be playing in England this week with Old Man Lizard (Londres, Colchester, Coventry and Banbury). It is the best one can wish them. Such a band needs to leave Portugal and undergo the whole international circuit of their music scene in a regular and persistent way. I always wonder why, in Portugal, I only see them opening for foreign bands. In reality, at the end, when things have to be measured Greengo are far better. The answer that to me seems the obvious is that they have only released a single (the excellent Dabstep, 2018, by Raging Planet), while the bands they supported have wider discography and have been around for longer. I wish them a swift release of their debut album.
Greengo are an on the road band, preferably outside Portugal, spreading our best. Go Greengo Go!
(Re)ver os Greengo em concerto é sempre um enorme prazer. É das bandas portuguesas que mais repeti ao vivo nestes dois últimos anos e nunca me desiludiram, muito pelo contrário, consigo encontrar sempre renovados motivos de interesse na análise ao seu fantástico som. Momentos há, ao longo do seu espetáculo, que me transportam para outras memórias passadas, feitas bandas no espectro metal/industrial, perdidas na voragem do tempo, que me marcaram em períodos temporais distintos, e redescubro-as em muitos momentos da sonoriedade do duo portuense, como que reinterpretadas de uma forma revitalizadora e com muito mais qualidade e acerto. Os Greengo tem um som brutal e demolidor, do melhor que já se fez alguma vez aqui pelo retângulo (em qualquer época e estilo musical). Mas engane-se quem pense que este som agreste e pesado é incómodo ou desagradável aos ouvidos. É precisamente nesse pequeno grande pormenor que ficam a milhas de distância em relação a outros congéneres seus dentro de mesma estética musical (stoner/slulde/doom/metal/psicadélico). Os Greengo soam agradavelmente bem, de forma colossal, enorme, e tem uma velocidade ritmíca correta para os nossos cérebros se deixarem “hipnotizar” de imediato. Talvez seja essa a grande virtude do seu som.
Este seu concerto no bar de Campanhã não foi, nesse sentido, diferente de todos os outros a que assisti deles. São o tipíco caso de um grupo que funciona apenas no registo de música pela música. Não há distrações performativas ou cénicas no seu espetáculo, apenas a energia contagiante e o profissionalismo exemplar de entrega dos seus dois músicos. A música dos Greengo é tudo, e é também muito.
Em conversa informal, após o final da atuação, com os seus dois elementos, Chaka (bateria) e Rui Pedro Martelo (baixo e voz), fiquei a saber que já durante esta semana estarão em Inglaterra para vários concertos com os Old Man Lizard (em Londres, Colchester, Coventry e Banbury). É o melhor que se pode desejar ao duo, pois uma banda como esta precisa de sair obrigatoriamente para fora de Portugal e fazer todo o circuito internacional da sua cena musical de uma forma regular e persistente. Questiono-me sempre porque é que aqui só os vejo a fazer primeiras partes de bandas estrangeiras, quando na realidade os Greengo são bem melhores, quando no final há que fazer o balanço. A resposta que me parece a mais óbvia é o de contarem apenas com um único álbum editado (o excelente Dabstep, de 2018, pela Raging Planet), enquanto que as bandas a que fizeram suporte tem já uma discografia mais extensa e de mais anos de formação. Que o seu segundo longa duração veja urgentemente a luz do dia, é o que lhes desejo, portanto.
Os Greengo são banda para estar na estrada, e de preferência, para fora de Portugal, a divulgar o que temos de bom. Go, Greengo, Go!
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas
Night Shades are a duo turned quartet led by Shaun Blackwell and Clare McNamara, New Zealanders from Wellington the band’s guitarists and singers. Their path is something similar to Australians The Birthday Party when they left their Melbourne and went to London to show themselves to the world, believing that there would be greater opportunities to promote their music and career. It was there both musicians strengthened their project in 2014 with the arrival of Niall on drums and Stella on bass. Last Wednesday, the eve of a holiday, they performed for the first time in Portugal at Barracuda – Clube de Roque, in a free admission concert, thanks in advance to Rodas, the owner of the bar which lead to a flood of people.
Musically Night Shades are within garage rock with proto-punk and rock’n’roll forays into a more trash-rock, surf and American side. Simply put, anyone who is a fan of The Cramps, The Gun Club, Link Ray or The Sonics will surely appreciate them. That is my case. After listening carefully to their record on the usual platforms, I became aware of most of their tracks. They are a band that discographically shows quality and good taste, diversified in several styles and colors, understanding movements and emotions, which is reason for satisfaction. It was with a high expectation that I went to your concert in order to gauge their live quality.
I found this concert in Porto too lukewarm and docile for my expectations. When the band seemed to be warming up the audience it was already at the end of the show and it was obvious that the concert could have been different. I was somewhat disappointed because I expected much more from the band’s performance. In purely musical terms, it is a competent collective that has its set well controlled and studied, but lacks the visceral madness that its music compels the audience to.
In a nutshell: they are discographically a good interesting to know, you will not lose your time, but in concert (at least on this one), there is still much to grow in the performative approach to the bigger and universal names above-mentioned.
Os Night Shades são um duo feito quarteto, comandado por Shaun Blackwell e Clare McNamara, neo-zelandeses oriundos de Wellington, ambos guitarristas e vocalistas deste projeto. O seu percurso é algo similar aos australianos The Birthday Party, quando estes partiram da sua Melbourne, rumo a Londres, para se darem a conhecer ao mundo, acreditando que ali teriam oportunidades maiores para a divulgação da sua música e carreira. É lá que os dois músicos consolidam o seu projeto, em 2014, com a entrada de Niall para a bateria e de Stella para o baixo. Na passada quarta-feira, véspera de feriado, apresentaram-se pela primeira vez em Portugal, no Barracuda – Clube de Roque, num concerto de entrada livre ao público, que se agradece desde já ao Rodas, o dono do bar, e que proporcionou uma enchente de público.
Musicalmente os Night Shades estão dentro do garage rock, com incursões ao proto-punk e ao rock’n’roll na vertente mais trash-rock, ao surf e à americana. Para simplificar, quem é fã de The Cramps, The Gun Club, Link Ray ou The Sonics, apreciará seguramente os Night Shades. Sendo esse o meu caso, e após escuta atenta dos seus registos discográficos nas plataformas habituais, fiquei sensibilizado para a maioria dos seus temas. É banda que discograficamente denota qualidade e bom gosto, sendo diversificada em vários estilos e cores, entenda-se andamentos e emoções, o que é motivo de satisfação. Foi com uma expetativa elevada que acorri ao seu concerto para poder aferir ao vivo da sua qualidade.
Achei este seu concerto no Porto demasiado morno e dócil para o que esperava da banda. Quando o grupo parecia estar a aquecer o público, foi já no final do seu espetáculo e ficou a nitída sensação que o concerto podia ter sido outro. Fiquei algo desiludido pois esperava muito mais da atuação da banda. Em termos puramente musicais, é coletivo competente e que tem o seu set bem controlado e estudado, mas faltou a loucura visceral que a sua música obriga para com o público.
Resumindo: é uma boa banda discograficamente e interessante para se conhecer, não darão por perdido o vosso tempo, mas que em concerto (pelo menos neste), tem ainda muito para crescer na aproximação performativa a nomes maiores e universais, e que referi acima.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas
O Manipulador is musician Manuel Molarinho’s – better known as the bass player and singer of Porto’s duo Baleia Baleia Baleia, one man band project. I confess that only very recently – when reading the event on Facebook for the concert in Campanhã’s bar have I heard about Manipulator. A deep analysis of what his work on Youtube Bandcamp and so, I nearly instantly went into loop mode during my daily listening of what I heard, and saw, about him. No need to add much more about how much I liked his music . I was amazed to realize the project has existed for 9 years, already something of a “veteran” compared with the fresh existence of Baleia, Baleia, Baleia.
Attentively listening to his songs on his Bandcamp I was strongly convinced it was a very interesting and original project, with good songs pop-rock with a strong experimental-electronic inclination and something psychedelic (those are, in fact, huge songs, I Know being an obvious case), and other great tracks, that aren’t specifically songs, have their own personality. His lyrics are equally good: short and accurate, such brief pamphleteering poetry of opposite feelings, totally rock’n’roll, between failure, anguish and love love, and the hope to erase it all. In a nutshell: I like everything in Manipulator’s music; Touching for my parameters.
Last Saturday’s concert would assist to realize how everything of his I have been hearing up to this point, and almost daily, would be live. I went expecting to listen to some of his songs that captivated me most, but that was not the case. The concert was performed in a different concept, different from his recordings, but only when it come to song format. It was a performance of experimentation, obviously with some recognizable links to his discography, but with the improvisation reflected in many of his songs sound textures. In such regard, the show was very good and the audience t proved it at the end of each of track, thanking with warm applause.
One must praise the clever and very diversified way in which Manuel Molarinho performs his music. It is not only good taste that prevails in his performance, but also the wit of being able to offer a melting pot of several influences to the audience, performing a very idiosyncratic, coherent and adult work. The way he “humanizes” many of his digital sounds that reverberate through the paraphernalia of his bass pedals is remarkable.
Because of his obvious talent Manuel Molarinho is a great musician, one of those one must have in high regard for years to come within our musical landscape. The warning has been issued.
O Manipulador é um projeto em formato one man band do músico Manuel Molarinho, mais conhecido como o baixista e vocalista do duo portuense Baleia Baleia Baleia. Confesso que só tomei conhecimento sobre a existência deste Manipulador muito recentemente, aquando da leitura do evento no Facebook para este seu concerto no bar de Campanhã. Numa profunda análise ao que há, dele, nos Youtubes e Bandcamps desta vida, quase que instantaneamente entrei em modo de loop na escuta diária do que ouvi, e vi, sobre ele, não precisando de adiantar muito mais sobre o quanto gostei da sua música. Mais fiquei espantado por constatar que este projeto já existe há 9 anos, ou seja, já algo “veterano” se considerarmos a comparação com a existência ainda algo recente dos Baleia, Baleia, Baleia.
Na escuta atenta dos seus temas no seu Bandcamp ficou-me a forte convicção de um projeto muito interessante e original, com boas canções dentro de uma tipologia pop/rock de forte pendor experimental/eletrónico e algo psicadélico, (há, na realidade, enormes canções, como é o caso óbvio de um I Know), e outros excelentes temas, que não sendo especificamente canções, tem a sua personalidade própria. As suas letras são igualmente boas: curtas e certeiras, qual breve poesia panfletária de sentimentos opostos, completamente rock’n’roll, entre o falhanço, a angústia e a perda no amor, e a esperança de anular tudo isso. Resumindo: gosto de tudo na música deste Manipulador; é tocante para os meus parâmetros.
Este seu concerto do passado sábado serviria para perceber como tudo o que andei a ouvir dele até esse momento, e quase que diariamente, resultaria ao vivo. Ia com a expetativa de ouvir algumas das suas canções que mais me cativaram, mas isso não aconteceu de todo. O concerto foi todo ele realizado num outro conceito, diferente dos seus trabalhos discográficos, mas unicamente no que respeita ao formato de canção. Foi isso sim uma performance de experimentação, tendo obviamente algumas linhas condutoras reconhecíveis na sua discografia, mas que refletiu o improviso em muitas das texturas sonoras que as suas canções possuem. E neste aspeto, o espetáculo foi muito bom e o público presente fazia prova disso, no final de cada um dos seus temas, agradecendo com palmas calorosas.
Há que elogiar a forma inteligente e muito diversificada como Manuel Molarinho realiza a sua música. Não é só o bom-gosto que impera na sua atuação, mas também a sagacidade em conseguir oferecer um melting pot de influências várias ao público, realizando um trabalho muito idiossincrático, coerente e adulto. A forma como “humaniza” muitos dos seus sons digitais que ecoam por via da parafernália de pedais do seu baixo, é marcante.
Manuel Molarinho é um grande músico, daqueles de que se tem de ter em muito boa conta para os próximos anos, dentro do nosso panorama musical, pelo seu óbvio talento. O recado está dado à navegação.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas
French band SeRvo from Rouen were next. They played for the first time in Portugal at the already unavoidable Woodstock 69. The next day they would play their second, and last Portuguese date, at a festival in Lisboa.
My curiosity and interest in seeing the band live was high because, so far, I like their discography (their latest album in 2016 The Lair Of Gods, a good and interesting LP that deserves a good listening).
SeRvo are a band musically inserted within post-punk, but with a strong psychedelic predominance, being classified in a “modern” way, for the new generations as post-punk/psych. What struck me the most in their songs was their peculiarity in using a vocal aesthetic that is haunted in an undeniable way by the ghost of Ian Curtis or even Robert Smith of The Cure, but which becomes something of its own, projecting the influence in a manner that I classify as Gregorian chant à la Ian Curtis. Something liturgical and deep that works very well, showing new directions within post-punk.
The concert the trio offered the audience was excellent and overwhelming. The typical case of a group that distills a shattering energy live concert that cannot be guessed by its discography. It’s a band that should already have a live record because last Saturday’s concert was fantastic and memorable. Really good stuff, therefore.
The show was practically performed without stage lighting, with the three musicians remaining in near darkness most of the time, but for some occasional strobes explosions during their themes most intense moments, and colourful lights, such as Christmas tree ornament ones, that covered Arthur Pierre, their guitar player and singer guitar pedals’ box, serving as the only light signalling. That and the projection of a Japanese, or Asian, B-series or so film, where from time to time scenes of violent sex, submissiveness and lust developed. There were times when everything was interconnected, music and projected images, and it all made sense, even if they are not things to be detailed in this no-future review of mine.
When the band ended their performance it was disappointing, because the audience demanded that they carry on with their show a little longer, at least to play an encore, which proves how amazing this show was. It must also be noted that the stage sound was too good and when that happens in conjugation with a good band, very good things tend to happen.
Afterwards, I informally chatted with the SeRvo replacement bass player (the original bass player was unable to attend the concert in Porto due to to studies and exams commitments, but would perform the next day in Lisboa). Anne-Laure Labaste was very communicative and friendly and left it clear to that it was the first time she played with the band live, although they were all friends and shared positions with her band Bungalow Depression, that I did not knew of, but now I do and like. Jokingly she told me that the next day she would not play with the band, but that she would be drinking beer with them. By way of a final comment, we talked about Porto’s 10,000 Russos and there was a special glow in her eyes, enthusiastically mentioning that she was a fan of the band and talking about a performance that she watched – somewhere in France, I think, that left her quite impressed.
In a nutshell: SeRvo are great live and highly recommendable. I hope to see them again if they come by.
Seguiram-se os franceses SeRvo, da cidade de Rouen, que se apresentaram pela primeira vez ao vivo em Portugal, no já incontornável Woodstock 69. No dia seguinte concluiriam a sua segunda, e última data portuguesa, num festival em Lisboa.
A minha curiosidade e interesse em observar esta banda ao vivo era elevada, pois, gosto da sua discografia até à data (o seu último trabalho de longa duração é de 2016, de nome The Lair Of Gods, um bom e interessante LP merecedor de uma boa escuta).
Os SeRvo são uma banda inserida musicalmente dentro do post-punk, mas com uma forte predominância psicadélica, sendo classificados de forma “moderna”, para as novas gerações, de post-punk/psych. O que mais me chamou a atenção nas suas canções foram a sua peculiaridade em usar uma estética vocal que é assombrada de forma indesmentível pelo fantasma de um Ian Curtis ou até de um Robert Smith dos The Cure, mas que se torna algo original, projetando essa influência num registo que classifico aqui de canto gregoriano à la Ian Curtis. Algo litúrgico e profundo e que resulta muito bem, demonstrando novas direções dentro do post-punk.
O concerto que o trio ofereceu ao público foi simplesmente excelente e avassalador. Este é o típico caso de um grupo que destila uma energia demolidora em concerto que não se adivinha pela sua discografia. É banda que devia ter já um disco ao vivo gravado, pois, neste concerto de sábado passado, foram simplesmente fantásticos e memoráveis. Coisa muito boa, portanto.
Este seu espetáculo foi praticamente realizado sem iluminação de palco, permanecendo os três músicos na quase penumbra na maior parte do tempo, não fossem algumas explosões pontuais de strobs em momentos mais intensos dos seus temas, e umas luzes coloridas, dessas de enfeite para árvores de Natal, que cobriam a caixa de pedais de guitarra do seu guitarrista e vocalista, Arthur Pierre, e que serviram de única sinalização luminosa. Isso e a projeção de um filme japonês, ou asiático, de série B, ou afim, onde de vez em quando se desenrolavam cenas de sexo violento, submissão e luxúria. Momentos houve em que tudo se interligou, música e imagens projetadas, e tudo fez sentido, mesmo que não sejam coisas para ser aqui descritas nesta minha review sem futuro.
Quando a banda deu por finalizada a sua atuação foi uma desilusão, pois, o público presente exigia que prolongassem o seu espetáculo um pouco mais, que fizessem pelo menos um encore, o que prova o quanto magnífico foi este seu espetáculo. Há que salientar também que o som de palco estava bom demais e quando assim é, e se conjuga com uma boa banda, coisas muito boas geralmente ocorrem.
Após o concerto, conversei informalmente com a baixista substituta dos SeRvo (o baixista original não conseguiu marcar presença neste concerto no Porto, devido a compromissos com estudos e exames, mas que já se apresentaria no concerto no dia seguinte em Lisboa). Anne-Laure Labaste, muito comunicativa e simpática, esclareceu-me que foi a primeira vez que tocou com a banda ao vivo, embora sejam todos amigos e partilhem com ela posições na sua banda, os Bungalow Depression, que não conhecia, mas que já estou a conhecer, e a gostar. Algo a brincar, disse-me que no dia seguinte já não tocaria com a banda, mas que estaria com eles para beber as suas cervejas. Em jeito final, ocorreu falar sobre os portuenses 10 000 Russos e fez-se um brilho especial nos seus olhos, referindo entusiasticamente ser fã da banda e sobre uma atuação a que assistiu deles e que a impressionou bastante, algures em França, acho.
Concluíndo: estes SeRvo são fantásticos ao vivo e são altamente recomendáveis. Espero conseguir vê-los novamente se cá voltarem.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas
Korto, a French power trio from Haute-Savoie, a French area by Switzerland (Mont Blanc and Lake Léman serve as unmistakable geographical references), played last Thursday at Auditório CCOP in Porto.
The French develop into a very interesting musical project, within rock with krautrock, progressive rock, psychedelic made into space-rock as the most obvious sound influences.
Korto have a very energetic way of re-playing those influences, from which the burning energy coming from many of their themes show a post-punk genesis, some indie-pop (1980’s), post-rock ending at afrobeat with an intelligent game of several genres that compete for their sound. For the latter the technical and creative excellence of their drummer, Léo Mo, is essential, which is simply surprising that determines much of the group’s sound. In a nutshell, as one quickly realizes Korto are a very captivating fusion rock band updated to our days.
Currently on the final leg of another European tour and the first time they have played in several Portuguese cities. In a quick browing of their Facebook page tell us that, last month, they were the opening act for the mighty The Young Gods (it makes a lot of sense since their sound has commonalities with the Swiss trio), to their countrymen SLIFT (in this case fitting like a glove), or an improvised project with Thor Harris, a former Swan. That is, Korto are a band that in active growth, on the obvious path of any other group that aims to consolidate their name in the coming years.
Porto’s concert was part of that and the trio offered the audience solid concert good show, mostly based on their first and, so far, only self-titled album from November 2017. By the third song they said that was a new, still unnamed one that was going to be live tested. It was mostly a concert in two tones, between mind-boggling speeding through the Cosmos and a slower mental drifting. The audience always showed appreciation for the themes played and the band always gave back to this communion in energy and commitment.
At the end of the show the band promised that, for now, the concert was over. That they would go for some beers and afterwards may return to the stage. I do not know if it happened. Like most people I didn’t stay much longer. Personally I had the feeling that the end of the show deserved something more convincing from the band. The end wasn’t fully satisfying.
A Final Note: I’ll use this no-future review of mine for some thoughts about Auditório CCOP renewed room. The changes carried out in the old room, from where all the old wooden chairs and the theater stage were removed, and where all the space was re-shaped into a simple, sober and precise way, is, as I see it, a happy refurbishment. Now there is a luxurious and huge stage to welcome any kind of band or other types of non-musical performances, with an excellent sound and lights system, and the possibility of video recording the shows. This auditorium is clearly at the level of Hard Club‘s sala 2 and competes with it due to its similarity, and in such regard, offers a privileged space for of any type of public event within its field of activity. It is very good to notice that Porto has one more quality venue opened to the city.
texto e fotos: Guilherme Lucas
Os KORTO, um power trio francês, oriundo da Alta Sabóia, uma região francesa que faz fronteira com a Suiça (o Monte Branco e o lago Léman servem como referências geográficas incontornáveis), apresentaram-se no Auditório CCOP, Porto, na passada quinta-feira.
Estes três franceses evoluem num projeto musical muito interessante, dentro de uma tipologia rock, onde as influências do krautrock e do rock progressivo e psicadélico, feito space-rock, são as mais evidentes na sua sonoridade.
Os Korto tem uma forma muito enérgica de reinterpretarem estas influências, que pela parte da energia fulminante que extravassa em muitos dos seus temas, revelam génese no post-punk, em algum indie-pop (anos 80), passando pelo post-rock e com término no afrobeat pelo inteligente jogo de múltiplos géneros que concorrem para o seu som. Para esta última parte é fundamental a excelência técnica e criativa do seu baterista, Léo Mo, que é simplesmente surpreendente e que determina muito do som do grupo. Os Korto são resumidamente, e como se percebe rapidamente, um coletivo rock de fusão atualizado para os nossos dias e muito cativante.
Estão presentemente na final de mais uma tour europeia, sendo esta a primeira vez que atuam em várias cidades do território nacional. Numa rápida análise na sua página do Facebook ficamos a saber que foram banda de abertura, no mês passado, para os enormes The Young Gods (o que faz muito sentido, já que a sua sonoridade é comum ao trio suiço), aos seus conterrâneos SLIFT (neste caso particular encaixam como uma luva), ou de um projeto improvisado com Thor Harris, um ex-Swan. Ou seja, os Korto são uma banda que está em crescimento ativo, estando a fazer o percurso óbvio a qualquer outro grupo que pretenda consolidar nos próximos anos o seu nome.
Este concerto no Porto fez parte disso e o trio ofereceu ao público presente um bom e muito sólido concerto, essencialmente baseado no seu primeiro e único álbum até à data, datado de Novembro de 2017, de nome Korto (s/t). Aproveitaram à terceira música para informar que essa era nova e ainda sem nome e que ia ser testada ao vivo. Foi essencialmente um concerto em dois registos, entre velocidades alucinantes pelo Cosmos e outras mais vagarosamente planantes e mentais. O público demonstrou sempre o seu agrado pelo temas interpretados e a banda correspondeu sempre em energia e empenho a essa comunhão.
No final do espetáculo ficou a promessa por parte do grupo de que iam dar por finalizado o seu concerto por ora, iam beber umas cervejas e que depois talvez regressassem a palco. Não sei se isso ocorreu ou não, pois, como eu, quase todo o público não permaneceu muito mais tempo no recinto e desmobilizou. Pessoalmente ficou-me a sensação de que o término do espetáculo merecia algo mais convicto por parte dos franceses; soube-me a pouco esse final, portanto.
Nota final: Aproveito esta minha review sem futuro para tecer algumas considerações sobre o renovado auditório do CCOP. A intervenção efetuada no velho recinto, de onde foram retiradas todas as cadeiras antigas de madeira e o palco de teatro, e onde todo o espaço foi reformulado de uma forma simples, sóbria e precisa, pauta-se, a meu ver, como uma feliz remodelação. Agora existe um palco, luxuoso e enorme para acolher qualquer tipo de banda ou outro tipo de espetáculos que não musicais, com um excelente PA de som e de luzes, e com a possibilidade de gravação dos espetáculos em vídeo. Este auditório está claramente ao nível da sala 2 do Hard Club e concorre desde já com a mesma pela semelhança, e nesse aspeto, oferece um espaço privilegiado para a realização de qualquer tipo de evento público dentro do seu campo de atividade. É muito bom constatar que o Porto tem mais uma sala de espetáculos de qualidade aberta à cidade.
Mondo Bizarre Magazine 