Category: Concerts

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas

Andy Burns an Australian singer-songwriter living in Tokyo, maker of high-quality alternative lo-fi pop songs that some music critics nickname bedroom pop because of how the musician composes, records and produces, all almost home-made. His songs also have a theme that derives from many of his daily, personal, unashamed and somewhat ironic thoughts and experiences, many of them home-grown or with people who somehow come by his home or work life. In short, a kind of philosophy and sense of everyday life transformed into pop songs.

So far, the musician released two excellent albums in 2018 (Excited in April and Good Grief in August), having, at the beginning of his career, released another – not much mentioned – called Songs for Films, from 2016. Is simply fascinating, consisting of three beautiful songs. Currently, Andy Burns seeks to revitalize his career, hence the release of two albums this year, as a way to accelerate the advertising process of his work, along with what it entails.

The Australian musician played last Tuesday at Casa do Livro, in Porto, the last date concert of his European tour, started in November.

Armed only with his Fender guitar, connected to a small Vox valves amplifier, and with the instrumental sound of his songs, as heard in his albums, one after the other by way of linking his mobile to the room ‘s PA, the musician offered his show to the audience. A mix of karaoke with guitar and voice in the instant. It fully worked and, as much as possible, it was extremely simple and honest where the lo-fi approach of his music is concerned.

Either playing tracks with the guitar, or putting it aside and wielding the microphone whistle wandering in rambling dance steps, Andy Burns not only showed a tremendous competence to depict his music in its different intensities but also in its most humorous parts.

He was quite nice with the audience, always telling stories about some of his songs, among smiles and giggles from the audience, explaining that one was dedicated to a friend who works at a Disney call center (and what it means when it come to the level of hilarious imbalances). Or the loved-up couple with whom he shared the apartment who used the sofa bed for the obvious, always keeping hold of it, therefore leaving him hoping all the time to rescue it … and his peace.

I really enjoyed Andy Burns’ concert, not only because of his music, but also for format found; a very unusual thing live, but that proved to be extremely accurate and convincing. It was quite enjoyable and to the flavour of his music and this type of registry, pop (but not mainstream or commercial pop). Andy Burns is a solid name to be reckoned with right now in the current the alternative lo-fi pop. Tremendously recommendable!

texto e fotos: Guilherme Lucas

Andy Burns é um cantautor australiano a viver em Tóquio, criador de canções pop de grande qualidade, num registo alternativo e lo-fi a que alguma crítica musical apelida de bedroom pop, muito por conta da forma como o músico compõe, grava e produz o seu trabalho, e que é quase todo ele feito em ambiente caseiro. Mas também há nas suas canções uma temática que deriva das diversas experiências e pensamentos pessoais, desassombrados e algo irónicos, do dia-a-dia de Andy Burns, muitos deles caseiros ou com pessoas que, de alguma forma, cruzam a sua vida, tanto no seu emprego como na sua residência. Uma espécie de filosofia e sentido de vida do quotidiano transformados em canções pop, para abreviar.

Até à data, o músico lançou dois excelentes álbuns durante este ano de 2018 (Excited, em Abril e Good Grief em Agosto), tendo no início da sua carreira lançado um outro – que não é muito referenciado – de nome Songs for Films, de 2016, e que é simplesmente fascinante, constituído por três belas canções. Andy Burns procura atualmente revitalizar a sua carreira, daí a edição de dois álbuns este ano, como forma de acelerar o processo de divulgação do seu trabalho, com os consequentes concertos ao vivo a que isso obriga.
O músico australiano esteve na passada terça-feira, no bar Casa do Livro, no Porto, para a última data de uma tour europeia, iniciada em Novembro.

Foi, munido apenas da sua guitarra Fender, ligada a um pequeno amplificador Vox a válvulas, e com o som do instrumental das suas canções, tal qual as escutamos nos seus álbuns, a sucederem-se por via da ligação do seu telemóvel para o PA da sala, que o músico ofereceu ao público o seu espetáculo, um misto de karaoke com guitarra e voz ao momento. E o que é facto é que esta tipologia funcionou plenamente e foi, na medida do possível, extremamente simples e honesta em relação à abordagem lo-fi da sua música.
Ora interpretando temas com a guitarra a acompanhar, ou simplesmente colocando-a de parte e empunhando o microfone, enquanto deambulava em passos dançantes desconexos, Andy Burns, não só demonstrou uma enorme competência para representar a sua música nas suas diferentes intensidades, mas também nas suas partes mais humorísticas.

Simpático que baste com a audiência, sempre foi contando algumas histórias referentes a algumas das suas canções, entre sorrisos e gargalhadas da assistência, explicando que uma era dedicada a um amigo que trabalha(va) num call-center da Disney (e do que isso pressupõem a nível de desequilíbrios hilariantes), como do casal de namorados com quem partilhava o apartamento e que usavam o seu sofá-cama para o óbvio, estando sempre ocupado, ansiando, por isso, e a todos os momentos pelo resgate do mesmo… e da sua paz.

Gostei bastante deste concerto de Andy Burns, não só pela sua música, mas também pelo formato de espetáculo encontrado; é algo muito pouco usual ao vivo, mas que demonstrou ser extremamente preciso e convincente. Este foi bastante agradável e ao sabor da sua música, e, neste tipo de registo, que é pop (mas não pop mainstream ou comercial), Andy Burns é um nome sólido para se contar, desde já, dentro da pop lo-fi alternativa atual. Muitíssimo aconselhável!

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos Guilherme Lucas

Lisboa’s instrumental post-rock  band Then They Flew  played last Saturday at Woodstock 69. They were the first post-rock band I saw live at now closed CAVE 45, in 2016 and holds a special place in my referential memories. So much so that when I read something about post-rock bands, or watch them live, I always remember Then They Flew, and use them as comparison.

In this concert, the group presented itself with the same dynamics and sturdiness with which I was convinced the first time I saw them. Excellent musicians, with a repertoire of great quality within the usual dynamics of their musical style, situated somewhere in the duality between melancholic, fragile and contemplative ambient and smashing explosions of pure melodic and cinematic energy. They revisited their only album, the excellent Stable as the Earth Stops Spinning from October 2015. Themes like Owls, An Enemy Will Bring Us Together or La Lys were some of those played, and that are particularly dear to me. As far as I am concerned they played a very good concert, showing on stage their undeniable value as a band and musical project. At the end of their performance, at the insistent request of an audience very pleased with their performance, they played a one song encore.

After the show in an informal conversation with Bernardo Sampaio, one of the three guitarists and main promoter of the group, I become aware they had just recorded their second album. Mixing and final mastering will follow. They hope to release it early 2019, expectation to have more concerts and reach some summer festivals. The idea of a stronger and more instrumentally heavy album than the first one was on the air. Then They Flew have had constant live activity, essentially centered within their location, that is, the South of the country, with sporadic detours, like their last Saturday’s return to Porto.

As far as I’m concerned, I will be waiting to listen to the next album, with the obvious expectation of seeing them live again during 2019. They’re an interesting band.

texto e fotos: Guilherme Lucas

A banda lisboeta de post-rock instrumental, Then They Flew, atuaram, no sábado passado, no bar Woodstock 69. Esta foi a primeira banda que vi ao vivo dentro do género post-rock, em 2016, no extinto CAVE 45, e por isso ocupa um lugar especial nas minhas memórias de referências. Do género de que quando leio algo sobre bandas post-rock, ou assisto, ao vivo, a outras bandas dentro desse estilo musical, recordo-me sempre dos Then They Flew, auxiliando-me deles como referência comparativa.
Neste concerto, o coletivo apresentou-se com a mesma dinâmica e solidez com que me convenceu da primeira vez que os vi. Excelentes músicos, com um repertório de grande qualidade e dentro das dinâmicas habituais dentro do seu estilo musical, e que é algo situado na dualidade entre o ambiental melancólico, frágil e contemplativo e as explosões demolidoras de pura energia, melódicas e cinemáticas. Revisitaram o seu único álbum até à data, o excelente Stable as the Earth Stops Spinning, de Outubro de 2015. Temas como Owls, An Enemy Will Bring Us Together ou La Lys, foram alguns dos que interpretaram, e que me são particularmente mais queridos. Deram, quanto a mim, um muito bom concerto, exibindo em palco o seu inegável valor como banda e projeto musical. No final da sua atuação, e a pedido insistente de um público bastante agradado com a sua atuação, fizeram um encore de mais uma música.
Em conversa informal, após o espetáculo, com Bernardo Sampaio, um dos três guitarristas e dinamizador fundamental do grupo, fiquei a saber que acabaram de gravar o seu segundo álbum, a que se seguirão, desde já, as consequentes misturas, até à masterização final. Contam lançar o mesmo em inícios de 2019 e com a expetativa de conseguirem, por esse meio, angariar mais concertos e atingir alguns festivais de Verão. Ficou no ar a ideia de um álbum mais forte e instrumentalmente mais pesado do que o seu primeiro. Os Then They Flew tem tido uma atividade ao vivo constante, mas essencialmente centrada dentro da sua área de localização, ou seja, sul do país, com esporádicos desvios, como foi o presente caso, no sábado passado, com o seu regresso ao Porto.

Da minha parte, ficarei a aguardar a escuta do próximo álbum, com a óbvia expetativa de os ver novamente em concerto durante 2019. São uma banda interessante.

 

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro, proofread by Tommy Luther); photos Guilherme Lucas

A Burial At Sea are a young English quartet from Liverpool. Theirs is a rapturous and emotionally intense project.  Post-rock, but in an original way, looking for new formulas, in an attempt to renew the style. To me, they clearly accomplish this, mostly through the use of trumpets.

I am used to watching many live instrumental post-rock bands, and I state, without hesitation, that A Burial At Sea are one with a very promising career and with a sound that will certainly take them to higher levels in the future. Joking a little, but always with a serious commentary, I classify these young Brits within something I want to believe they have invented for themselves, and that I personally nickname post-rock mariachi, mostly because of the delightful sound of trumpets in some of their music. But, there is more than magical trumpets.

The usual explosions of energy followed by the customary moments of introspection and ambience of the genre are, in all their various aspects, exquisitely played. Then, either you have it or you don’t, and live, the band exudes a natural friendliness, to which nobody in the audience can possibly remain indifferent. Their songs, which can be long within their style, are very solid and very well composed, meaning they have lots of good music to offer. This becomes more and more evident throughout their concert. Like all bands of this genre, they also know how to play very well with the silences. As I have already mentioned in other no future reviews, post-rock musicians are usually great instrumentalists and A Burial at Sea are no exception to the rule; I could even write a thesis about this characteristic.

The most relevant thing is that, as had already happened with Homem Em Catarse, they managed to move me, during moments of their songs, mainly during the final parts, and the parts with trumpets. In that regard, their music can go much further and raise us brilliantly to soundscapes far more fascinating than other similar bands. Of particular note, one of the best moments of the concert, was when Graça Carvalho, indignu’s violin player was invited by the band to play in Lest We Remember. It was pure magic!

I hope to be able to see A Burial at Sea again in the future, when they’re a bigger band, which is something that I believe is going to happen. I liked them a lot so my memory will not forget them.

The concerts of Homem em Catarse and A Burial At Sea were, for me, completely memorable and breathtaking on all levels. It is extremely rare for something like this to happen. And to have two in one go!

Thank you Woodstock 69!

texto e fotos: Guilherme Lucas

Os A Burial At Sea, são um coletivo inglês de quatro jovens músicos de Liverpool, que tem um projeto de banda simplesmente arrebatador e emocionalmente intenso. Estão dentro do post-rock, mas de uma forma original, que procura novas fórmulas, na tentativa de refrescar o estilo. E para mim, conseguem-no claramente, muito pelo recurso à utilização do som de trompetes. Estou já habituado a ver várias bandas instrumentais de post-rock ao vivo, e digo, sem hesitação alguma, que estes A Burial At Sea são uma banda com um futuro muito promissor e com um som que certamente os vai levar para outros patamares mais elevados no futuro. Um pouco a brincar, mas sempre a comentar seriamente, classifico estes jovens britânicos dentro de algo, que quero acreditar, eles próprios inventaram para si mesmos, e que apelido pessoalmente de mariachi post/rock, muito pela parte do som delicioso dos trompetes em algumas das suas músicas. Mas não há só trompetes mágicos. As habituais explosões de energia que se seguem aos habituais momentos mais ambientais e introspetivos deste género, são, em todos os seus diferentes aspetos, primorosamente executados. E depois, é daquelas coisas, ou se tem ou não se tem, esta banda destila uma simpatia natural ao vivo, a que ninguém do público fica indiferente. Os seus temas, longos dentro do seu estilo, são muito sólidos e muito bem compostos, o que significa que tem muito boa música para oferecer. Isso é facilmente comprovado ao longo do seu espetáculo. E como todas as bandas deste estilo, sabem também jogar muito bem com os silêncios. Como já tenho referido em outras reviews sem futuro, os músicos de post-rock são habitualmente grandes instrumentistas e estes não fogem a essa regra; dava mesmo para fazer uma tese sobre esta particularidade. Mas o mais significativo é que neste seu concerto, e conjuntamente, como já havia ocorrido com Homem em Catarse, conseguiram emocionar-me em muitos momentos dos seus temas, principalmente nas partes finais e com os trompetes. A sua música consegue, nesse aspeto, ir bem mais longe e elevar-nos brilhantemente para paisagens sonoras bem mais fascinantes que outras bandas suas congéneres. De referir um dos melhores momentos do espetáculo, quando Graça Carvalho, violinista dos indignu, foi convidada pela banda para participar no tema Lest We Remember. Momento de pura magia!

Espero conseguir voltar a ver estes Burial at Sea no futuro, quando já forem uma banda maior, algo em que acredito. Gostei bastante deles e por isso não os esquecerei para minha memória futura.

Os concertos de Homem em Catarse e A Burial At Sea foram, para mim, completamente memoráveis e arrebatadores a todos os níveis. É muitíssimo raro acontecer algo assim, e logo dois de seguida e no mesmo espaço.
Obrigado Woodstock 69!

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro, proofread by Tommy Luther); photos Guilherme Lucas

I want this no-future review of mine to be different from all previous ones about live bands. This is because the concert I will be talking about, was in itself, completely different from all that I have recently seen (referring to decades, being the old wolf that I am journeying to these gigs and the like.)

The concert, held late Sunday afternoon at Woodstock 69, by Homem Em Catarse, a personal project of musician Afonso Dorido (also guitarist of indignu), was simply EXTRAORDINARY. I write this in capital, noisy letters, to highlight and reinforce a show which was beyond excellent, superb, magnificent. I’m lost for words to describe it. It was the most BEAUTIFUL (yes, beautiful) concert I’ve ever seen in Campanhã’s bar (I’ve seen about 60 concerts of all sorts of bands there this year alone).  It was not only the best one I’ve seen so far, at this particular venue, but also one of the year’s top three, out of all the gigs that I have watched bands play in a number of different venues, totalling to a handsome sum of 150 concerts.

Of course, the sole purpose of this statistic is to express the feeling, and the pure conviction that amongst other bands who provided very good music and unforgettable moments, in a whole array of different styles, ranging from pure chaos to exquisitely played; few were the ones who touched me deeply in the delivery and display of purest beauty and deepest spiritual elevation, leading to places, at times, emotionally unreachable to me

In a simple and natural way, Homem Em Catarse was able to move me, making me shiver with each of his themes. A friend of mine who was unaware of the line-up, and not knowing which bands were playing, was moved to tears by his music. Which means that Catarse (catharsis) is not a random or insignificant name for the project. Afonso Dorido’s music is sublime and purifies us. The concert which I saw is not on YouTube or any other part of the internet.

Live, with the excellent sound the musician had, there is a magical intensity reinforcing the notion that it is always entirely different to listen to a live performance than watching it on video. I knew this, because I was partially aware of what I was going to see (I’m familiar with the musician’s discography and a fan of his music). This was going to be the opportunity to see him live for the first time …, but I was met with a wonderfully surprising and unforgettable show, something for which, I must confess I was not prepared for. Hence, the importance of seeing bands live and supporting the musicians. They offer us magic in different ways, often when we least expect it. We must always support them in the often ungrateful mission of being on the road, because by doing so, we save ourselves because we’re left in wonder.

This time, I refuse to describe or comment, as I usually do, on the musical genre or possible musical influences of Homem em Catarse, or about his Inner Jorney (s) and related topics; that will be left for future concerts of his which I will attend. Because in reality, it is completely irrelevant when speaking of something so beautiful, brilliant and universal as is his music. The advice I leave to everyone is to urgently listen to it; until you lose yourself in passion.

P.S. – A few months ago, Homem em Catarse was in part the protagonist of the much-publicized controversy of worshippers outraged with the parish priest for using a church in Tomar as a venue for a rock concert. If God exists, he will certainly enjoy Homem em Catarse’s purifying music. May the gates of heaven be opened in all their glory to him, and in the meantime, all the earthly precincts of the country – and of the planet – shall receive his live music.

Thank you for your unforgettable concert and for your precious music, Afonso Dorido!

 

texto e fotos: Guilherme Lucas

 

Quero que esta minha review sem futuro seja diferente de todas as outras que tenho vindo a escrever sobre as bandas que assisto ao vivo. Porque o concerto que passarei a comentar foi, também ele, completamente distinto de todos os que tenho assistido nos últimos tempos (leia-se décadas, pois sou já um velho lobo nestas andanças de concertos e afins).
Este concerto a que assisti, já no final da tarde do passado domingo, no Woodstock 69, oferecido pelo Homem em Catarse, um projeto pessoal do músico Afonso Dorido (também guitarrista dos indignu), foi simplesmente EXTRAORDINÁRIO. Escrevo isso em letras maiúsculas, e ruidosas, para acentuar, e reforçar, que foi um espetáculo para lá do excelente, do soberbo e do magnífico. Porque na realidade, faltam-me as palavras para o descrever. Foi o concerto mais BELO (sim, isso mesmo, belo) a que assisti até hoje no bar de Campanhã (e já assisti lá, durante este ano, a perto de 60 concertos com bandas de todos os géneros musicais, possíveis e imaginários, nacionais e internacionais… é consultar as minhas reviews sem futuro na minha página, todas elas foram comentadas por mim), mas este não só foi o melhor que eu vi lá, até esta data, como também é já um dos três melhores deste ano a que pude assistir em todos os diferentes locais a que acorri, e que conta já com a bonita soma de quase 150 concertos. Toda esta estatística que aqui discorro serve unicamente para expressar o sentimento, e a plena convicção, que no meio de outras bandas que me ofereceram muito boa música e momentos inesquecíveis, em registos completamente diferentes, desde o puro caos ao primorosamente executado, muito poucas foram aquelas que me tocaram fundo no registo e no exercício da mais pura beleza e da mais profunda elevação espiritual, para paragens que acho por vezes inalcançáveis a nível emocional para a pessoa que sou. Este Homem em Catarse conseguiu, de uma forma simples e natural, arrepiar-me, e emocionar-me, em todos os momentos de cada um dos temas que interpretou. A uma amiga minha, que não sabia ao que ia (não conhecia de todo as bandas que atuavam nessa tarde no bar de Campanhã), conseguiu fazer com que soltasse lágrimas. O que significa que o termo Catarse não é de todo inocente no nome do projeto, pois a música de Afonso Dorido é simplesmente sublime e purifica-nos. O concerto a que assisti não está no Youtube e em lado algum da net, e ao vivo, com o som excelente com que o músico foi agraciado, há uma intensidade mágica que reforça a ideia de que é sempre muito diferente escutar um espetáculo ao vivo do que o visionar em vídeo. Eu sabia disso, pois sabia em parte ao que ia (conheço bem toda a discografia do músico e sou fã da sua música), e esta ia ser a oportunidade de o ver em concerto pela primeira vez… mas, foi-me oferecido um espetáculo maravilhosamente surpreendente e inesquecível, algo para o qual não estava, de todo, preparado, confesso. Daí a importância em ir ver as bandas ao vivo e apoiar os músicos. Todos eles nos oferecem magia, em modos diversos, e muitas vezes quando menos esperamos. Devemos sempre apoiá-los nessa missão (muitas vezes ingrata de andar na estrada), pois fazendo-o, salvamo-nos porque nos maravilhamos.
Desta vez, escuso-me a descrever ou comentar, como habitualmente é minha prática, o género musical, ou das possíveis influências musicais no trabalho deste Homem em Catarse, da(s) sua(s) Viagen(s) Interior(es) e temáticas afins; isso ficará eventualmente para outros seus concertos a que possa vir a acorrer. Até porque na realidade isso é completamente irrelevante quando falamos de algo belo, genial e universal como é a sua música e o conselho que deixo a todos é de a escutar de forma urgente; até se perderem de paixão.

P.S. – Este Homem em Catarse, foi, em parte, protagonista, há uns poucos meses atrás, da muito noticiada polémica de fiéis indignados com o padre da paróquia, pela utilização de uma igreja, em Tomar, como recinto de um concerto rock. Se Deus existe, certamente que gostará da música purificadora deste Homem em Catarse. Que se abram as portas do Céu, em toda a sua glória, para ele, e que no entretanto, todos os recintos terrenos deste país – e do planeta – recebam a sua música ao vivo.
Afonso Dorido, muito obrigado pelo teu inesquecível concerto e pela tua preciosa música!

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro, proofread by Tommy Luther); photos Guilherme Lucas

Belgian artist Philippe Van Snick’s exhibition was launched last Saturday at Galeria Nuno Centeno, in Porto. Parva, a label from Porto, created an event for the occasion, with a sonic addition to the exhibition. This was my motive for going to Parva’s happening, the second one within a week.

As in the previous week’s event, Fantasma, the personal project of musician and creator of Parva, Pedro Centeno played his musical piece Corpo Ausente- Tribute To The Machines. In time, this piece, whose title explains it all, is destined to become a “classic” of its genre if it keeps being persistently replicated in Parva’s future events, because of its creator’s musical performance, absent from the audience’s attention. In a nutshell, an artist removed from his live musical tasks whose musical piece is disseminated and listened to through the PA system. At first sight it could be the same as a DJ playing a cd or vinyl of a band or artist, in a bar, disco or similar, but it is not.

After that came a performance by RVN, one of the various musical outputs by Ravena Araujo – musician with a career between Porto and Bologna. In a careful analysis of her numerous works on the internet we can objectively frame her aesthetic and musical orientation within experimental music, both in an electronic, digital way and also in its most “analogue” form, using electric guitar or saxophone. There is, through the different moods of her themes, and the resulting evolution, a duality between the most violent emotional disruption and the most serene abandonment of the senses.

She is not an artist with merely one single direction let alone style of sound. In my opinion, that is a huge plus. On the one hand, we can recognise the sonic terrorist and industrial approach, and on the other, an extremely serene, and moderated contemplative side, at times an almost psychedelic mantra. In her songs, she not only weaves drone, noise, street sounds or the voices of suicidal poets, but also flogs her guitar strings, or captivates us with the magical, loose and warm notes of her free jazz saxophone. Her polemic approach of intentions (which is also literary) is that of someone who refuses to make music, but ends up doing so, clearly outside the classical canons, and very much by way of an auditory/sensorial discomfort, exposing (and imposing) a very peculiar emotional singularity of her perception of reality.

Her musical performance was based on rambling sounds resulting from her intervention with said object, at times percussively, at times using the bow upon the strings … and a Vox amplifier; one of the good ones, with valves which always makes a difference when it comes to sound.

I liked the way the electric guitar was approached, stripped of the classic interpretation, and, through it, the suggestion of some sounds that sent me to an untuned heavy and somber piano, with drone background (achieved by cello or violin bow technique), and the unequivocal beauty of some of the distant, lacerating blade-like silences that occurred. The unrepeatable sound piece that come out of this performance was made of randomness, and of course of different moments, some more astounding than others. A majestic nocturnal Porto as an overview gave the performance a somewhat liturgical tone, definitely dark

Personally, I think the existence of an artist like Ravena Araújo in our music scene is very important. In many ways, she is a unique personality. She is iconographic enough in a peculiar way and inhabits a very personal and restricted musical context in a committed and compelling way. Also because, in her musical and aesthetic field, I dare say that she is one in a million. If there are other personalities similar to hers (of course there are), I say without any effort, that 95% of those are masculine . Regardless of whether I am right or wrong in my statistics, I am without a doubt talking about a rare, conceptually brave and audacious case that makes a difference. To me, a case like this is always worth more than “a thousand bands”, all alike, however laudable it is to play the more obvious, safe and in-tune with the taste of the masses. I have no doubt about it.
Then came the performance by CANVAS, a project intended to be an international base for linking musicians connected to electronic music of great experimental interest, who promote live performances within this network. The performance had one of its founders, OLAN MONK and Elvin Brandhi, from British duo Yeah You.

This encounter which has more upcoming shows in Portugal is called Anti Tour(ism) 2018. I transcribe the meaning in their own words: “We want to try to find ways outside the distancing trap of sight-seer mentality, which objectifies essential, everyday, immediate flows. We offer an experiment in receptive performance, exchanged exertion, self-dissolution and social osmosis. Sound-hearing as an alternative anti-touristic engagement with a specific time and place. Moving people, roaming anti-data. ”

There were two distinct moments: the opening one, which was more in Olan Monk’s style, and the more obvious finale, linked to Elvin Brandhi, showing his characteristic voice from Yeah You’s themes.

Olan Monk’s moment was a journey of ambient drone, constantly punctuated by discharges of electronic noise, some synthesized chords, in an atonal delivery supported by sparse beats and undefined rhythms. Somewhere between ambient  noise and chaos, with electronic industrial landscapes. And of course, with Olan Monk’s own style of punctual vocal contributions, ranging from declamatory, to purely narrative, and at other times blasé, through distortion or clean vocals.

In the final moment by Elvin Brandhi, and for me, the most interesting one of the performance, the audience were offered a duel between the two artists. Rising to the challenge, Elvin Brandhi’s voice stood out as something remarkably harrowing. Unforgettable. It was the “agony and ecstasy” moment of CANVAS’ performance.

The event ended with a DJ set by Sian Baker, from Portal Radio. It was very good.

Among paintings, experimental electronic sounds and mini Super Bock beers, amazingly and abundantly given to the audience. It was an interesting night to listen to another side of the underground music currently being made in Porto. I liked it. Bring on the next one.

 

 

 

texto e fotos: Guilherme Lucas

Parva Untitled – No Sábado passado, na Galeria Nuno Centeno, no Porto, foi noite de inauguração de uma exposição de trabalhos do artista belga Philippe Van Snick. A label portuense Parva agendou um evento para a ocasião, como que um complemento sonoro à exposição. Foi esse o meu motivo para ter acorrido a mais este happening da Parva, o segundo no curto espaço de uma semana.

Como havia feito no evento da semana anterior, Fantasma (projeto pessoal do músico Pedro Centeno e responsável da Parva), fez passar no soundsystem do evento a sua peça musical, de nome Corpo Ausente – Tribute To The Machines. Eventualmente esta peça, cujo título já diz tudo, está condenada a ser um “clássico” no seu género, e desde que insistentemente replicada em eventos futuros da label, pela performance musical de ausência do seu criador do foco das atenções do público. Resumindo: artista afastado das suas funções musicais ao vivo, entrega a sua peça musical ao soundsystem para divulgação e escuta. Podia ser, à primeira vista, a mesma coisa que um dj colocar um cd ou vinil de uma qualquer banda, ou artista, num bar, discoteca ou afins, mas não é.

Seguiu-se uma performance musical de RVN, um dos vários projetos da música Ravena Araujo, artista com carreira musical repartida entre o Porto e Bolonha. Numa análise atenta aos seus trabalhos na net, e que são numerosos, podemos, de forma objetiva, enquadrar a sua estética e orientação musical dentro da música experimental, tanto num discurso eletrónico e digital, como na sua vertente mais “analógica”, usando guitarra elétrica ou saxofone. Há, nas diferentes ambiências dos seus temas, e consequentes evoluções, uma dualidade entre a mais violenta disrupção emocional com o mais sereno abandono dos sentidos.

Não é artista de uma só direção e muito menos de uma só sonoridade. O que, na minha opinião, é uma mais-valia, à partida. Se por um lado, reconhecemos uma abordagem, qual terrorista sónica e industrial, em parte do seu trabalho, há, por outro lado, uma outra faceta que é extremamente ambiental, serena e modeladamente contemplativa, por vezes em quase mantra psicadélico. Tanto usa nos seus temas o drone, o ruído, o som das ruas ou as vozes de poetisas suicidas, como flagela as cordas da sua guitarra elétrica ou nos cativa pelas notas mágicas, soltas e quentes do seu saxofone free jazz. A sua abordagem panfletária de intenções (que também é literária), é de quem recusa fazer música, mas que acaba por a fazer, fora dos cânones clássicos, é certo, e muito pela via do desconforto auditivo/sensorial, expondo (e impondo), uma singularidade emocional muito peculiar da sua percepção do real.

A sua performance musical baseou-se na divagação dos sons resultantes da sua intervenção no referido objeto, ora de forma percussiva, ora usando o arco, sobre as cordas… e um amplificador Vox, dos bons, a válvulas, que faz sempre a diferença em termos de som.

Apreciei a forma como a guitarra elétrica foi abordada, despida de toda uma interpretação clássica da mesma, e da sugestão, através dela, de alguns sons que me remeteram para as teclas de um piano desafinado, pesado e sombrio, com fundo drone (conseguido em muito dos movimentos do arco em técnica de violoncelo ou violino), e da inequívoca beleza de alguns dos silêncios longínquos e cortantes como lâminas, que iam ocorrendo. Como peça sonora irrepetível que resultou desta performance, a mesma foi feita dos acasos, e naturalmente com distintos momentos, uns mais impactantes que outros. O cenário de um Porto noturno, imponente, como vista geral, ofereceu à performance um ambiente algo litúrgico e definitivamente obscuro.

Pessoalmente, acho muito importante a existência, no nosso panorama musical, de uma artista como a Ravena Araújo. É uma personalidade única em vários aspetos. É suficientemente iconográfica de forma peculiar e está num contexto musical muito pessoal e restrito, de uma forma empenhada e convincente. E também porque, no seu campo musical e estético, arrisco a dizer que é uma num milhar, e se há outras personalidades similares à dela (que as há, obviamente), afirmo, e sem me esforçar muito, que 95 % são masculinas. Independentemente de estar certo ou errado nesta minha estatística, estou certamente a falar de um caso bastante raro e conceptualmente corajoso e audaz, que faz diferenças. E para mim vale sempre mais um destes casos do que “mil bandas”, todas iguais e no mesmo registo, por muito meritório que seja interpretar o que é sempre mais óbvio, seguro e mais condizente com o gosto das massas. Não tenho qualquer dúvida sobre isto.
Seguiu-se a atuação do CANVAS, um projeto que pretende ser uma base internacional de interligação entre músicos ligados à área da música eletrónica de forte pendor experimental, promovendo atuações ao vivo dentro dessa rede de contatos. Esta atuação contou com um dos seus fundadores, OLAN MONK e com Elvin Brandhi, do duo britânico Yeah You.

Este encontro, que tem mais datas em solo nacional, chama-se Anti Tour(ism) 2018, e cujo sentido transcrevo, nas palavras dos seus autores: “We want to try to find ways outside the distancing trap of sight-seer mentality, which objectifies essential, everyday, immediate flows. We offer an experiment in receptive performance, exchanged exertion, self-dissolution and social osmosis. Sound-hearing as an alternative anti-touristic engagement with a specific time and place. Moving people, roaming anti-data.”

Houve dois momentos distintos: o inicial, mais dentro do estilo de Olan Monk, e o final, mais evidente, ligado a Elvin Brandhi, muito no seguimento da sua voz característica nos temas dos Yeah You.

O momento de Olan Monk foi um desfilar de drone ambiental, constantemente pontuado com descargas de ruído eletrónico, alguns acordes sintetizados, num desfilar atonal e acompanhado de algumas batidas pontuais e sem ritmos definidos. Algo entre o ambiental noise e o caos, com algumas paisagens industriais eletrónicas. E claro, com pontuais intervenções vocais de Olan Monk, no seu estilo próprio, algo, ora narrativo, ora displicente, com distorção ou voz limpa.
No momento final, o de Elvin Brandhi, e para mim o mais interessante da performance, os dois artistas ofereceram ao público um “duelo” entre as suas duas vozes, em quase declamação ao desafio, destacando-se a voz extraordinariamente angustiante de Elvin Brandhi, definitivamente inesquecível. Foi o momento “agonia e extâse” da performance do CANVAS.

A finalizar o evento, houve dj set, a cargo de Sian Baker, da Portal Radio. Esteve muito bem.

Entre pinturas, sons eletrónicos experimentais e cervejas mini da Super Bock, que eram espantosa e abundantemente oferecidas ao público numeroso que acorreu, esta foi uma noite interessante para auscultar uma outra parte do underground que, por estes dias, vai ocorrendo na Invicta dentro dessa área musical. Gostei e que venha o próximo.

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro, proofread by Tommy Luther); photos Guilherme Lucas

Last Saturday was the event of another massive party called Shadow Paradox Cave, promoted by P a r v a, a Porto-based label. Lately, if there are those rare events on the Porto night scene, containing unpredictability and surprise, Parva is, without a doubt, one of the most important contributors to the modernity of the city, and a true alternative to other already established “alternatives”, courageously taking the risk to promote much of what is largely outside the safety-barriers of common sense, and the more obvious and established underground scene. Confused? Think more alternative to your alternative and you will start to be closer to what I mean.

This happening in a large art studio with excellent conditions as well as a bar, and included live concerts, musical performances, dj sets, an art installation and even a stand-up dinner. Throughout the evening and early morning, a huge amount of people turned up to attend the numerous performances which were happening at a non-stop rate, which only strengthened the event’s success. I will focus on the musical performances that I saw, and which are the main driving force of these reviews which I write which have no future. In a nut-shell:

 

– Fantasma and Nu No – two different, yet equal performances in their conceptual format of complete improbability: Fantasma (Pedro Centeno), played one of his own musical creation’s, Corpo Ausente – Tribute To The Machines, on the studio‘s sound-system. The musician was physically present in the room, but completely removed from said role, whilst performing different tasks connected to the event’s organization. With Nu No (Nuno Marques Pinto), something similar happened, but in reverse. The musician made a brief performance using solely his vocals, without his usual physical presence identifiable in the room. His subject-performance, called Corpo Insurrecto, recited in real-time, intended to be a variation of the traditional artistic performance, where the artist expresses his physicality to the audience. The musician had previously stated that this would be a performance which would only ever be listened to, never seen; a way of contradicting the visual, claiming the prevalence of listening, which is nearly always forced into the background by all that is visual.

– Francisco Oliveira and Ead Mann – A unique collaboration between a musician from Terebentina and one from Favela Discos in a joint performance. The basis; electronic and experimental, in real-time, ranging between drone and noise, with sound possibilities that cropped up from the manipulation of various effects pedals and related material. Somewhere between industrial-electronic noise.

– Francisco Oliveira – The musician presented his debut solo record, On The Act Of The Reminding. I really enjoyed this performance; its themes have a subtle and touching beauty. With my eyes closed, during many moments of his performance, I wandered through the ether. For those who wish to know more about this work read: https://www.facebook.com/guilherme.lucas.92/posts/1800439266711920

OMEM – OLAN MONK and EAD MANN’s musical project. ambient-noise with drone, punctuated with hypnotic recitations, and at times, by Olan Monk ‘s more physical-performative performance.

– Lonz Dale’s Fantasy – Second concert for this new group from Porto. They are a duet, formed by Nils Meisel (electronics and banjo) and Kenneth Stitt (vocals). Both musicians are part of Sereias, and for this reason I was very curious to see how the two would function in a different set. Two things that seem clear to me in Lonz Dale’s performance: a project that has a “deconstructed” pop component that works very well and is pleasantly catchy; something between electronic punk folk (à la Pogues), and a great vocalist (not only in competence, but also literally, in stature), master of an unusual performance (at all levels) and of a complete and insane delivery … in addition to writing great nonsense lyrics; completely surrealistic and hilarious.

On the other hand, there is lots of space in the duo’s music; Kenneth’s perfunctory declamations flow nicely between Nils’ electronic instruments. At times creating a solid musical block that responds well, be it in the parts where the two musicians are most attuned, or in those during which Kenneth wanders, so grotesquely lost, in his miraculous performance. A mix of hallucinatory and tribal mosh-pit (mostly for the dancer), to which everyone is invited to join in and to exorcise their demons. Live, the duo’s music is very contagious and it was possible to perceive through the audience’s strong adhesion that they hold a project which, with some finer tuning will not face many challenges in reaching a wider audience and diversified tastes. It was a really fun concert, offered by a band that, through its music, seems to seek it. Their upcoming concerts should be followed with proper attention.

After the live performances, the lights went out and dj sets took over. It was a fantastic evening! Bring on the next one!

 

texto e fotos: Guilherme Lucas

No passado sábado, ocorreu mais uma grande festa/happening (esta denominada de Shadow Paradox Cave) promovida pela label portuense P a r v a. Se há eventos, pelos dias de hoje, onde a surpresa e a imprevisibilidade acontecem nas noites do Porto, a Parva é, sem margem para dúvidas, uma das que mais contribui para uma Invicta moderna e verdadeiramente alternativa às outras alternativas já instituídas na cidade, arriscando corajosamente em promover muito do que foge aos parâmetros do senso-comum e do underground mais óbvio e já estabelecido. Confusos? Pensem em algo mais alternativo ao vosso alternativo e começam a estar mais perto da minha explanação.

Este happening, realizado num amplo estúdio de arte, com excelentes condições e com bar, compreendeu concertos ao vivo, performances musicais, dj sets, instalação artística e até um jantar volante. Ao longo da noite e madrugada, muito foi o público que acorreu ao local para presenciar as inúmeras atuações que iam ocorrendo em ritmo non-stop, carimbando assim o sucesso deste evento. Focando-me nas atuações musicais que presenciei no local, e que é o que me move especialmente nestas minhas reviews sem futuro, de forma sintética, direi que:

– Fantasma e Nu No – duas atuações distintas, mas iguais no seu formato conceptual de completa improbabilidade: Fantasma (Pedro Centeno), fez passar no soundsystem do estúdio uma peça musical da sua autoria, de nome Corpo Ausente – Tribute To The Machines. O músico esteve fisicamente presente na sala, é um facto, mas completamente afastado dessa sua função, enquanto acorria a tarefas distintas, ligadas à organização do evento. Com Nu No (Nuno Marques Pinto), ocorreu algo similar, mas de forma inversa. O músico fez uma breve atuação, unicamente com voz, sem a sua presença física identificável na sala. O seu tema/performance, de nome Corpo Insurrecto, que foi unicamente declamado e em tempo real, pretendeu ser uma variação à performance artística tradicional, onde o artista se expôe, com o seu corpo, à assistência. Como o músico me confidenciara antes, esta seria uma performance para ser unicamente escutada e jamais visionada; uma forma de contrariar o sentido da visão, reivindicando a primazia da audição, quase sempre relegada para segundo plano por tudo o que é visual.

– Francisco Oliveira e Ead Mann – Reunião ocasional entre um músico dos Terebentina e outro dos Favela Discos, numa performance conjunta. A base, eletrónica e experimental, discorreu entre o drone e o ruído, e das possibilidades sonoras que iam ocorrendo da manipulação dos vários pedais de efeitos e material afim, em tempo real. Algo entre o industrial/noise eletrónico.

– Francisco Oliveira – O músico apresentou o seu primeiro trabalho a solo, de nome On The Act Of The Reminding. Gostei bastante desta sua atuação; os seus temas tem uma beleza subtil e tocante. De olhos fechados, deixei-me vaguear pelo éter, em muitos momentos da sua atuação. Para quem quiser saber mais sobre este trabalho, deixo aqui um link de uma review que fiz há uns meses atrás sobre este trabalho do músico, é ler: https://www.facebook.com/guilherme.lucas.92/posts/1800439266711920

– OMEM – Projeto musical de OLAN MONK e Ead Mann. Ambiental/noise com drone, pontuado com declamações hipnóticas e em alguns momentos por uma atuação mais física/performativa de Olan Monk.

– Lonz Dale’s Fantasy – Segundo concerto deste novo grupo do Porto. São um dueto, constituído por Nils Meisel (eletrónica e banjo) e Kenneth Stitt (voz). Ambos os músicos fazem parte dos Sereias, e por isso mesmo, era grande a minha curiosidade em perceber como os dois funcionariam num registo diferente. Estes Lonz Dale’s tem duas coisas que me parecem evidentes na sua atuação: é um projeto que tem uma componente pop “desconstruída” que funciona muito bem e é agradavelmente “catchy”, algo entre o folk punk (à la Pogues) com eletrónica, e um grande vocalista (não só em competência, mas literalmente, também em estatura), senhor de uma performance invulgar (a todos os níveis) e de completa e insana entrega …isto para além de escrever grandes letras non-sense; completamente surrealistas e hilariantes. Há, por outro lado, bastante espaço na música do duo; as declamações imprecadas de Kenneth fluem muito bem entre o instrumental eletrónico de Nils, criando, em muitos momentos, um sólido bloco musical que responde bem, ora nas partes em que os dois músicos estão mais sintonizados, ou naqueles em que Kenneth deambula, de forma grotescamente perdida, na sua mirabolante performance, um misto de mosh-pit alucinado e tribal (mais para o bailarico), onde toda a gente está convidada a entrar para expulsar os seus demónios. A música deste duo é, ao vivo, muito contagiante, e deu para perceber, pela muito boa adesão do público, que tem em mãos um projeto, que mais bem alinhavado, não encontrará muitas dificuldades em almejar públicos mais numerosos e de gostos diversificados. Foi um concerto bastante divertido este, oferecido por uma banda que parece ambicionar isso, através da sua música. Para seguir, com a devida atenção, os próximos concertos.

Finalizadas as atuações ao vivo, todas as luzes se apagaram e foi dado espaço para os dj sets. Foi uma noite fantástica! Venha a próxima!

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas.

The Saxophones a duo from Oakland, California performed last Thursday in Porto during their Winter European mini-tour, promoting their latest album Songs of The Saxophones (June 2018).

The venue chosen for the first Portuguese show was an almost to capacity Hard Club’s Sala 2 which for a Thursday is always something remarkable. They will perform in Lisboa on Saturday.

This duo is, in its operational base, an artistic extension of the two musicians, since they are a couple. They are Alexi Erenkov (voice, guitar and saxophone), the husband and founder of the project, and his wife, Alison Alderdice (percussion and vocals). They share common endeavors and tastes together, finding in their music the perfect way to publicly express their feelings and many of the daily aspects of their relationship. Live, and in studio, they have the collaboration of Richard Laws, a longtime friend (bass, vibraphone, vocals). In addition to being a couple they are also parents (for the first time) of a very recent offspring.

Recently the duo has been talked about because of the excellent reception to their work, both from specialized music critics as well as the general public. Although this project is the product of a decade only about two years ago did it begin to draw attention, mostly because their first work and of gems like the song If You’re On The Water (2016), that also titles the album.

What seduced me in this band, right after listening to it for the first time when I discovered them, was that they were “haunted” by the Twin Peaks factor, largely because of their sweeping version of Just You. And yes, it’s undeniable that there are many noir ambiences from David Lynch and Angelo Badalamenti’s compositions in The Saxophones’s songs of, in it residing much of the interest in their sound. But not because the latter are mere “clones” of the artists mentioned above, only because they also drink from to the same musical influences. As is the case Exotica – Hawaiian 1950s music -, jazz in general (Alexi Erenkov is a studious musician and passionate about jazz, The Saxophones being the antidote found to simplify his musical discourse), as well as the most singable surf music, which irrevocably leads to the so-called dream pop. There as much of Everly Brothers as of Roy Orbison or Leonard Cohen, among many other, in their music. It is this fusion of genres that more clearly helps to understand the precious sound of this Californian duo.

This concert in Porto would therefore serve as an excellent opportunity to live perceive how their minimal melancholic and serene, but completely magical and seductive, pop songs, could be impose upon an audience, which I want to believe, was knowledgeable of their work … or at least some of their most emblematic themes.

The concert was simply excellent and fascinating. Period.

The band did parade practically all the themes of its discography and also presented others from their next record, Singing Desperatley Suite that will be released February 2019.

Surely live the way they play their songs is the same with which they are recorded on CD or vinyl. They are so disciplined in instrumental execution that there is nothing to point out, leaving us only with the sweet quest to enjoy their melodies and Alexi Erenkov’s unique voice.

I would say that, essentially, the magic of The Saxophones resides in the mastery with which they play with the silences in their compositions. There is space and silence in all their themes, one can hear the breathing of each one of them. Do not understand this silence of which I speak as mere space between instruments … I speak of silence as another instrument, which is another conception of the thing.

Between songs the duo was very friendly and communicative with the audience that completely surrended to the band. There were enough moments of great sense of humor and good mood between the couple, revealing that they were amazed by the almost full room, and that they had no doubt that it was the first time that they had acted for so many people … coupled with the the fact that a few hours before they under total stress between airports, being there with so many people watching them was something surreal and unforgettable. They also took the opportunity to say they were touring with their baby, and that there is a different glamor after the concerts, like waking up in the middle of the night with the child’s crying. General laughter echoed.

After the concert ended, the band returned to a single encore, finishing with the song that was missing – and that was necessary – and that was Just You. In the end the three musicians were treated with a long standing ovation by the audience the same way it had already happened to each of their previous songs. Totally deserved, one must say. Magic was present in Hard Club’s Sala 2 on a rainy Winter night.

texto e fotos: Guilherme Lucas

Os norte-americanos The Saxophones, dueto natural de Oakland, Califórnia, apresentaram-se, na passada quinta-feira, na Invicta, no seguimento da sua mini-tour europeia de Inverno, de promoção ao seu mais recente trabalho de longa duração, de nome Songs of The Saxophones (Junho 2018).

O local escolhido para este seu primeiro espetáculo nacional foi a sala 2 do Hard Club, que praticamente encheu, o que para uma quinta-feira é sempre algo assinalável. Atuarão ainda em Lisboa, neste próximo sábado.

Este duo é, na sua base operacional, uma extensão artística dos dois, pelo facto de serem um casal. São eles Alexi Erenkov (voz, guitarra e saxofone), o marido e fundador deste projeto, e a sua esposa, Alison Alderdice (percussões e vozes). Ambos repartem, de forma cúmplice, esforços e gostos comuns, encontrando na sua música a forma perfeita de extravasarem publicamente os seus sentimentos e muitos dos aspetos do dia-a-dia da sua relação. Ao vivo, e em estúdio, contam com a colaboração de Richard Laws, um amigo de longa data, no baixo, vibrafone e vozes. Para além de serem um casal, também são pais (pela primeira vez), de um muito recente rebento.

Os dois tem dado que falar nos últimos tempos, pelo excelente acolhimento aos seus trabalhos, tanto a nível de crítica musical especializada como do público em geral. Embora este projeto seja produto de uma década, só há sensivelmente dois anos atrás é que começaram a dar mais nas vistas, muito por via do seu primeiro trabalho, e por pérolas como a canção If You’re On The Water (2016), que dá nome também ao disco.

O que me seduziu nesta banda, logo à primeira audição, quando os descobri, é que estavam “assombrados” pelo fator Twin Peaks, muito por culpa da arrebatadora versão que fazem do tema Just You. E sim, é indiscutível que há muitas das ambiências noir das composições de David Lynch e de Angelo Badalamenti nas canções dos The Saxophones, onde reside muito do interesse pelo seu som. Mas não porque estes últimos sejam meros “clones” dos artistas atrás citados, mas apenas porque também vão beber às mesmas influências musicais. É o caso da música exotica (estilo musical) dos anos 50, de origem havaiana, o jazz em geral (Alexi Erenkov é um músico estudioso e apaixonado pelo jazz, sendo os The Saxophones o antídoto encontrado para simplificar o seu discurso musical), bem como a música surf na sua vertente mais baladeira, que conduz irremediavelmente ao denominado dream pop. Há tanto de Everly Brothers, como de Roy Orbison ou Leonard Cohen, na sua música, entre muitos outros. É esta fusão de géneros que ajuda a entender com mais esclarecimento o som precioso deste duo californiano.

Este seu concerto no Porto serviria, por isso, como uma excelente oportunidade para perceber, ao vivo, como as suas canções pop minimais, melancólicas e serenas, mas completamente mágicas e sedutoras, se conseguiriam impor a um público, que quero crer, era conhecedor do seu trabalho… ou pelo menos de alguns dos seus temas mais emblemáticos.

O concerto foi simplesmente excelente e fascinante. Ponto.

A banda fez desfilar praticamente todos os temas da sua discografia e ainda apresentou outros do seu próximo trabalho, a sair em Fevereiro do próximo ano, já com o nome escolhido de Singing Desperately Suite.

A forma como interpretam os seus temas ao vivo, é seguramente, a mesma com que os mesmos estão registados em cd ou vinil. São tão disciplinados na execução instrumental que nada há a apontar, restando-nos apenas a doce missão de fruir completamente das suas melodias e da voz única de Alexi Erenkov.

Diria que a magia destes The Saxophones reside essencialmente na mestria com que jogam com os silêncios nas suas composições. Há espaço e silêncio em todos os seus temas, consegue-se ouvir o respirar de cada um deles. Não se entenda este silêncio de que falo como apenas mero espaço entre instrumentos… falo do silêncio como mais um instrumento, o que é uma outra concepção da coisa.

O duo mostrou-se muito simpático e comunicativo, entre músicas, com o público, que de resto estava completamente rendido à banda. Foram bastantes os momentos de grande sentido de humor e boa disposição entre o casal, revelando que estavam espantados com a sala praticamente cheia, e que não tinham dúvidas que era a primeira vez que atuavam para tanta gente… aliado ao facto de que há umas horas atrás andavam em completo stress entre aeroportos, estar ali com tanta gente a assistir era algo surreal e inesquecível. Aproveitaram ainda para informar que andam em tour com o seu bebé, e que há um glamour diferente depois dos concertos, como acordar a meio da noite com o choro da criança. Gargalhadas gerais ecoaram.

A banda regressou, após o final do concerto, para um só encore, terminando com a canção que faltava – e que se impunha – e que era Just You. No final os três músicos foram brindados com uma demorada ovação por parte do público, como já tinha vindo a acontecer a cada uma das suas músicas anteriores. Completamente merecidas, de resto. A magia marcou presença na sala 2 do Hard Club, numa noite chuvosa de Inverno.

 

 

 

 

 

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas.

Porto’s young musician Joao. (just like that) was The Saxophones opening act, described by the promoter as a “promising musician”. This was his first concert and João told the audience in advance to forgive him any possible mistake during his performance, since nervousness prevailed, which is understandable and an acceptable reason.

And can be said of relevance about João.’s performance? I will start by talking about his repertoire. Not knowing his work beforehand, but had previously listening to three songs on the musician’s YouTube channel, the brief sample left me with the clear conviction that he is someone who is still looking for his sound; the three songs represent different strands of his tastes and influences, and listened briefly they do not seem to have a definite stylistic connection that allows to typecast his sound. Definitely pop with overhaul lounge music. The songs also show some mistakes (vocal and instrumental) and less well achieved compositional moments, but also it is perceived that if debugged they can prove themselves.

In such regard the great surprise was that, live, the musician revealed very simple and directly, another dimension of his creative possibilities. He played only with an acoustic guitar and, at times, with an electric guitar, aided minimal percussion and a drums rhythms (but very well executed) by an even younger friend, of whom I was not able to catch the name (in decades of live concerts I think it is the first time I remember seeing a drummer so young. I do not even risk guessing his age. Somewhere around pre-adolescence) and this formula was completely correct because it made it possible to highlight and impose his good voice, accompanied by the guitar. What seemed to me too “wrapped” and complicated by the production options of his three Youtube songs had been eliminated and I was definitely witnessing João. in a completely different very good quality registry.

João. has in his English songs his greatest asset; they work very well, his voice is captivating and has substance to launch the musician into a career. In the middle there was a song in Portuguese, in a way of singing that stylistically dates back to Portuguese 80’s rock, which allowed to understand that from such side nothing interesting or magical will come from, that is without any interest (to me, of course).

In conclusion, I’ll say it was a good concert debut concert. João. and his drummer friend did well on stage; there were good musical moments, and they especially pleased me with the simple and sincere formula they presented themselves on stage and there is definitely something there that better worked out can take this young musician to other levels.

Promising João. did nicely fulfilling with poise the difficult task of being The Saxophones’s opening act. The many applause from the audience at the end his performance validate my words

texto e fotos: Guilherme Lucas

 

Abriu a noite para os The Saxophones, o jovem músico portuense Joao. (é assim mesmo, só João com um ponto), descrito pela organizadora do evento como um “músico promissor”. Foi o seu primeiro concerto e João esclareceu antecipadamente a audiência que esta desculpasse qualquer eventual erro durante a sua atuação, já que o nervosismo imperava, o que é motivo atendível e compreensível.

E o que é que este João. tem de relevante para ser comentado a nível da sua atuação? Começo por falar do seu repertório. Desconhecendo, de todo, o seu trabalho antes deste concerto, mas escutando previamente três canções que o músico tem no seu canal do Youtube, fiquei, por essa breve amostra, com a clara convicção de que é alguém que ainda anda à procura do seu som; as três canções representam, cada uma delas, vertentes diferentes dos seus gostos e influências, e ouvidas de relance não tem aparentemente uma ligação estilística definida para se poder catalogar o seu som. É, isso sim, definitivamente pop, com travos de lounge music no geral. As mesmas evidenciam também ainda alguns desacertos (de voz e instrumentais) e momentos composicionais menos bem conseguidos, mas também se percebe que há ali qualquer coisa que pode vir a dar cartas, se depurado.

Nesse sentido a grande surpresa foi que, ao vivo, o músico revelou, de forma muito simples e direta, uma outra dimensão das suas possibilidades criativas. Tocou apenas com uma guitarra acústica e outras vezes com a guitarra elétrica, auxiliado nas percussões e numa bateria de ritmos minimais (mas muito bem executados) por um outro seu (ainda muito mais jovem) amigo, do qual não consegui fixar o nome (acho que deve ter sido, em décadas de concertos ao vivo a que assisto, a primeira vez que me lembro de ver um baterista tão jovem que nem arrisco em adivinhar a sua idade, mas que estará algures entre a pré-adolescência, por aí), e essa fórmula foi completamente acertada, pois possibilitou destacar e impor a sua boa voz, acompanhada à guitarra. Aquilo que me pareceu demasiado “embrulhado” e complicado pelas opções de produção das suas três músicas do Youtube, haviam sido eliminadas e estava definitivamente a presenciar um João. num registo completamente distinto e de muito boa qualidade.

João. tem nas suas canções em inglês o seu maior trunfo; funcionam muito bem, a sua voz é cativante, e tem substância para levar o músico para uma carreira. Houve lá no meio uma cantada em português, que serviu para perceber também que por aquele lado nada de interessante, ou mágico, vai conseguir obter, numa forma de cantar que remete estilisticamente para o rock português dos anos 80, ou seja, sem qualquer interesse (para mim, claro).

Para finalizar, direi que foi um bom concerto para uma estreia. João. e o seu amigo baterista, estiveram ambos muito bem em palco; houve bons momentos de música, agradou-me especialmente a fórmula simples e sincera como se apresentaram em palco e definitivamente há ali qualquer coisa que mais bem trabalhada, pode levar este jovem músico para outros patamares.

O promissor João. cumpriu muito agradavelmente, e com acerto, a difícil tarefa de abrir para os The Saxophones. As muitas palmas do público, no final da sua atuação, validam as minhas palavras.

Words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas

Marky Ramone, one of the four legendary drummers of the most influential and important band of all rock history (that’s right, truths are to be told), currently touring Europe with his private band Marky Ramone’s Blitzkrieg, presented himself on the last Portuguese show last Thursday (the first was the night before in Lisboa) at Hard Club before a crowd of, essentially, fans of the Ramones’ legacy.

Marky Ramone, as well as the two other only living Ramones (bassist Cj Ramone and drummer Richie Ramone – not Elvis Ramone, who only performed in two group concerts), currently use private bands to spread the Ramones’ legacy around the planet, those also being a way to keep alive important musical careers and a source of personal income since bills have to be paid. The legacy of the mythical group remains extremely current and perhaps stronger than before (at least at the merchandise level). In Brazil and Argentina the Ramones are an authentic religion. In the rest of the world not so much, but their recognition is universal and, therefore, somehow gigantic. There is this joke that if we were all fans of the Ramones, there would never be wars. Such truth.

Marky Ramone’s Blitzkrieg concert at Hard Club was simply brilliant. It was a major rock concert. For several reasons. One is to have made it possible to recognize (again) that the Ramones were a band completely out of the pack, fascinatingly different from all the others. They played for almost two hours without pausing between songs. Marky Ramone’s band was replicated it as a dogma. It is impressive and very exciting to watch live. Then, because this was also a concert at which all the classics were played, and some others from the band, in complete communion with what any Ramones fan would like to hear live. The Ramones always played for their fans with immense respect, and Marky continues to do so.

But, regardless of all the relevance and focus that Marky Ramone may have, it is in his vocalist, Spaniard Pela, from Submission City Blues, where the biggest surprise of the performance of the quartet lies. Pela is completely diabolic on stage, in the best of the punk-rock postures I have memory of (he is not Iggy Pop, nor a late Stiv Bators, but he is almost there in a different kind of posture). Master of an excellent voice (often able to replicate Joey’s original one) and of a better performance, and, unlike the static characteristically position of the iconic Joey Ramone, Pela makes a rampant party between band and audience . It is in Pela that lies the greatest performance difference between a Ramones‘s concert and Marky Ramone’s Blitzkrieg, since the bassist Martin (also a Spaniard), not being Dee Dee Ramone nor CJ Ramone, was quite alright and within what to be expected for this kind of performance.

On the other hand, Greg Hetson (The Circle Jerks guitarist and founder, and, later member of Bad Religion until 2013), special guest on guitar, proved on stage to be a very competent musician to play at the speed and energy of the Ramones (although NOBODY can come close to the greatest punk guitarist ever, Johnny Ramone) … and for the first time I saw in him  (like an acid trip) Pinhead playing guitar (because of the similarity of his face with the famous mask). Note: Pinhead was an element of the Ramones’ staff (usually a roadie) who wore a mask of a bald character, with a small face and with some mental retardation, based on the cult film Freaks (Tod Browning, 1932), and that in all the concerts of the band came onstage, dancing stupidly, to deliver to Joey Ramone a billboard that read Gabba Gabba Hey! It was the ritualistic form of the band to express to their unbalanced, marginalized, victims of bullying audience that came to their shows, that they as well could be a Ramone, and that they were accepted by the band.

Marky Ramone, a majestic figure, seated and surrounded by his drums, on a small stage that lifted him up so that he was always visible to the audience, showed in small but extremely important details how to play punk on drums. In his very own style (inherited from the first drummer Tommy Ramone), but also for his jazz influences, Marky is a great drummer, with immense personality. He is a Ramone!

The band played thirty-five tracks in a row, with no stops … aside for their only encore. There was a fantastic atmosphere between audience and band (aside from a brief moment when Marky interrupted the show and almost leave the stage, confronting a member of the audience that was presumably team). Nothing worthy of mention and the concert carried on until the end in complete madness with the usual scenes, pogo, mosh and headbanging among the audience. The usual at a punk concert and with the adrenaline at its highest.

By way of conclusion: Marky Ramone’s Blitzkrieg equals a reliable real punk show, transverse, to which no one is indifferent. The remaining living Ramones all have that degree of demand in their bands, and Marky has proven on stage that he knows very well how to keep alive the Ramones’s legacy for old and new generations.

That, to also say, that the Ramones are the second band that changed my whole life when I was 13-14 (the first were the Sex Pistols), and that I owe them practically everything I am today in the music world. The love I have for them is not possible to be described, it is something that belongs to me; it’s personal. The Ramones wanted to be bigger than the Beatles, and to me they are, because they were more influential than Liverpool’s four. Until 1974 the sound and way of playing guitar that Johnny Ramone invented and made popular didn’t exist. Today, the sound of his guitar is in every is rock band, from pop to metal. Also, for the simple reason that not everyone could aspire to play like the Beatles, since it is not an easy thing. But everyone can start a band and play like the Ramones. The Ramones simplified rock. They were a band that was completely revolutionary in origin and purpose. They still are.

texto e fotos: Guilherme Lucas

Marky Ramone, um dos quatro lendários bateristas da mais influente e importante banda de toda a história do rock (é isso mesmo, as verdades são para ser escritas), atualmente em digressão na Europa com a sua banda privativa (a Marky Ramone’s Blitzkrieg), apresentou-se na última data nacional, na passada quinta-feira, (a primeira tinha sido na noite anterior, em Lisboa), na sala do Hard Club, para uma multidão que era essencialmente fã do legado Ramones.
Marky Ramone, bem como os dois outros únicos Ramones vivos (o baixista Cj Ramone e o baterista Richie Ramone – aqui não entra Elvis Ramone, que só atuou em dois concertos do grupo), usam bandas privativas na atualidade para propalar o legado Ramones pelo planeta, sendo estas também uma forma de manter vivas carreiras musicais importantes e fonte de rendimentos pessoais, pois há que pagar as contas. O legado do mítico grupo continua extremamente atual e talvez mais forte do que antes (pelo menos a nível de merchandise). No Brasil e na Argentina os Ramones são uma autêntica religião. No resto do mundo nem tanto, mas o seu reconhecimento é universal e, por isso, algo gigantesco. Há aquela piada de que se todos fossemos fãs dos Ramones, jamais haveriam guerras. O que é uma completa verdade.
O concerto da Marky Ramone’s Blitzkrieg no Hard Club foi simplesmente brilhante. Foi um concerto maior de rock. Por variados motivos. Um deles é ter possibilitado reconhecer (mais uma vez), que os Ramones eram uma banda completamente fora do baralho, fascinantemente diferentes de todas as outras. Atuavam quase duas horas sem parar entre músicas. E isso foi replicado nesta banda de Marky Ramone como um dogma. É algo impressionante e muito excitante de se presenciar ao vivo. Depois porque foi também este, um concerto onde se tocaram todos os clássicos, e mais alguns, da banda, numa completa comunhão com o que qualquer fã dos Ramones gostaria de ouvir ao vivo. Os Ramones tocavam sempre para os seus fãs por imenso respeito, e o Marky continua nesse registo.
Mas, independentemente, de toda a importância e do foco que Marky Ramone possa ter, é no seu vocalista, o espanhol Pela, da banda Sumisión City Blues, que reside a maior surpresa da atuação do quarteto. Pela é completamente diabólico em palco, na melhor das posturas punk-rock de que tenho memória (não é um Iggy Pop, nem um falecido Stiv Bators, mas está quase lá, num outro tipo de postura). Senhor de uma excelente voz (em muitos momentos a conseguir quase replicar a voz original do Joey) e de uma melhor atuação, e, ao contrário de uma posição estática característica do icónico Joey Ramone, este Pela faz toda uma festa desenfreada entre banda e público. É em Pela que reside a maior diferença performativa entre um concerto dos Ramones e desta Marky Ramone’s Blitzkrieg, já que o baixista Martin (também um espanhol), não sendo um Dee Dee Ramone nem um CJ Ramone, esteve bastante bem e dentro do previsível para este tipo de atuação.
Por outro lado, Greg Hetson (guitarrista fundador dos The Circle Jerks e posterior membro dos Badreligion até 2013), convidado especial na guitarra, provou em palco ser um músico muito competente para tocar na velocidade e na energia dos Ramones (embora NINGUÉM consiga estar à altura do melhor guitarrista punk de sempre, o enorme Johnny Ramone)… e pela primeira vez vi nele, (qual visão “alucinada” de ácidos) o Pinhead a tocar guitarra (pela semelhança do seu rosto com a famosa máscara). Obs: O Pinhead era um elemento do staff dos Ramones (geralmente um roadie) que colocava uma máscara de um personagem careca, rosto pequeno e com algum atraso mental, baseado no filme de culto Freaks (1932, do realizador Tod Browning), e que em todos os concertos da banda entrava em palco, dançando de forma idiota, para entregar ao Joey Ramone um cartaz onde se lia Gabba Gabba Hey! Era a forma ritualística da banda expressar a todo o seu público de desequilibrados, marginalizados e vítimas de bullying que acorriam aos seus espetáculos, que também eles podiam ser um Ramone, e que eram aceites pela banda.
Marky Ramone, qual figura majestosa, sentado e rodeado pela sua bateria, num pequeno palco que o elevava de forma a que fosse sempre visível para todo o público, mostrou em pequenos pormenores, mas extremamente importantes, como se deve tocar punk numa bateria. No seu estilo muito próprio (herdado do primeiro baterista Tommy Ramone), mas também pelas suas influências jazzísticas, Marky é um grande baterista, com imensa personalidade. É um Ramone!
A banda tocou trinta e cinco temas seguidos, sem paragens… não contando com o único encore que fizeram. O ambiente foi fantástico entre público e banda (tirando um breve momento em que Marky interrompeu o espetáculo para quase sair de palco, confrontando um elemento do público que se estava a portar presumivelmente mal, e que foi prontamente retirado do recinto pelos seguranças). Nada de mais e o concerto prosseguiu até ao final em registo de completa loucura. As cenas habituais, pogo, mosh e headbanging entre o público. O habitual num concerto de punk e com a adrenalina no máximo.

Em jeito de conclusão: Marky Ramone’s Blitzkrieg é sinónimo seguro de um espetáculo de verdadeiro punk, transversal, em que ninguém fica indiferente. Os restantes Ramones vivos tem todos esse grau de exigência nas suas bandas, e Marky provou em palco que sabe muito bem como manter vivo o legado dos Ramones para velhas e novas gerações.
Isto também para dizer que os Ramones são a segunda banda que mudou toda a minha vida quando tinha 13-14 anos, (a primeira foram os Sex Pistols), e que devo a eles praticamente tudo o que sou hoje no campo musical. O amor que tenho por eles não é possível de ser descrito, é algo que fica para mim; é pessoal. Os Ramones queriam ser maiores que os Beatles (de quem eram fãs acérrimos), e para mim são-no, pois foram mais influentes do que os quatro de Liverpool. Até 1974 não existia a forma e o som de tocar guitarra que Johnny Ramone inventou e popularizou. Hoje, o som da sua guitarra está em tudo o que é banda de rock, desde pop a metal. E também pela simples razão de que nem todos podiam ambicionar tocar como os Beatles, já que não é coisa fácil. Mas todos podem começar uma banda e tocar como os Ramones. Os Ramones simplificaram o rock. Foram uma banda completamente revolucionária na sua origem e nos seus propósitos. Ainda o são.