words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Raquel Pinheiro
Who is there? Who is there? Who is There? Otelo, FP-25, Fascism everywhere. Why do you kill your son? Why don’t you say fuck off? Whois there? Who is there? Who is there? Politicians, bureaucrats, bankers, businessmen … … Otelo Saraiva de Carvalho. Who is there? Who is there? Who is there? Christmas, Easter, Allah’s bombs, April bombs. Who is there? Who is there? Who is there? Everything is rotten … Chaos, apocalypse, Otelo, FP-25 …)
With this urgent introduction, almost a ready-made register elevating the art of poetry of from what is generalist and apparently obvious, António Pedro Ribeiro gave the motto for another crazy incursion with Sireias to the world of mental imbalances, shock culture and chaos.
I no longer have any doubt considering Sereias as the only currently active band, with the most genuinely insane sound and attitude in Portugal – and perhaps also one of the few – in the rest of the world. And do not come to me with other bands and projects that can also compete in the same register niche, because almost all of them will always be within classic types of subgenres, sometimes rock, sometimes metal – or even others – but always in competition within similar registers, which is almost always the one of clichés and obvious formatting, already well-known and identifiable.
Sereias only play within their own league, invented by them. They are like a kind of today’s Velvet Underground, of our urban and social reality, strictly in the sense that they are unique and with a language of their own; the only alternative to them will always be to copy and try to replicate them. More than the moments of complete madness that are perceived throughout their performances, there is an urgent need for interaction with the band and their disorders, as to show that, after all, we are all insane and that we also want to participate in this discharge of dysfunctional energy, in search of catharsis and redemption. And this has always happened in their concerts.
Sereias are the post-punk band who invented post-madness.
“Quem está aí? Quem está aí? Quem está aí? Otelo, FP-25, Fascismo em todo o lado. Porque matas o teu filho? Porque não mandas tudo pró caralho? Quem está aí? Quem está aí? Quem está aí? Políticos, burocratas, banqueiros, empresários… Otelo Saraiva de Carvalho. Quem está aí? Quem está aí? Quem está aí? Natal, Páscoa, bombas de Alá, bombas abrilanas. Quem está aí? Quem está aí? Quem está aí? Está tudo podre… Caos, apocalipse, Otelo, FP-25”… Com esta introdução urgente, quase que em registo ready-made de elevação a arte poética do que é generalista e aparentemente óbvio, António Pedro Ribeiro, deu o mote para mais uma incursão demencial com as Sereias ao mundo dos desequilíbrios mentais, da cultura de choque e do caos.
Já não tenho dúvida alguma em considerar, neste momento, as Sereias como a única banda, em atividade, com o som e a atitude genuinamente mais insana em Portugal – e talvez também como uma das poucas – no resto do planeta. E não me venham acenar com outras bandas e projetos que também possam concorrer no mesmo nicho de registo, porque quase todas elas estarão sempre em tipologias clássicas dos subgéneros, ora do rock, ora do metal – ou até de outros – mas sempre em competição dentro de registos semelhantes, e que é quase sempre o dos clichés e o da formatação óbvia, já por demais conhecidas e identificáveis. Os Sereias só atuam dentro do seu próprio campeonato, inventado por eles. São como que uma espécie de Velvet Underground do nosso tempo, da nossa realidade urbana e social, estritamente no sentido em que são únicos e com uma linguagem própria; em que a única alternativa a eles passará sempre por os copiar e os tentar replicar. Mais do que os momentos de completa loucura que são percepcionados ao longo das suas atuações, há como que uma necessidade urgente de interação com a banda e com os seus distúrbios, como que para mostrar que afinal somos todos dementes e que também queremos participar dessa descarga de energia disfuncional, em busca da catárse e da redenção. E isso tem sempre ocorrido nos seus concertos.
Os Sereias são a banda post punk que inventou a post loucura.
It was the second time I saw Terebentina live, after their first and very promising concert at Rés-da-rua last January, this one being the fourth concert of band from Porto in such short time. To me, it turned out to be an opportunity for analyzing any differences occurred in relation to the initial impressions from their debut.
Decidedly they seemed to me much more musically cohesively, but above all much more intense performatively and dramatically gloomy in their performance, confirmed by the very good audience’s adhesion to the band ‘s performance. To this end, Guilherme Oliveira’s attitude change played a great role, in this concert he upon th classic performance of the dark and wild frontman within the typologies of underground rock’n’roll, unlike during the first concert in which (I presume) by conceptual choice, he spend whole concert seated. From all of the above, I clearly noticed an evolution (or positive difference, pick a choice) in the band, always an excellent finding. It seems that they also lost one member (the flautist), now being a sextet. The first time I find them extremely close to Sereia’s sound, this time I seemed to recognize a few different approaches, which although not yet enought to unstick them. give very promising clues to something different in the future.
Musically Terebentina are a post punk band, but within a typical no wave frame, in that sense the construction of their songs generally obeys to a completely free-jazz-punk- noise interpretation, in na apocalyptic and atonal register of what is – the apparent – structure of their compositions. The conception of the musically unrepeatable moment is also one of the defining lines of no wave [as a kind of random sounds ‘ collage in the now, many of which obtained as consequence of technology (noises, distortions) as an alternative aesthetic resource to the traditional path as far as the playing of an instrument is concerned].
But not everything is totally so in the group’s music; there is a part of Terebentina’s repertoire that already accuses the recognition pop’s typology structures , although always played within the no wave model. And it is in that part that, for me, the band has its real interest and, eventually, their best future progression area. Because it was precisely this that I recognized as special in their first concert – and that pleased me a great deal – and which in the latter seems to be consolidating itself, albeit here and there, and not yet as an objective tendency.
There is also, as it might be, a poetic part to emphasize to inTerebentina that, to me, seems quite interesting and deeply grim and and intimate. I say that it seems to me, because, so far, I’ve only been able to access the lyrics of O Outro, through the band’s Bandcamp … and I liked what I read.
After the concert, during na informal conversation with some of the band’s members (Guilherme Oliveira, Bruno Duarte and Francisco Oliveira), I learned that they are working on the release of their debut album, after had released their first single in March, with the song O Outro. They are part of an artists’s collective linked to Belas Artes do Porto, called O Bergado (the name is a private joke among them), and they recognize that the aesthetic and musical concepts applied in the band are also an extension of their artistic conceptions while artists. To give as many concerts as possible within said context is, of course, everyone’s wish.
Foi a segunda vez que vi ao vivo os Terebentina, após o seu primeiro e muito prometedor concerto no Rés-da-rua em Janeiro deste ano, sendo este já o quarto concerto da banda portuense neste curto espaço de tempo. Por isso resultou para mim como que uma oportunidade de análise sobre eventuais diferenças ocorridas em relação às impressões iniciais, aquando da sua estreia.
Decididamente pareceram-me desta vez bem mais coesos musicalmente, mas acima de tudo performativamente muito mais intensos e dramaticamente lúgubres na sua atuação, confirmada pela muito boa aderência do público à atuação da banda. Para isso contribuíu muito a mudança de postura do seu vocalista, Guilherme Oliveira, que neste concerto assumiu toda uma atuação clássica de frontman obscuro e selvagem dentro das tipologias do rock’n’roll underground, ao contrário do primeiro concerto em que (presumo), por opção conceptual, fez todo o concerto sentado. Por tudo isto, notei claramente uma evolução (ou diferença positiva, é escolher), na banda, o que é sempre uma excelente constatação. Parece que também perderam um elemento (flautista), passando a ser agora seis elementos. Da primeira vez considerei-os extremamente colados à sonoridade de uns Sereias, mas desta vez pareceu-me reconhecer algumas abordagens diferentes, que embora não sejam ainda as suficientes para conseguir descolar, dão pistas muito prometedoras para algo de distinto no futuro.
Os Terebentina são uma banda musicalmente post punk mas num enquadramento típicamente no wave, e nesse sentido a construção dos seus temas obedece geralmente a uma interpretação completamente free jazz/punk/noise em registo apocalíptico e atonal do que é – a aparente – estrutura das suas composições. A concepção pelo momento musicalmente irrepetível é também uma das linhas definidoras da no wave (como que uma espécie de colagem aleatória de sons no momento, muitos deles obtidos por consequência da tecnologia (ruídos, distorções) como recurso estético alternativo à via tradicional, no que à interpretação de um instrumento diz respeito).
Mas nem tudo é totalmente assim na música do grupo; há uma parte do repertório dos Terebentina que já acusa o reconhecimento de estruturas de tipologia pop, embora sempre interpretadas dentro deste modelo no wave. E é nesta parte que a banda tem, para mim, o seu real interesse e eventualmente o seu melhor campo de progressão futura. Porque foi precisamente isso que reconheci de especial no seu primeiro concerto – e que me agradou bastante – e que neste último parece estar a consolidar-se, ainda que a espaços, e não ainda como uma tendência objetiva.
Há também, como não podia deixar de ser, uma parte poética a destacar nos Terebentina que me parece bastante interessante e profundamente soturna e intimista. E digo que me parece, pois só consegui até ao momento aceder à letra do tema O Outro, pelo bandcamp da banda… e gostei do que li.
Finalizado o concerto, e em conversa informal com alguns dos elementos da banda (Guilherme Oliveira, Bruno Duarte e Francisco Oliveira), soube que estão a trabalhar na edição do seu primeiro álbum de estreia, após o lançamento em Março do seu primeiro single, com o tema O Outro. Fazem parte de um coletivo de artistas ligados às Belas Artes do Porto, denominado de O Bergado (o nome é uma piada privada entre eles), e reconhecem que os conceitos estéticos e musicais aplicados na banda são também eles uma ampliação das suas concepções artísticas enquanto artistas plásticos. Dar o máximo de concertos possíveis neste contexto, é, naturalmente, o desejo de todos.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Raquel Pinheiro
I really enjoyed Nu No & FT’s concert for several reasons. Firstly, because I had already seen them in late 2017 at Maus Hábitos, and although I had identified many aspects of their performance that are dear on na aesthetic and musical level, I found that there was a lack of connection between the intensity of the proposal and the content proposed and exposed. This time, everything happened perfectly and amazingly for me. It was simply excellent.
To decode and simplify Nu No & FT’s’ proposal, one must always start from the project’s key point: it is eminently literary, artistic and conceptual. To ignore that side, by procrastination or another [reason] is to forgo to understand it with more clarity and objectivity. In its aesthetic and philosophical inspiration, it uses avant-garde and artistic breakthrough movements such as Dadaism, Pop Art or Fluxus. The voice is used as an instrument itself, with immense possibilities of application, coupled with radical aesthetic concepts, many of them situated around Surrealism, makes it to be used in large part in pre-language concepts, also appealing to a physiological and physical description of emotions in the exercise of that same language. As a consequence of this approach, there is clearly also a very direct connection with theater and other performing arts as well as with phonetic poetry.
And then, of course, there also a whole project that is musical and that, in my opinion, is very well executed, not only in relation to the music itself, but above all, because of the perfect interconnection of the two musicians on stage. Nu No is an unusual performer – and I venture to claim unique, within his genre – very specific and very distiinct. The sort one sees one or two every decade … with luck. As I have already mentioned it was an excellen performancet, due to all the engagement the two musicians (Pedro Centeno in the programming part), managed to create with the audience; I liked them and it noticed at the end of each theme, with the many applause gushing thank you. I also liked the relatively short performance, that was quite intense and very well carried. There is a lot of Foetus and Blixa Bargeld: Blixa Bargeld in this format that I saw performed, and for me, that for me, na open fan of both, obviously cause for great contentment.
At the end of the concert I had a very interesting conversation with Nu No – Nuno Marques Pinto – (an extremely nice and educated person), so that, informally, I would get answers to some questions that I would like to see clarified. When I asked if there was a link between his project and some of Einstürzende Neubauten ‘smaterial, especially some of of Blixa Bargeld ‘s solo work (which I consider similar), Nuno answered affirmatively, but not via Blixa, but through all disruptive artistic movements that are common to both. I liked the answer. We talked about possible connections of a more recent musical past in Portugal in which the musician saw himself more, both on a personal taste level as well as of his project. Names like João Peste, Ama Romanta, Nuno Canavarro, Mler Ife Dada, Moeda Noise, Sei Miguel and Fala Mariam, Paulo Eno and his Objectos Perdidos were some of the most mentioned and suject to a closer analysis.
Nu No & FT become one of the projects that I will obligatorily follow in its next chapters.
Gostei imenso do concerto de Nu No & FT por várias razões. Primeiro porque já os tinha visto em finais de 2017 nos Maus Hábitos – Espaço de Intervenção Cultural, e embora tivesse identificado muitos aspetos na sua atuação que me são queridos a nível estético e musical, achei que faltou alguma ligação entre a intensidade da proposta com o conteúdo proposto e exposto. Desta vez, e para mim, tudo aconteceu de forma perfeita e surpreendente. Foi simplesmente excelente.
Para descodificar e simplificar a proposta de Nu No & FT, temos sempre de partir obrigatoriamente do ponto essencial de todo este projeto: é algo eminentemente literário, artístico e conceptual. Ignorar esta parte por procrastinação ou outro é abdicar de entender com mais clareza e objetividade o mesmo. Este recorre, na sua inspiração estética e filosófica, a movimentos de vanguarda e de rutura artística como o Dadaísmo, a Pop Art ou o Fluxus. A utilização da voz como um instrumento em si mesmo, com imensas possibilidades de aplicação, aliada a conceitos estéticos radicais, muitos deles situados na área do Surrealismo, faz com que a mesma seja utilizada em grande parte em conceitos de pré-linguagem, apelando por isso também a uma descrição fisiológica e física da emoção no exercício dessa mesma linguagem. Há claramente, também por consequência desta abordagem, uma ligação muito direta com o teatro e com outras artes performativas, bem como com a poesia fonética. E depois há naturalmente também todo um projeto que é musical e que é, a meu ver, muito bem executado, não só no que à música em si diz respeito, mas acima de tudo pela perfeita interligação dos dois músicos em palco. Nu No é um performer invulgar – e arrisco a afirmar que único, dentro do seu género – que é muito específico e muito singular. Do género que se vê um ou dois em cada década… e com sorte. A atuação foi excelente como já referi, por toda a envolvência que os dois músicos (com Pedro Centeno na parte das programações), conseguiram criar com o público; este gostou deles e percebia-se isso no final de cada tema, com as muitas palmas de agradecimento efusivo. Gostei também do tempo relativamente curto de atuação, mas que foi completamente intensa e muito bem conseguida. Há muito de Foetus (official) e de Blixa Bargeld Offizielle Seite: Blixa Bargeldneste formato que vi em atuação, e para mim, que sou fã declarado dos dois, é obviamente motivo de enorme contentamento.
No final do concerto, tive uma muito interessante conversa com Nu No – Nuno Marques Pinto – (um tipo extremamente simpático e culto), de forma que, informalmente, obtivesse resposta para algumas questões que gostaria de ver esclarecidas pelo próprio.
Quando perguntei se encontrava ligação entre o seu projeto e algum do material dos Einstürzende Neubauten, mas sobretudo com algum do trabalho a solo de Blixa Bargeld (que considero similar), Nuno respondeu afirmativamente, mas que não por via do Blixa, mas sim por todos os movimentos artísticos de rutura que são comuns aos dois. Gostei da resposta. Falamos de possíveis ligações num passado musical mais recente em Portugal em que o músico mais se revisse no seu gosto pessoal mas também do seu projeto. Nomes como João Peste, Ama Romanta, Nuno Canavarro, Mler Ife Dada, Moeda Noise, Sei Miguel e Fala Mariam, Paulo Eno e os seus Objetos Perdidos, foram alguns dos que foram mais referidos e objeto de análise mais atenta.
Nu No & FT passa a ser mais um dos projetos que vou seguir obrigatoriamente nos seus próximos episódios.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas
Christian Death are one of those rock groups that are unique and perfect to be the subject of an in-depth analysis by any underground rock lover. Not only because they have a very extensive and varied quality discography but also because their entire existence is, to this day, haunted by the presence of its founder Rozz Williams, who initially formed the band by “merging” with the musicians of another band – Pompeii 99 – in an attempt to give a second life to the group.
But from then on, there is an history of musicians coming in and out, culminating with the departure of Rozz himself, claiming tour exhaustion. Valor Kand inherits the band and steers it until today, dispite undergoing judicial storms (won) about a later dispute for the name Christian Death, when Rozz Williams’s new return to the stage, who, again, reclaimed to himself the group that he had created. It is the whole set of eccentric personalities that have passed through the band that gives it its unique imprint, as is the case of Eva O and Gitane Demone. And then, there Rozz Williams’ suicide, April 1st, 1998, done in na enigmatic and cinematic fashion that serves to increase the band’s dark history.
If one connects all that with an anti-religious discourse against established morality,of sex, drugs and pure debauchery and perversion, with shocking initial performances, as well as the connection to the occult and magic of some of its members a long time ago, like the 80s, it can be understood why Christian Death are a pioneering and revolutionary band in lots of what is nowadays current practice in some underground market niches, where many bands that, far beyond them, have reached world success.
If, in its origins, the group owes much to Alice Cooper or David Bowie, to Roxy Music or to The Stooges (assumed at the time as structural influences), it can also be said that without Christian Death, bigger and current names like Nine Inch Nails, Marilyn Manson, or even Diamanda Galas would not have been the same, as they also are aesthetic consequences of this group.
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With a stage serenely decorated with red roses, that involved every stand hardware and the drums, as well as a small memorial dedicated to the founding member of the American band – Rozz Williams – Christian Death, the founders of the American deathrock scene , performed in Hard Club’s Sala 2, their only gig in Portugal included in their current European tour, called the Romantic Death Euro Tour.
They began the show with a long introspective solo, like an intro, and with conviction, attacked with the theme The Nascent Virion, giving the motto to what was to follow. It is with the second theme that the group, managed by guitarist-vocalist Valor Kand, reaches depth and eloquence. Penitence Forevermore is possibly the biggest theme of their latest work, from 2015 album’s The Root of All Evilution, it’s a completely overwhelming theme regardless of the aesthetics in which it is inserted.
From then on, there have been other equally perfect themes as far as intensity of emotions is concerned, highlighting We Have Become (the main riff and the doom tempo are completely and delightfully Black Sabbath; all it takes is listening to it and compare it with Black Sabbath’s theme ); Secrets Down Below, Worship Along The Nile and Iluminazi, on all these themes, Maitri, the bassist- vocalist is just perfect … and fabulously sexy. In the end, and after a much requested encore by the audience, the band withdrew definitively, despite the efforts for them to return for one more theme.
The Christian Death that I saw at Hard Club are a very solid stage band stage, but they do what is strictly necessary to keep a rhythm balanced between themes, that is, they are very directed to offer a concert within a very specific aesthetic, deathrock and gothic. In that sense, since they are not highly evolved instrumentalists (one is often thankful for it, as in the case at hand), they can do a very good job at a collective level. They have in their bass player, the very exuberant Dutch Maitri, a powerful voice, in a soul registry, that dominates the entire spectrum of the songs when she is called to intervene.
I recognize that it is upon drummer Jason Frantz (a non-permanent member) that lives much of what the band reflects live … let’s say he is the one who holds the entire structure and accentuates the details of each theme. And Valor Kand is the band’s warrior and brains, the one who on nights like this pays tribute to the memory of their founder. His solos and electric guitar sound define a whole aesthetic of deathrock subgenre, and in such, he is one of the few existing masters. One can not ask for more than this.
Os Christian Death são daqueles grupos de rock únicos e perfeitos para ser alvo de uma análise aprofundada por qualquer amante de rock underground. Não só porque tem uma discografia de qualidade, muito extensa e variada, mas também porque toda a sua existência é assombrada até aos dias de hoje pela presença do seu fundador Rozz Williams, que forma inicialmente a banda por “fusão” com os músicos de uma outra banda – Pompeii 99 – numa tentativa de dar uma segunda vida ao grupo.
Mas a partir daí é todo um historial de saídas e entradas de músicos, culminando com a saída do próprio Rozz, alegando esgotamento de tours. Valor Kand herda a banda e dirige-a até à atualidade, embora tenha passado por tormentas judiciais (ganhas) de posterior disputa do nome de Christian Death, aquando de um novo regresso aos palcos de Rozz Williams que reclamava para si de novo o grupo que havia criado. É também todo um conjunto de personalidades excêntricas que passaram pela banda que lhe dá um cunho único, como é o caso de Eva O e Gitane Demone. E depois há o suicídio de Rozz Williams no dia 1 de Abril de 1998, feito de forma enigmática e cinemática e que serve para aumentar o histórico negro da banda.
Se ligarmos tudo isto a todo um discurso antireligioso e contra a moral instituída, de sexo, drogas e pura devassidão e perversão, com performances iniciais chocantes, bem como a ligação ao oculto e à magia de alguns dos seus membros para uma época já longínqua no tempo, como foram os 80, entende-se porque os Christian Death são uma banda pioneira e revolucionária em muito do que hoje em dia é prática corrente em alguns nichos de mercado do underground, onde muitas bandas que, muito para além deles, atingiram sucesso planetário.
Se o grupo nas suas origens deve muito a um Alice Cooper ou David Bowie, a uns Roxy Music ou a uns The Stooges (assumidos na época como influências estruturais), podemos também dizer que sem os Christian Death, nomes maiores e atuais como uns Nine Inch Nails, um Marilyn Manson, ou até uma Diamanda Galas não teriam sido a mesma coisa, pois são também eles consequência estética deste grupo.
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Com um palco decorado serenamente a rosas vermelhas, que envolvia tudo o que era ferragens de tripés e bateria, bem como um pequeno memorial dedicado ao membro fundador da banda norte-americana – Rozz Williams – os Christian Death, fundadores da cena deathrock norte-americana, apresentaram-se em concerto na sala 2 do Hard Club, na sua única data em Portugal da sua atual tour europeia, denominada de Romantic Death Euro Tour.
Iniciaram o espetáculo com um longo solo introspetivo, em jeito de intro, e atacaram com convicção o tema The Nascent Virion, dando o mote ao que se seguiria. É com o segundo tema que o grupo, gerido pelo guitarrista/vocalista Valor Kand, atinge profundidade e eloquência. Penitence Forevermore é, eventualmente, o tema maior do seu último trabalho, datado de 2015, o álbum The Root of All Evilution, e é um tema completamente arrebatador, independentemente da estética em que está inserido.
A partir daí, sucederam-se outros temas igualmente perfeitos no que à intensidade das emoções diz respeito, destacando We Have Become (o riff principal e o andamento doom é completamente e deliciosamente Black Sabbath; é ouvir e fazer a comparação com o tema Black Sabbath); Secrets Down Below, Worship Along The Nile e Iluminazi, onde em todos estes temas, Maitri, a baixista/vocalista é simplesmente perfeita… e fabulosamente sexy. No final, e após um encore muito pedido pelo público, a banda retirou-se definitivamente, pese os esforços do mesmo para que regressassem para mais um tema.
Os Christian Death que vi no Hard Club são uma banda muito sólida em palco mas que só faz o estritamente necessário para manter toda uma cadência equilibrada entre temas, ou seja, estão muito direcionados para oferecer um concerto dentro de uma estética muito específica e que é deathrock e gótica. E nesse sentido, não sendo instrumentistas muito evoluídos (muitas vezes agradece-se isso, o que é o presente caso), conseguem executar um muito bom trabalho a nível coletivo. Tem na sua baixista, a muito exuberante holandesa Maitri, uma poderosa voz, em registo soul, que domina todo o espetro das músicas quando é chamada a intervir.
Reconheço que é no baterista Jason Frantz (membro não permamente) que reside muito do que a banda reflete ao vivo… digamos que é quem segura toda a estrutura e acentua os pormenores de cada tema. E Valor Kand é o guerreiro e o cérebro da banda, aquele que em noites como esta, presta tributo à memória do seu fundador. Os seus solos e som de guitarra elétrica definem toda uma estética do subgénero deathrock, e nisso é um dos poucos mestres existente. Não se pode pedir mais do que isto.
Beats, loops, pre-recorded sounds with added live effects and manipulations, is what can be listed to on a André Fonseca live set/concert. Fonseca’s electronics are pleasant, ranging from more experimental landscapes to a dancable ones, always without going to extremes.
Personally, what fascinates me the most with this kind of music, is, literally, the assemblage of the gear, its interactions and the manipulations of the various devices on a live context.
Candelabro was a perfect place to watch those. There is no stage, the artist gear and hands are visible, allowing the observer, if interested, to see what is being done.
There is however, one risk with this type of music, especially in the evening in places that are also bars/clubs, at a point, people start to talk, spipping their drinks, turning their attention off the musician. Even because, if the venue is full, it can be hard to know if the music is live or a DJ/the venues’ ambient music.
Regardless of how many Sereias concerts one sees, they are never alike, even if, paradoxically, it is always possible to know it them that are playing.
The differences, often, aren’t so much on the general structure, but more on the details, the type of little and bigger inserts, the toning the always overwhelming frantic, chaotic, but controlled, energy, a notch down or up, and in adapting themselves to the venue and audience.
At Candelabro, a small place, from where the usual tables and chairs had been removed, they were staggering, hypnotic, rapturing the audience that was going along the band’s flow, at times, as berserked as Sereias.
Split in two parts, a very intense, breathless, noisy, furious, with manic drums, bass and electronics at full speed wreaking havoc, the guitar’s metallic, acute, spasm throwing confusion, the saxophone adding another lawyer to the intensity, and the vocals, floating equally on a tone of insanity. The “second half”, could be called calmer, more peaceful, even if calm and peace, with Sereias, are euphemisms, but some parts were quieter, especially the theme before the last one, where the saxophone shone, and, then was absent on the final track.
Sereias’ music always affects the audience that absorbs it, mimicking the feelings conveyed by the band. It is impossible to watch them and remain the same.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas
Summer of Hate, a band (I presume) from Porto or Greater Porto, gave a good concert last Thursday at Woodstock 69. I liked the band for two reasons: the first one being the very pleasant (indirect) realization that there are live projects like this one in Porto, that very interesting and extremely valid – refreshing, even – within certain types of rock’s subgenres, the second being because they already show a strength and a good direction, that to continue, will certainly result in very good things, perhaps directed to a broader audience within the underground.
Essentially, Summer of Hate are and artistic project from their mentor’s, musician João Martins, turned into a band, started in 2017 under the influence of Californians The Brian Jonestown Massacre. This influence is clearly understood in Summer of Hate’s sound, but I would say that live , the band sounds more like Suicide or Spacemen 3 (they are the best known and most obvious to avoid the drudgery of quoting other more current names), and I recognized in their last theme bits of Dirty Beaches (I end up mentioning one of the most current ones).
Those references that I point out are obvious in the band’s sound, but also obvious in their connections to each other. This project is psychedelic (as if anything else was possible), but within a completely rock’n’roll approach, using programming and keyboards, complemented by electric guitars with many effects, in order to create distinct sound layers in eternal hypnotic loops towards a long journey through the night, or the Cosmos (pick a choice), interspersed with sporadic vocals cloned in the best fashion after the great Alan Vega.
In short, one can consider post-punk’s sound, even a synthpunk one in psychedelic register. Summer of Hate are clearly in championship Suicide’s (who invented much of the sound that the band practices) heirs and, therefore, what will be asked to the ban is that throughout its path, tthey ry to renew that heritage. From what I’ve been given to see, they’re on the right track.
dreamweaponofficial dreamweapon are a project of enormous quality, with a depth and intensity worthy of reference. The concert offered by the band was always guided by great discipline and perfect connection between its two members, leading us to a fantastic and time-consuming journey, completely psychedelic and emotive. There is something deliciously tribal and mantric in their sound that immediately imprisons us; the guitar solos are absolutely magisterial and extremely well placed.
Then there is a whole clever resource to distorted and ambient drones, that work flawlessly. When a band manages to elevate me to other sensory and perception places for some good moments, knowing that I have always been physically in front of them and not having taken psychotropics or similar things, then this happens because the band is very good and fulfills its recreational function in an examplary way. Their sound references krautrock, post punk, industrial music and even electronic music. It should be noted that the band ‘s bass player, André Couto andrelopescouto, is also 10,000 Russos’ bass player. Have a good trip!
Os Summer of Hate, banda (presumo) do Porto ou Grande Porto, deram um bom concerto na passada quinta-feira, no Woodstock 69. Gostei da banda por dois motivos: o primeiro pela muito agradável constatação (indireta) de que há projetos vivos como este na Invicta e que são muito interessantes e extremamente válidos – e até refrescantes – dentro de certos tipos de subgéneros do rock, e o segundo motivo porque já exibe uma pujança e uma boa direção, que a continuar, vai certamente resultar em coisas muito boas, e quiçá, direcionado para públicos mais amplos ao underground.
Os Summer of Hate é essencialmente um projeto artístico, feito banda, do seu mentor, o músico João Martins, iniciado em 2017 sobre a influência dos californianos The Brian Jonestown Massacre. Entende-se claramente essa influência no som dos Summer of Hate, mas diria que a banda soa ao vivo mais a Suicide ou Spacemen 3 (são os mais conhecidos e os mais evidentes para evitar a estafa de citar outros nomes mais atuais), e reconheci no seu último tema algo de Dirty Beaches (afinal citei um dos mais atuais).
Estas referências que aponto são óbvias no som da banda, mas também óbvias entre si, nas suas ligações. Este projeto é psicadélico, (como não podia deixar de ser), mas numa abordagem completamente rock’n’roll, usando programações e teclados, complementados por guitarras elétricas com muitos efeitos, de forma a criar camadas sonoras distintas em eterno loop hipnótico rumo a uma longa viagem pela noite ou pelo Cosmos (é escolher), entremeada com vocalizações esporádicas que são clonadas ao melhor estilo de um genial Alan Vega.
Abreviando a coisa, podemos considerar o som de post punk e até de synthpunk em registo psicadélico. Os Summer of Hate estão claramente no campeonato dos herdeiros dos Suicide (que inventaram muito do som que a banda pratica) e por isso o que se exigirá ao grupo, é que ao longo do seu percurso, tente renovar esta herança. E pelo que me foi dado assistir, estão no caminho certo para isso.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro ); photos: Guilherme Lucas
Canadian band METZ, on an European tour to promote their Strange Peace, their latest album gave a tremendous concert … tremendous isn’t enough, let’s say colossal, to do it justice. The noise rock- post grunge- hardcore trio of is completely breathtaking live. The sound they charge with is brilliant and surprises not only because of the enormous control they show in the overall performance of their repertoire, but mostly in constancy, expressing every detail of each theme. If there is one important thing rock guitarists candidates for today’s underground can learn from them is the imaginative and tremendously good use of distortion by the band’s mentor, guitarist and vocalist Alex Edkins, a genius.
Without further delay and going straight to the heart of the matter: live, METZ very rarely flee from the sonic archetype of Mudhoney, Sonic Youth, but above all of, Nirvana. That is also very noticeable in the energy they emanate, and in all the intelligent dosage of the different intensities they control. I know the band recognizes this reading by their fans and the press and does not see it as a problem, since those are classic influences on their sound’s growth. But as much as one wants to distance from this type of models, live, the band is completely grunge and insane in a very Nirvana way. For me that is great (because I am a self-confessed fan of this type of rock subgenre), and because they are so convincingly superior continuing that heritage today, innovating and revitalizing it. I do not have the slightest doubt considering them one of the biggest names in the post-grunge scene as an example of Nirvana’s legacy.
But are Nirvana all there is to their music? Of course not; I find in it amazing things that range from PIL to Killing Joke, as well as an whole universe subsequente to those aforementioned, but that in some way, always are names with “minor” status, like The Melvins, Black Flag, Big Black or even Dinosaur Jr. METZ are not clones, they have their own game and their own sound, but the colors they wear are the ones I pointed out. As it can be understood, the audience surrended to the band’s brilliant performance, andd I think too thristing, when they ended their performance. They returned to the stage for another theme (which wasn’t enough), and broke everything that was already in pieces, without taking any prisoners. They left in glory. This is my final: when the Metz return- and if you like proper rock – the type that gives meaning to life … do not lose them, it is forbidden.
texto e fotos: Guilherme Lucas
Os canadianos METZ, que andam em tour europeia a promover o seu último trabalho Strange Peace, deram um enorme concerto… enorme é pouco, digamos que colossal, para fazer a devida justiça. Este trio de noise rock/post grunge/hardcore é completamente arrasador ao vivo. O som que debitam é genial e surpreende não só pelo enorme controle que demonstram na execução geral do seu repertório, mas sobretudo pela sua constância, de forma expressiva, de todos os pormenores de cada tema. Se alguma coisa de importante os candidatos a guitarristas de rock underground da atualidade podem aprender com eles é na utilização imaginativa e de enorme bom gosto da distorção por parte do seu mentor, o guitarrista e vocalista Alex Edkins, um génio.
Sem mais delongas e indo diretamente ao centro do assunto: os Metz ao vivo muito raramente fogem do arquétipo sonoro de uns Mudhoney, Sonic Youth, mas acima de tudo de uns Nirvana. Isso é também muito notório na energia que emanam, e em todo o inteligente doseamento de diferentes intensidades que controlam. Sei que a banda reconhece esta leitura por parte dos seus fãs e da imprensa e não vê nisso um problema, pois são influências clássicas no crescimento do seu som. Mas por mais que se queira distanciar deste tipo de modelos, ao vivo a banda é completamente grunge e demencial num registo muito Nirvana. Para mim isso é ótimo (pois sou fã confesso deste tipo de subgénero de rock), e porque são tão convictamente superiores a prosseguir na atualidade essa herança, que a inovam e a revitalizam. Não tenho a mais pequena dúvida em os considerar um dos maiores nomes atuais da cena post grunge a renovarem de forma exemplar o legado de uns Nirvana.
Mas há só Nirvana na música deles? Óbvio que não; encontro nela coisas surpreendentes que vão de PIL a Killing Joke, passando por todo um outro universo posterior aos citados, mas que de alguma maneira, são sempre nomes com estatuto “menor”, como uns Melvins, Black Flag, Big Black ou até uns Dinosaur Jr. Os Metz não são clones, tem o seu próprio jogo e o seu próprio som, mas as cores que vestem são as que assinalei. Como se consegue perceber, o público ficou rendido à brilhante atuação da banda e acho que sequioso de mais, quando esta deu por finalizada a sua atuação. Regressaram ao palco para mais um tema (que soube a muito pouco), e partiram tudo o que já estava em cacos, sem fazerem prisioneiros. E saíram em glória. O meu conselho final é este: quando os Metz regressarem aqui ao cantinho – e se gostam de rock como deve de ser – daquele que dá sentido à vida… não os percam, é proibido.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro ); photos: Guilherme Lucas
American band Moaning, literally one of Sub Pop ‘s the youngest promises, opened the hostilities for the Metz. This was the their second night of the European promotion tour of their self-titled debut album, Moaning gave a good concert. This very (very) young band has a curious sonority, namely: they mix many influences within the alternative rock in which we become familiar during the last decades (mainly the 80s and 90s), and, in a certain way, they manage to offer a customized final product and with good themes to reach several different leagues – among them radios, as well as an audience public that bets on devising new tendencies that are about to be confirmed, that is, interested in new hypes.
It is undeniable that many of the trio’s most relevant influences are post-punk; keyboards, bass lines that often remind us of New Order … and in many of the seemingly uncommitted, fragile, and abandoning vocals of their vocalist /guitarist Sean Solomon, it is often recognizable a not sloopy haunting in Ian Curtis ‘s the vocal record. But, to make things easier, Interpol can be easily refered as a more recent and up-to-date sound statement, and everything gets better defined and without much doubt to debate. However the bandn’t stop here, it also creates some punk- grunge hits (more leaning towards pop), it is in this combination that it offers us some pop-rock pearls of teen angst. On stage , the band demonstrates a lot of competence in the interpretation of their themes, also showing a degree of “nerdiness” sufficiently attractive to captivate a young fan of bands outside the pack.
In reality they are a genuine pop-rock band, and in my opinion, very promising beyond what seems obvious. There have themes that work, they have songs … therefore, they have valuable things to be listened and appreciated by many. As I mentioned before, they gave a good concert; much of the audience reacted well to the band, but in the end I retained the idea that this was more a growth concert than a clarified definition of the group; I’m not sure if they are outstanding, or just another bet on a band with a very limited time interest. The band’s next work will certainly answer that doubt of mine.
Os norte-americanos Moaning, literalmente uma das mais jovens promessas da editora Sub Pop, abriram as hostilidades para os Metz. Sendo esta a sua segunda noite da tour europeia de promoção do seu álbum homónimo de estreia, os Moaning deram um bom concerto. Esta (muito) jovem banda tem uma sonoridade curiosa, a saber: misturam muitas influências dentro do rock alternativo que nos são familiares ao longo das últimas décadas (principalmente anos 80 e 90), e de certa forma, conseguem oferecer um produto final personalizado e com bons temas para atingir vários campeonatos diferentes – entre eles as rádios bem como um público que aposta em endeusar novas tendências que estão por se confirmar, ou seja, interessados em novos hypes.
É inegável que muitas das influências mais relevantes do trio encontram-se no post punk; os teclados, as linhas de baixo que lembram em muitos momentos os New Order… e em muitas das vocalizações aparentemente descomprometidas, frágeis e de abandono do seu vocalista/guitarrista Sean Solomon, reconhecemos em muitos momentos um assombramento que não é displicente no registo vocal de um Ian Curtis. Mas para facilitar a coisa podemos sem problema algum referir uns Interpol como uma indicação sonora mais recente e atual, e tudo fica mais bem definido e sem muitas dúvidas para debater. No entanto a banda não se fica por aqui, ela faz investidas também em algum punk/grunge (na vertente mais pop), e é nesta combinação que nos oferece algumas pérolas pop/rock de angústia adolescente. A banda demonstra em palco muita competência na interpretação dos seus temas, evidenciando também um grau de “nerdismo” suficientemente atrativo para cativar público jovem fã de bandas fora do baralho.
Na realidade são uma genuína banda pop/rock, e na minha opinião, muito prometedora para além do que parece ser evidente. Tem temas que funcionam, tem canções… logo tem coisas com valor para ser escutadas e apreciadas por muitos. Como referi atrás, deram um bom concerto; muito do público presente aderiu muito bem à banda, mas no final retive mais a ideia de que este foi mais um concerto de crescimento do que de definição esclarecida do grupo; fica-me a dúvida se estamos perante uns fora de série, ou só mais uma aposta numa banda com interesse muito limitado no tempo. No próximo trabalho da banda terei certamente a resposta a esta minha dúvida.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro ); photos: Guilherme Lucas
BEESUS and Italian band from Rome, gave their first ever concert in Portugal last Tuesday at Woodstock 69. They are on an European mini-tour during April, and this was a good opportunity for see them and draw some live conclusions about the quartet. Records wise the group demonstrates to be a band that fuses several subgenres of today’s heaviest underground rock, having a bit of everything to offer to a vast audience within the underground.
Essentially, I would say that they make a very good connection between doom and stoner rock, but many more things stand out in their music. There is grunge, some metal (more on the post metal strand, although there are also old school things), hardcore punk (more leaning towards sludge)… and a lot of fuzz and psychedelia, – although they are not a band of cosmic travels band and such – theirs is more immediate and more based on devastatingly slow, crude and hypnotic tempus (at times there are references to the Swans, but more to sounds that are somehow very familiar to those that are into this sound spectrum). As far as I am concerned, I have identified many moments that owe everything to The Rollins Band (later confirmed by the band as a very important reference in their sound). There is a lot of punk in the attitude of the band, which is notorious live. Beesus gave a very good concert, with many good moments; some truly intense and abrasive.
The audience completely embraced the band’s intensity and enthusiastically thanked the band for its presence on an unusual day for live concerts, as a Tuesday always is. After the end of the show, exchanging some impressions, with the band’s guitarist, Francesco Pucci (also the guitarist of Italian band FVZZ POPVLI, a heavy psych band), he commented on the band’s happiness about their gig in Portugal, and the importance of the first time for a band that is progressing and growing a lot based on performed concerts, but also because of a DIY attitude. The talk versed the importance of punk bands of the 80s, and garage, as partial influence of the band’s sound, as well as, of course, many others that are not directly linked to this subgenre, that always shared that sound or attitude. From now on, let us wait for Beesus to return more times to Portugal because they are a good group to follow its future evolution. Same for FVZZ POPVLI, that are also an interesting band.
Os BEESUS, banda italiana, natural de Roma, deram o seu primeiro concerto de sempre em solo nacional, na última terça-feira, no Woodstock 69. Andam em mini-tour europeia durante este mês de Abril, e esta foi uma boa oportunidade para os ver e tirar algumas conclusões sobre este quarteto ao vivo. O grupo demonstra ser discograficamente uma banda de fusão de vários subgéneros do rock mais pesado e underground da atualidade, tendo um pouco de tudo para oferecer a um público vasto dentro do underground.
Essencialmente, diria que fazem uma ligação muito bem conseguida entre o doom e o stoner rock, mas mesmo assim há muito mais coisas que ressaltam na sua música. Há grunge, algum metal (mais na vertente post metal, embora existam coisas old school), há punk hardcore (mais na vertente sludge)… e muito fuzz e psicadelismo, – embora não seja banda de viagens cósmicas e afins – o deles é muito imediato e mais baseado em tempos devastadoramente lentos, crús e hipnóticos (há momentos que remetem para uns Swans, mas para mais sons que são, de alguma forma, muito familiares para quem está dentro deste espetro sonoro). Da minha parte identifiquei muitos momentos que devem tudo a uma Rollins Band (mais tarde confirmado pela banda como uma referência muito importante no seu som). Há muito de punk na atitude da banda, isso é notório ao vivo. Os Beesus ofereceram um muito bom concerto, com muitos bons momentos; alguns verdadeiramente intensos e abrasivos.
O público presente aderiu completamente à intensidade da banda e esta agradeceu, de forma entusiástica, a presença do mesmo num dia incomum para concertos ao vivo, como é sempre uma terça-feira. Após o final do espetáculo, e trocando algumas impressões, com o guitarrista da banda, Francesco Pucci (também guitarrista dos italianos FVZZ POPVLI, uma banda de heavy psych), este comentou o contentamento da banda por ter realizado o seu primeiro gig em Portugal, e da importância da primeira vez para uma banda que está a progredir e a crescer muito à base dos concertos realizados mas também de toda uma atitude DIY. Falou-se da importância das bandas punks dos anos 80’s e garage como influência em parte do som da banda, bem como, e obviamente, de muitas outras que não estando diretamente ligadas a esse subgénero, sempre partilham esse som ou então a atitude. Aguardemos que os Beesus regressem, a partir de agora, mais vezes a Portugal pois são um bom grupo para seguir a sua evolução futura. E já agora, também os FVZZ POPVLI, que também são uma banda interessante.
Mondo Bizarre Magazine 